#Absoluticon, 10 reinterpretaciones artísticas de la icónica botella
La botella de Absolut no deja de pasar por metamorfosis interesantes, normalmente relacionadas con el arte. Ya lo vimos en La revolución visual de Absolut, o en Absolut México, el arte del tatu al más puro estilo Dr. Lakra. En esta ocasión se trata de #Absoluticon. 
Desde los años 80, Absolut se convirtió en un icono gracias a la colaboración con creadores de la escena artística neoyorkina, de las que surgieron piezas icónicas de Andy Warhol, Keith Haring o Basquiat que convirtieron a la botella de Absolut en un icono de la cultura popular.
«Si la pipa que pintó Magritte no era una pipa, Absolut ha demostrado que su botella no sólo es una botella», afirman desde Absolut.
La botella de Absolut ha sido a lo largo de 30 años un icono para la creación artística, convirtiéndose en una pieza de arte en sí misma pero manteniéndose intacta desde 1979. Hasta ahora. Absolut ha presentado el restyling de su histórica botella para actualizar en pequeños detalles un icono que sigue construyendo su propio futuro.
Ahora esta vinculación se actualiza con 10 de los artistas más representativos del panorama creativo español en #AbsolutIcon, reinterpretando el nuevo diseño de la botella que ha sido emblemática por varias generaciones para crear una obra artística única y audaz en sus respectivas disciplinas.
En #Absoluticon participa Diego Canogar, Ricardo Cavolo, Felipe Pantone, Irene Grau, Raúl Díaz Reyes, Coco Cávez, Javier Calleja, Antonyo Marest, Aggtelek y Aitor Saraiba.
En esta iniciativa, comisariada por Eloy Martínez de la Pera Celada y por Óscar García García, la transformación es el eje del arte y del proyecto. Por ello #Absoluticon presenta diez obras que van desde ilustraciones, pinturas, esculturas a arte urbano o fotografía donde el símbolo A. adquiere categoría de emblema.
Diego Canogar (Madrid, 1966) indaga en la esencia virtual de las formas y las superficies que definen los objetos. Le gusta dibujar en tres dimensiones con tubos, chapas y varillas metálicas con las que construye las piezas de su microcosmos, en las que la geometría y la naturaleza son un filón inagotable de esquemas atemporales con los que poder jugar. Canogar explora la forma más sencilla de plasmarlos, elaborando definiciones visuales, objetos o conceptos que se encuentran alojados en la caverna de Platón. Son como dibujos o trazos en el aire, donde la luz que reciben, reflejan o incluso a veces emiten, crean sombras interesantes, dando protagonismo absoluto al aire y la luz que circulan y envuelven sus esculturas.
Técnica y soporte: Escultura de hierro de forja en vaciado. Medidas 170 x 62 cm
Ricardo Cavolo (Salamanca, 1982) ha expuesto en galerías como Mad is Mad (Madrid), Atómica Gallery (Londres) y Ó! Galeria (Oporto), lo que le ha convertido en uno de los ilustradores españoles más internacionales. Entre sus trabajos destacan la creación de cubiertas de discos y cartelería para discográficas como Gran Derby Records o BOA Music, los proyectos para AIGA (American Institute of Graphic Arts) o las ilustraciones para las editoriales SM, Periférica, Lunwerg o Madriguera (Perú). Ha trabajado también en campañas publicitarias para firmas como Levi’s, Nike o Urban Outfitters.
Técnica y soporte: Tinta y acuarela sobre papel Medidas 42 x 29.7 cm (A3)
Felipe Pantone (Buenos Aires, 1986). Pantone pintó su primera pieza cuando descubrió el graffiti en Valencia, en 1998, ciudad en la vive y trabaja actualmente. Ha colaborado en la fundación del grupo DOCS, conocidos por sus experimentos artísticos con tipografías y el alfabeto. Su nombre ha llegado a innumerables rincones del planeta y su estilo único, con ese característico brillo, evoluciona en sus viajes y experiencias sin perder nunca su característico sello de calidad. Fuertes contrastes, colores intensos, grandes efectos y una buena dosis de recursos le sirven para que sus piezas generen un fuerte impacto en el espectador. En 2015 ha expuesto su obra en Delimbo Gallery de Sevilla y en Backwoods Gallery de Melbourne (Australia).
Técnica y soporte: Spray sobre madera Medidas 100 x 100 cm
Irene Grau (Valencia, 1986). Desarrolla su trabajo a partir de diversas dinámicas entre el color y el espacio, donde la idea de sistema, ya sea métrico o cromático, tiene una considerable importancia conceptual y procesual. La artista sustenta la relación entre los elementos cromáticos y el espacio sobre la experiencia del caminar y la condensación de ésta toma –una y otra vez– forma de mapa, una representación del recorrido que requiere siempre la intervención de la imaginación del espectador para acabar de dibujarse. La artista nos invita a salir al exterior, lejos de la comodidad del estudio, a descubrir la pintura fuera, en una suerte de proceso pictórico que en su desarrollo se funde necesariamente con el paisaje, ya que, como afirma Grau, «la pintura, como el caminar, es un proceso de relación con el espacio».
