Gràffica Talks: una conversación entre Astrid Stavro y Harry Pearce

Talks es la nueva publicación de Gràffica: una colaboración con Pentagram en la que vamos a poder descubrir pensamientos, ideas y reflexiones de la mano de Astrid Stavro con sus compañeros de oficina, y en esta primera edición el elegido es Harry Pearce. astrid stavro Es una diseñadora gráfica de renombre internacional con una reputación de diseño sólido impulsado por conceptos que es conciso, emocionalmente atractivo, con énfasis en la tipografía y la artesanía exquisitas. Se unió a Pentagram como socia en 2018. harry pearce Es un diseñador gráfico, accidentalista, eterno optimista y fotógrafo. Estudió en Canterbury College of Art. Antes de unirse a Pentagram como socio en 2006, cofundó y co-dirigió Lippa Pearce Design durante 16 años. Astrid Stavro Harry Pearce Te uniste a Pentagram en 2006, ¿cómo ha cambiado y evolucionado desde entonces? En los últimos 15 años he visto cómo se unían 14 nuevos socios y cómo nos dejaban 8. Los cambios en Pentagram se confirman con el cambio de personal. Cada socio que se une marca la diferencia en la composición, la conversación y el comportamiento del grupo. Es un maravilloso flujo constante, aunque no siempre fácil. Esta ha sido la fortaleza de Pentagram. Doblarse y adaptarse al mundo actual en que vivimos de forma orgánica. Cuando yo me uní había 5 socios en Londres y 18 en todo el grupo. Ahora somos 24 socios en total. Esto es un gran cambio y la energía en el grupo ahora es muy diferente a la que era. La cantidad y la escala del trabajo que realizan los estudios es incomparable a la que se hacía hace cinco años. Es tan difícil estar a la altura, como excitante de ver. ¿Cómo visualizas los cambios y adaptaciones en el futuro? Imagino más de lo mismo, pero con mayor celeridad, tal y como evoluciona el mundo ahora mismo. Como socio de Pentagram, ¿cómo encuentras el tiempo para trabajar en proyectos propios y qué importancia les das? Yo considero los proyectos propios vitales. Fue una de las razones por las que me uní como socio. Porque vi lo importante y respetada que era la expresión personal dentro del grupo. Para mí se trata de crecimiento y aprendizaje. Tengo un cuaderno naranja de ideas y pensamientos personales. Y continuamente lo estoy llenando. Algunas ideas se hacen realidad, otras pueden llegar a formar parte de otros proyectos para clientes o proyectos personales. Los fines de semana y las primeras horas del día a menudo se desvanecen con proyectos personales. Y no se trata solo de trabajo gráfico. Me he dado cuenta de que mi carrera ha tenido mucho de auto-descubrimiento. Por ejemplo, mis charlas han evolucionado cada vez más y más hacia un enfoque personal. He compartido acontecimientos bastante íntimos de mi vida, como la muerte de mi padre, mis sueños, sucesos traumáticos de mi infancia, etc. Y todo ello ha formado parte de mi trabajo como diseñador gráfico. Por eso la noción de «personal» y «comercial» me resulta tan difícil de diferenciar. «Las personas somos la suma de nuestra experiencia». Astrid Stavro Tienes razón, las personas somos la suma de nuestras experiencias. Como dijo Ortega y Gasset en 1914: «Yo soy yo y mis circunstancias». Me encanta el hecho de que tus charlas sean más personales. Somos personas con sentimientos. A veces es casi imposible separar lo personal de lo profesional. Por ejemplo: si me siento cansada o descontenta, mi creatividad se ve afectada. vida personal y profesional Has dicho que la noción de personal y comercial te resulta difícil de separar. Me interesa saber cómo lo personal impregna el trabajo comercial. ¿Hay algún ejemplo concreto de esto que te venga a la mente? El mundo de mis sueños es profundamente personal y preciado para mí. Ha sido un gran compañero y fuente de todo tipo de inspiración y reflexión. Hay un ejemplo de hace años, cuando estaba trabajando en la identidad visual de la retrospectiva de Anish Kapoor en la Royal Academy of Arts. Basamos el concepto en torno a la obra de Anish Shooting into the Corner. Una potente instalación en la que grandes masas de resina roja son disparadas por un cañón hacia la esquina de una habitación blanca. El cañón dispara cada veinte minutos, y el proceso está activo mientras dura la exposición. Al final, la habitación es una masa de material rojo. El proyecto estaba muy verde, y la