Malika Favre: «La animación es una nueva forma de ilustración»

— Malika Favre Ella misma se define como una ilustradora poco habitual. Su entusiasmo por los aspectos profesionales relacionados con los derechos de autor y la negociación, así como su inconfundible estilo, le hacen ser un espécimen un tanto anómalo dentro de su especie. De ahí a que su visión sobre cómo ha evolucionado el sector, desde la perspectiva de ilustradora formada en diseño gráfico, sea bastante significativa. competencia feroz Uno de los problemas del sector es la competencia tan grande que hay hoy en día. Debido a que hay muchos ilustradores y diseñadores gráficos por todo el mundo que cuentan con Internet, no es necesario estar en EE.UU. para trabajar con clientes de allí, por ejemplo. Por lo que hay una competencia muy grande. Antes, la competencia solo estaba en tu ciudad, luego en tu país y ahora está en el mundo entero. Esto puede ser un gran problema, pero también puede ser súper ventajoso por otro lado porque puedes tener una visibilidad mucho más grande que antes y puedes llegar a clientes que viven muy lejos y que necesitan justo tu estilo. Puedes encontrar tu nicho, esté donde esté. diferenciarse en un mundo saturado Para mí cómo diferenciarse es todo un misterio, pero hay una cosa que nunca cambia y es que si tienes talento, tienes talento. Tener un estilo propio es fundamental: no copiar a la gente, no hacer algo porque está de moda y hacer algo que sea muy personal. La gente a mí me copia mucho, pero todavía estoy esperando a que venga una persona que me copie y lo haga mejor que yo. Y quizá, cuando llegue este día yo ya esté jubilada… WHERE ARE THE BOSS LADIES – Trabajo personal Un ilustrador es la suma de 15 o 20 años de experiencia personal. El estilo no surge de la nada. Surge de la inspiración a través de la experiencia, de las vivencias de la infancia, de los viajes, de la experiencia personal. Quien se escuche a sí mismo, conseguirá con un estilo personal. El problema es que hay mucha gente que no tiene la conciencia o la paciencia para crear este estilo personal. No sale en dos días. Cuando una persona tiene un estilo y algo único, para mí ya es todo un éxito. No es como tener un trabajo en el que para ejercerlo has tenido que conseguir un título, el mismo que también tiene mucha gente. Es en este caso cuando la diferenciación es muy difícil. No es así en la ilustración. Como artista los títulos no valen, por lo que es más fácil poder diferenciarse. los cambios Es indudable que el sector ha evolucionado. Para mí lo que más ha cambiado es que ahora hay una necesidad real de crear animaciones. Ahora que las revistas tienen sus versiones en formato digital, ha hecho que los clientes necesiten saber cómo animar sus ilustraciones. Es algo fundamental hoy en día. La animación es como un plus para el ilustrador en la actualidad. Ahora el profesional tiene que saber animar o saber cómo encargar la animación. Por ejemplo, aunque yo hago pequeños GIFS, no hago piezas de animación. Sin embargo, colaboro con un profesional que anima mucho mejor que yo. Creamos todas las animaciones de las ilustraciones que hago para The New York Times. Para mí es una nueva forma de ilustración. No es animación, no es ilustración… es ilustración animada; pequeños movimientos que le aportan algo a la portada. la idea frente a la técnica En mi caso, estudié diseño gráfico y publicidad. Ahí las ideas eran súper importantes porque eran el concepto. El concepto es el corazón del proyecto. Por lo que, cuando hago una ilustración, la enfoco desde el principio desde el concepto. Casi más desde una perspectiva de diseño gráfico que de ilustración. Empiezo con él, que para mí es lo más importante y luego ya vendrá la técnica. Cuando me llega un encargo, antes que nada, reflexiono sobre la idea. El estilo ya lo tengo (hay mucho de instinto en los colores, en las formas, etc.) Lo diferente cada vez es la idea. Quizá sea lo más complejo en el desarrollo de un trabajo. Es por esta por lo que cada vez que empiezo un nuevo proyecto, se me pasa por la mente la posibilidad de que quizá no salga… Pero es como un ejercicio de gimnasia. Entrenas tu cerebro. Cuando la idea no viene, como todos lo ilustradores, busco muchas cosas online: artículos, imágenes (no de lo que voy a dibujar pero que hagan referencia al tema), etc. y luego duermo, dejando reposar las cosas. Al día siguiente siempre ha venido la idea. Puede haber ideas mejores o peores, pero con esta gimnasia una idea siempre surgirá —aunque una idea nueva, original, no puede salir cada vez—. A veces hago algún trabajo que, aunque funciona, no me siento tan orgullosa. Pero cuando esta idea viene, es increíble. la evolución del freelance No sé si hay mucha diferencia entre un freelance de ahora del de hace unos años. Hubo un tiempo cuando empecé que ser freelance en ilustración contemporánea era genial. Antes había mucha fotografía y ahora hay mucha más ilustración. Ahora hay más libertad creativa, pero también más responsabilidad. Antes cuando estaba en la escuela de arte, por ejemplo, lo que pensaba es que un director de arte de una agencia de publicidad era la persona que tenía las ideas y que luego encargaban el proyecto al ilustrador para ejecutar esas ideas con su estilo. Pero creo que ahora, los clientes te hacen el encargo de todo. Lo que a veces está muy bien porque tienes más control de lo que vas a hacer, de la idea… Los briefs son más abiertos ahora. Por lo que, por un lado, es muy bueno, pero por otro, a veces te preguntas cuál es el verdadero papel del director creativo. el futuro y la tecnología Yo no creo que la creatividad real pueda suplantarse por una máquina. A no ser que el cliente necesite una idea que funcione de un modo genérico. Eso sí que podría hacerlo una máquina en el futuro. Hay muchas cosas que surgen de la serendipia, del experimento, eso no puedes replicarlo. Aunque sí hay un riesgo. Hay mucho trabajo en la industria que es de ejecutar, no solo generar la idea. Este tipo de trabajos son los que corren el riesgo de ser sustituidos por una máquina. Hay un 10% de un proyecto que no podría hacerlo una máquina frente al 90 % del trabajo más mecánico que sí. reinvención continua No pienso demasiado en tener que formarme para reinventarme. La verdad, es que creo que los ilustradores son los primeros que se aburren con el trabajo, antes que los clientes, antes que el público… La gente solo ve el resultado de un trabajo que pueden ser unas 15 imágenes, pero por estas 15 el ilustrador ha visto 100 que ha ido creando a lo largo del proceso. Para mí, la necesidad de reinventarse viene de dentro, no viene de lo que va a pensar la gente, sino de pensar que tengo que adelantarme para no aburrirme. Es más una cuestión de experimentar con nuevas cosas, temas, etc. Esto es algo natural, que forma parte de la ansiedad del artista. Inherente a la persona que crea porque si no, se aburre. Malika Favre es ilustradora. Su estilo atrevido y minimalista, a menudo descrito como Pop Art y OpArt, es una lección del uso del espacio, el color y las formas positivo / negativo. Los clientes de Malika incluyen The New Yorker, Vogue, BAFTA, Sephora y Penguin Books, entre muchos otros. @malikafavre Entrevista realizada en el marco del Festival Blanc 2019.

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