Técnica y soporte: Copia Ultrachrome sobre papel baritado / Esmalte sintético sobre botella Absolut Medidas 2 impresiones de 34x60cm con marco (fotografía y recorrido) + 1 botella Absolut nueva
Raúl Díaz Reyes (Madrid, 1977). Las obras de Raúl Díaz Reyes rompen las fronteras disciplinarias haciéndonos entrar en una contemporaneidad rotunda en la cual los lenguajes se alejan de la convención y nos invitan a conformar una mirada panorámica de los entornos. La unión que establece con la arquitectura, así como la mezcla de materiales, nos habla de las ciudades en relación con sus habitantes como sistemas dinámicos en movimiento y alteración constante. De este modo no hay límites dimensionales, no hay leyes técnicas: la fotografía se contempla como escultura, la pintura se adentra en ella. Los frutos de esta reflexión sobre la urbe como lugar de interacción y cambio cuestionan los modelos expositivos, alterando códigos y dando lugar a nuevos paisajes de posibilidades múltiples.
Técnica y soporte: Escultura, pintura e impresión digital sobre aluminio Medidas 100 x 120 cm aprox.
Coco Dávez (Madrid, 1989) Con un marcado estilo propio, la ilustradora ha conseguido hacerse un hueco en el dibujo contemporáneo actual. Atesora una gran experiencia creativa y un futuro prometedor, que muestra a través de su nueva serie Faceless, un giro de 180º en su trabajo artístico. Integrada por retratos fauvistas sin cara, representan los ídolos que la han influido a lo largo de su vida en algún modo. Las obras están pintadas con acrílicos sobre papel, con el color puro como protagonista. Con la simplicidad de las formas y la combinación de colores vivos, Dávez consigue captar la esencia personal de cada personaje. Un retrato que desdibuja el rostro hasta hacerlo desaparecer.
Técnica y soporte: Acrílico sobre lienzo Medidas 100 x 81 cm
Javier Calleja (Málaga, 1971). «No es más grande lo que más espacio ocupa, sino lo que más espacio llena», afirma Javier Calleja. El malagueño ha expuesto en centros de arte como CAC Málaga, Centro de Arte Contemporáneo de Burgos, Centro de Arte de Alcobendas, diversas sedes del Instituto Cervantes y en galerías españolas y extranjeras como Rafael Pérez Hernando de Madrid o Castor Gallery de Nueva York. A Calleja no le gusta hablar de su trabajo: los buenos magos nunca explican sus trucos. Para entender sus proyectos hay que imaginar que formamos parte de su mundo, que somos tan grandes o pequeños –según se quiera ver – como sus obras.
al fin y al cabo transforma mi forma de pensar y de actuar frente a la sociedad».
Técnica y soporte: Grafito, tinta y acrílico sobre papel Medidas 140 x 100 cm
Antonyo Marest (Alicante, 1987). Ha recorrido gran parte del globo terráqueo y ha conseguido ganarse un hueco en la escena del arte urbano español. Ha realizado múltiples exposiciones que van desde customización, Street art o graffiti pasando por interiorismo o diseño gráfico. A lo largo de 2015 ha expuesto sus obras y pintado en murales de ciudades como París, Londres, Berlín, Estambul, Madrid o Nueva York. Además de ser un diseñador todoterreno, es un profesional amante de la arquitectura, las líneas puras, los colores vivos y las materias orgánicas.
Técnica y soporte: Escultura Medidas 120 cm diámetro (A= 90 cm alto)
Aggtelek. Xandro Vallès (Barcelona,1978) y Gema Perales (Barcelona, 1982) forman este colectivo artístico cuyo principal interés es llevar al proceso creativo la investigación del desarrollo teórico de la producción artística. Estos procesos hiper-productivos son considerados como una forma de mostrar los pensamientos, ideas o diálogos cotidianos que han abierto el camino para nuevas obras que interactúan en una diversidad de disciplinas como performance, esculturas, vídeos, textos o instalaciones. El dúo se siente profundamente comprometido con las ideas de su tiempo. Para ellos, su arte tiene que ver con la vida, expresada con vigorosa vitalidad, provocada a veces por un desafío de los límites de lo políticamente correcto.
Técnica y soporte: Acrílico sobre lienzo Medidas 200 x 180 cm
Aitor Saraiba (Talavera de la Reina, 1983). Creador único que aúpa el valor del mensaje, de lo sencillo, y lo convierte en puñalada. Tiene un imaginario tremendista y caótico, complejo en sus planteamientos pero con un trasfondo preciosista y repleto de sentimientos. Sus trabajos pictóricos esconden historias profundas, en muchos casos autobiográficas. Como muestra, sus novelas gráficas: ‘El Hijo del Legionario’, ‘Pajarillo’ o ‘Nada más Importa’. Ha participado en proyectos artísticos para MUSAC, Thyssen-Bornemisza, CA2M, La Noche en Blanco o PhotoEspaña. Saraiba ha expuesto en galerías de Madrid, Los Ángeles, Manchester, México, entre otras, y ha colaborado con marcas como Converse, Benetton, SISLEY.
y entender su universo. El arte es lo único que nos puede salvar de nuestros miedos».
Técnica y soporte: Acrílico sobre lienzo Medidas 180 x 146 cm
Actualizado 13/05/2021
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