fecha de inauguración de la exposición se aproximaba. La Royal Academy nos pidió si podíamos crear un vídeo de veinte segundos para anunciar la exposición en cines. «El mundo de mis sueños es profundamente personal y preciado para mí. Ha sido un gran compañero y fuente de todo tipo de inspiración y reflexión». Harry Pearce No había un briefing real, casi no había ni tiempo, y yo estaba a punto de subirme a un avión para dar una conferencia en Nueva Zelanda. Así que rechazamos la idea del vídeo, principalmente por nuestra falta de experiencia en audiovisual, junto con la falta de tiempo. Durante el vuelo me quedé dormido. Tuve un sueño de cómo debía de ser el vídeo. En el sueño cada secuencia se mostraba con precisión. Los sonidos del cañón disparando, cada parte de la identidad construida en torno al sonido y a la resina rojo sangre golpeando contra las paredes. Lo dibujé todo y al llegar a Auckland envié el storyboard a un editor de la BBC que había conocido hacía poco tiempo. Maravillosamente, Anish produjo el sonido y las imágenes y el vídeo finalmente pudo producirse. Todo gracias a un sueño. Royal Academy of Arts ¡Qué increíble historia! Un gran ejemplo de cómo lo personal impregna la parte comercial. Me resulta muy difícil separar los proyectos comerciales para clientes de mi vida personal. No veo esto como una forma de vida que pueda compartimentar. Todo fluye conjuntamente, y mantiene mi energía creativa viva, con todos los mundos aportando a cada cual. He utilizado mis fotografías para encontrar caminos hacia soluciones creativas para proyectos. Esto puede ser desde literalmente utilizar una imagen, a veces sencillamente como método para propiciar una tormenta de ideas, o incluso originando una idea completamente nueva que permanecerá a la espera de ser utilizada. «La fortaleza de Pentagram ha sido doblarse y adaptarse al mundo actual en que vivimos de forma orgánica».Harry Pearce Estás personalmente involucrado en temas humanitarios como, por ejemplo, tu asociación con Peter Gabriel en Witness. ¿Cómo y cuándo comenzó esta colaboración? Es una historia muy larga. Conocí a Peter Gabriel hacia 1984 en una exposición de arte africano en Bath. Nos volvimos a ver cuando pusimos en marcha Lippa Pearce en 1990 y me invitó a almorzar y a visitar los estudios Real World. Peter Gabriel Yo siempre había admirado a Peter y su habilidad para vivir una vida creativa y humanitaria. Una de sus canciones en concreto, Biko —escrita para el activista negro Steve Biko que fue asesinado en Port Elizabeth en 1977 por la policía sudafricana— tuvo un gran impacto en mí. Peter me presentó al Comité de Abogados por los Derechos Humanos de Nueva York, quienes necesitaban una identidad que yo acabé creando. Mientras tanto, Peter había fundado Witness, una organización inspirada por las víctimas de derechos humanos que conoció y las películas que filmó mientras daba la vuelta al mundo actuando en el tour Conspiracy of Hope de Amnistía Internacional. La grabación de la paliza a Rodney King en Los Ángeles se convirtió en el ejemplo perfecto de lo que el periodismo ciudadano podía hacer y entonces nació Witness. Su propósito era apoyar a las personas oprimidas alrededor del mundo ayudándoles a documentar las atrocidades en vídeo. La esperanza era poner el foco sobre temas e historias que de otra manera quedarían enterradas, olvidadas y sobre las que no se haría justicia. Icónico fragmento de la grabación de la paliza a Rodney King. Dar una voz a aquellos que no la tienen. Witness puso cámaras en las manos de los que sufren, de tal forma que la verdad pudiese ser contada. Peter reunió a Witness y al Comité de Abogados por los Derechos Humanos para que validaran los vídeos y que pudieran presentarse en juicios como pruebas. En ese momento entendí el gran impacto de lo que Witness intentaba hacer. Además ellos necesitaban ayuda para hacer que esas historias fueran de dominio público así que empecé a construir un lenguaje gráfico y campañas para ellos. Hemos estado trabajando juntos en este proyecto desde 1993. «Yo encuentro la relación entre lenguaje e imágenes fascinante». Astrid Stavro el rol del diseño ¿Crees que el diseño gráfico puede —o debería— ser un catalizador para el cambio social? Realmente creo que debería serlo. El diseño gráfico tiene una gran oportunidad, así como una gran responsabilidad de afectar