¿Artista? ¿Diseñador? Bruno Munari arroja luz sobre la dualidad entre universos creativos
Las últimas décadas de su vida, Bruno Munari se centró especialmente en temas relacionados con la didáctica, la psicología y la pedagogía. Es en esta etapa de reflexión cuando nace este libro: Artista y diseñador.
«El artista trabaja de forma subjetiva para sí mismo y para una élite, mientras que el diseñador trabaja en grupo para toda la comunidad».
Bruno Munari
Durante toda su vida, Bruno Munari tuvo una meta: la búsqueda de formas de simplificar y clarificar el proceso de diseño. Llegó a apostar por una educación en el diseño que comenzara en las guarderías. En 1971, con una edad madura, Bruno Munari ya había superado con creces su etapa creativa más productiva. Empezó a centrarse en los contenidos de tipo más didáctico para alcanzar este fin.
Artista y diseñardor de Bruno Munari
En Artista y diseñador (Gustavo Gili, 2019) el maestro Munari se adentra en la dialéctica siempre manifiesta entre ambos campos. Con suma claridad, nos adentra en el lenguaje visual creado por esos dos universos —el del arte y el del diseño— que a menudo confluyen y se entrelazan, pero que en otras ocasiones se distancian y se ignoran.
Para Munari el mundo del arte es el del estilo personal, la crítica, la fantasía, la belleza… Mientras que el del diseño, en cambio, es el del profesional, la industria, la creatividad, la funcionalidad…
Son mundos paralelos, pero no antagónicos, que Bruno Munari disecciona magistralmente en estas páginas. Y así, a través de sus palabras, nos ayuda a vislumbrar la naturaleza profunda de dos de las actividades humanas más estrechamente vinculadas a nuestra facultad creativa. Un iluminador ensayo que sacudirá la mente de cualquier persona vinculada al ámbito de la creatividad.
Maquetación atípica
En todos los libros que escribió Bruno Munari hay presente un fuerte impulso experimental que lo lleva a explorar formas insólitas e innovadoras partiendo de la encuadernación. Artista y diseñador es un claro ejemplo.
Aparte de los contenidos teóricos que expone el autor, cabe reseñar otro aspecto importantísimo del libro: la maquetación experimental. Cuando el lector tenga en sus manos este libro, observará que existen diferentes niveles de lectura. Es ahí, en la maquetación del libro, donde encontramos la faceta de Munari como diseñador.
En un verdadero afán por simplificar el diseño y mejorar la lectura, en 1971, cuando escribió este libro, Munari quiso romper con los cánones establecidos de los libros académicos.
Maquetación experimental
Munari diseñó un nuevo tipo de maquetación que presentaba la información en un folio continuo con la anchura de una página, pero tan extenso como todas las páginas dispuestas una tras otra. La intención de este cambio era no interrumpir el discurso que se desarrolla conjuntamente en el texto, las ilustraciones, las notas y las leyendas, de manera que el lector pueda efectuar varios tipos de lectura: de hecho, puede limitarse a leer el texto principal y mirar las ilustraciones que lo acompañan; puede leer el texto principal y las notas que se presentan en una columna más estrecha [texto en color en esta edición de GG], puede leer todo, incluso los pies de foto que aparecen en una columna más pequeña.
El texto –con las ilustraciones, fotos, notas, citas y añadidos dispuestos en una línea continua, sin saltos ni interrupciones– se corta a continuación en el formato de las páginas para que el lector pueda elegir entre una lectura rápida o completa, dependiendo de su interés.
Aunque las fotografías y la imagen de portada te lleven a pensar en algo obsoleto, no te equivoques, el contenido de este libro viene a demostrar que las enseñanzas del maestro Bruno Munari están más vivas que nunca.
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