al mundo para bien, particularmente en el cambio social. El diseño gráfico a menudo está en el corazón de la protesta social. Realmente es su auténtico propósito. La historia del diseño gráfico estoy seguro de que se alinearía con la historia de la protesta social. ¡Muy cierto! Un ejemplo maravilloso que vi recientemente es un proyecto del artista/diseñador Khaled Jarrar quien creó un sello nacional para el estado de Palestina. A Palestina no se le permite tener servicio postal propio o sellos nacionales. Jarrar presentó sus diseños en los Países Bajos, quienes junto con otras naciones reconocieron la validez de los sellos y admiten que se envíe correo con ellos. Un gesto que parece pequeño pero que conlleva grandes implicaciones. Sello de Palestina diseñado por Khaled Jarrar ¡El proyecto de Khaled Jarrar es increíble! En cuanto al diseño como centro neurálgico de la protesta social, hay un proyecto reciente que me impactó mucho: el letrero pintado por los empleados del ayuntamiento y artistas locales con el texto Black Lives Matter en enormes letras amarillas en la calle 16 de Washington, conforme se llega a la Casa Blanca. Es una declaración del poder del diseño como catalizador de la protesta social. Yo siempre me he sentido una especie de Robin Hood en mi actitud con respecto a mi trabajo de diseñador. Trabajo en proyectos comerciales muy grandes que luego me permiten dedicar tiempo de diseño y energía a otras causas. Creamos Lippa Pearce bajo ese principio, trabajar para un amplio abanico de causas y esa idea todavía permanece en mí. Me encanta la metáfora de Robin Hood. ¿Te permiten los proyectos comerciales desviar fondos para el trabajo pro bono? Gestionar tu propio negocio dentro de una estructura más grande como es Pentagram debe de ser muy exigente y consumir mucho tiempo. ¿Cómo encuentras el tiempo —y la energía— para enfocarte en estos proyectos colaterales? Es un ajuste raro, la verdad. Yo lo veo de esta manera: mantenerse con unas cifras de negocio saludables te permite trabajar en proyectos altruistas. Es una forma indirecta de financiarse. Hacer tiempo para esas cosas es un ejercicio difícil de equilibrio y una presión constante. Yo permito a los diseñadores dedicar días, incluso a veces semanas, a Witness y también espero de ellos que donen su tiempo personal a la causa. «Lo que realmente importa es que se hagan cosas maravillosas y que encontremos ingeniosas formas de expresión». Harry Pearce Tengo que decir que todo el mundo lo hace sin necesidad de pedirlo. Como dices, el resto de presiones nunca cesan así que es una tensión constante con la que tenemos que lidiar. Yo traje conmigo Witness a Pentagram e hice saber al resto de partners de Londres lo importante que era para mí, pero que renunciaría al proyecto si yo no era económicamente rentable. Del mismo modo, Peter Gabriel me hizo prometerle, desde el principio de mi compromiso con el proyecto, que renunciaría a él si suponía una amenaza personal o financiera. En todos estos años, más de 28, he sido capaz de caminar por la cuerda floja con éxito. ¿Qué rol social ves que el diseño está jugando hoy, y cómo ha cambiado desde el siglo pasado? El diseño, en su definición más amplia, está implicado en todo. Desde las calles a las pantallas, el diseño llena el escenario de nuestra percepción. Su influencia es omnipresente y es una parte inherente del tejido social de nuestras vidas. Desde el más pequeño texto en una etiqueta, a un graffiti callejero o una enorme pancarta de protesta que cuelga de un edificio, el diseño es la forma en que recibimos la materia por la que vivimos. Como resultado el diseño tiene la oportunidad de elevar e inspirar; de aportar entendimiento y verdad a nuestras vidas, o del mismo modo puede utilizarse insidiosamente para minarnos y empobrecernos a todos. «De cualquier modo, su rol y poder nunca han sido tan bienvenidos como hoy». Harry Pearce Sin duda en el pasado sencillamente no había tantas «cosas», no existía este constante bombardeo de medios y productos. Creo que la presencia del diseño refleja una edad y un tiempo. El poder del diseño siempre se ha hecho presente. Desde la producción de marcas gráficas en las sociedades antiguas, al poder de la propaganda institucional y los símbolos de movimientos globales, el diseño ha sido tanto el medio como el mensaje. Estoy absolutamente de acuerdo. Lo que cuentas me recuerda a la maravillosa (ahora desaparecida) revista Works That Work, sobre la «creatividad inesperada» que fundara Peter Bil’ak. La revista iba más allá del mero catálogo de portfolios. Se centraba en la inspiración y la observación, las condiciones y el contexto. Works That Work Una de las premisas de la revista era que la creatividad está en todo lo que nos rodea. En palabras de Peter Bil’ak: «Una de las afirmaciones fundamentales de Works that Work es que la creatividad no es un dominio exclusivo de los artistas o los diseñadores, sino algo que nos rodea en nuestra vida cotidiana, algo tan incrustado en nuestra experiencia diaria que a menudo escapa a nuestra atención». Cada número mostraba cómo el diseño está profundamente enraizado en el tejido social. ¡Qué maravilla si eso pudiese enseñarse en las escuelas! Abrir los ojos a cuán profunda es la influencia de todo lo que hacemos y de todo lo que se hace y nos rodea. Si fuéramos todos conscientes del poder que tenemos, y de la responsabilidad asociada a él, muchas cosas podrían cambiar para bien. Una cita maravillosa de la Cábala: «Lo que ves, pasará; lo que has visto, no». arte vs diseño ¿Cuál crees que es la verdadera diferencia entre el arte y el diseño? Yo diría que muy pequeña… Recuerdo estar en las cuevas de Lascaux en Francia; impresionado por las maravillosas imágenes que me rodeaban y reflexionando sobre la definición de arte. Obviamente ahora consideramos eso arte, pero podrían haberse hecho como parte de un ritual chamánico para ayudar en la cacería. O las huellas de manos en rojo y ocre podrían ser para identificar a individuos. «Estas y otras marcas ancestrales podrían haberse hecho para servir a un propósito concreto de la comunidad. Aquí arte y diseño son inseparables». Harry Pearce Cuando estuve investigando entre los archivos de la Royal Academy of Art encontré una nota interesante relativa a la fundación de la academia por Joshua Reynolds en 1768. Reynolds, junto con otros 36 artistas, firmaron una petición de permiso para «establecer una sociedad que promoviera el Arte y el Diseño». Claramente, ya entonces no encontraron la necesidad de definir una diferencia entre ambos conceptos. Royal Academy of Arts Si observo lo que Stefan Sagmeister o Karel Martens hacen, oscilan entre dos mundos, el del arte y el del diseño. Cada uno podría ser etiquetado en cualquiera de ambos campos. Sin embargo, ninguno de los dos eligió una etiqueta y eso es una lección que aprender. Al final, creo que no puedo, ni estoy particularmente interesado en dibujar la línea que separa el arte del diseño. Lo que realmente importa es que se hagan cosas maravillosas. Que colectivamente nos esforcemos por elevar nuestras culturas, y que nos influyamos mutuamente para encontrar nuevas e ingeniosas formas de expresión. Muchos diseñadores creen que la diferencia fundamental entre arte y diseño es que el diseño (gráfico) responde a un brief y se crea para un cliente, mientras en el arte la motivación es el propio arte. «El diseño es un lenguaje, con su vocabulario propio, gramática, sintaxis y retórica». Astrid Stavro El trabajo de Stefan y de Karel son grandes ejemplos de trabajos que cabalgan sobre la línea que separa el arte y el diseño, conformando y enriqueciéndose mutuamente. Sin embargo, en ambos casos, yo diría que sí hay una clara diferencia entre el trabajo más artístico y auto-iniciado; y el trabajo comercial que responde al encargo específico de un cliente. Sí, por supuesto, tienes razón y claramente existe una línea. Sin embargo, los resultados a menudo son difíciles de diferenciar. Echando la vista atrás a algunas piezas de, por ejemplo, arte renacentista, que habrían sido encargos, y de algún modo «hechos a medida para un cliente», todavía podemos considerarlos trascendentes. A lo mejor debemos buscar las respuestas observando la intención del creador de la pieza, y nos sólo si hay un encargo o no. Todo esto me recuerda a mi primer curso en el Cheltenham Art College. Tuve una auténtica crisis cuando llevaba dos tercios de curso cuando en clase de dibujo, una tarde un tutor (que era un gran escultor) me llevó a un aparte y me dijo que en adelante debería concentrarme únicamente en el diseño gráfico. Que mis ideas funcionaban para esa disciplina pero no para las artes plásticas. Fue un shock, un momento de inflexión vital, en que sentí como si las bellas artes eran territorio vetado para siempre. Me tomé al pie de la letra su consejo. «A lo mejor debemos buscar las respuestas observando la intención del creador de la pieza». Harry Pearce He construido una carrera en el diseño gráfico y me ha encantado, pero me dejó con un sentimiento de que ya no tenía permiso para ser un artista, independientemente de cuánto lo deseara o lo necesitara. A finales de los 90 empecé a pintar grandes lienzos al óleo (de metro y medio por metro y medio). Hice uno detrás de otro. Fue liberador y sobrecogedor al mismo tiempo. Mi cuaderno naranja se llenó con más y más ideas que no eran de diseño gráfico. Acepté el consejo de artistas de la Royal Academy, y me fui a Tamper y trabajé con un artista e impresor brillante. Desarrollamos algunas de las ideas de mi cuaderno naranja. La mayoría resultaron en serigrafías de abstracciones de «tipografías callejeras» mezcladas. La exposición Eating with the eyes fue un punto de inflexión. Gran parte de esta faceta de mi vida la he mantenido privada. Recientemente he convertido un pequeño garaje en un estudio de pintura. Mi batalla con el «permiso» lentamente empieza a no mirar atrás. Eating with the eyes el lenguaje como imagen ¿De dónde viene tu fascinación por el lenguaje como imagen? Mi padre era profesor de Inglés y estaba muy interesado en la poesía metafísica. Mi madre era perfecta para él por su amor al arte y la música. Yo crecí rodeado de estas influencias. Irónicamente, mi dislexia y un temprano miedo a la lectura han contribuido también. Sin embargo, recuerdo ver las palabras como imágenes, especialmente en los logotipos. Por ejemplo, el logo de Fyffes con su óvalo azul y su tipografía blanca contundente eran difíciles de leer para mí entonces. Sencillamente lo veía como una imagen. Creo que eso y otras circunstancias similares fueron indicadores hacia mi vida en el diseño: las imágenes como palabras y las palabras como imágenes. Del mismo modo, veo la distinción entre imágenes y palabras como una línea borrosa. Y creo que a menudo abordo proyectos desde una posición puramente tipográfica. Es la columna vertebral de mi diseño. Recuerdo leer sobre las formas tempranas de sánscrito y sus diferentes niveles de significado. Tienes la forma escrita, luego tienes la forma visual, también tienes el sonido de la frase, y todo forma parte de la presencia multicapa del lenguaje. Completamente mágico. Es como si estuviéramos viviendo en un océano de palabras en el que estamos nadando bien sea sonido, visual o escrito: es puro. «Me resulta muy difícil separar lo visual de las palabras, y además no quiero. En realidad, yo pienso que las palabras son imágenes».Harry Pearce Como tú, yo encuentro la relación entre lenguaje e imágenes fascinante. De hecho, mi sueño de niña era llegar a ser escritora. Por eso ahora me encanta escribir sobre diseño. Si no escribo siento que estoy utilizando solamente la mitad de mi cerebro. Estudié literatura y filosofía y acabé convirtiéndome en diseñadora cuando mi madre se casó con un escritor. Entendí qué difícil iba a ser ganarme la vida solo escribiendo. El diseño era la oportunidad perfecta para mezclar palabras e imágenes. Mi fascinación por las palabras —y la literatura— están en la esencia de muchos de mis trabajos. Me fascinaban James Joyce, Lawrence Sterne, Borges, Cortázar, Italo Calvino, Paul Auster, la poesía concreta y el trabajo de Oulipo, por ejemplo. Georges Perec y Raymond Queneau fueron una gran inspiración. Ahora me has hecho recordar algunos de los escritores que tuvieron una enorme influencia en mí. Gran parte de mis lecturas son del mundo del arte más que del diseño gráfico. Escritores como André Breton, Georges Bataille, Francis Picabia y por supuesto Duchamp. Es un mundo donde mi fascinación por los sueños y el arte entran en colisión. El hecho de escribir no tuvo mucho peso para mí hasta que empecé a escribir para dar charlas. Entonces me di cuenta de cuánto me ayudaba a entenderme. Mi mente, cómo abordo mis proyectos y entender «el pensamiento». Ahora a menudo escribo antes de empezar un proyecto, breves notas sobre sentimientos, percepciones… Esto luego se convierte en una guía para no perder el norte durante el proyecto. Ai Weiwei me enseñó una lección muy valiosa. Le enseñé una versión inicial de Eating with the Eyes. En esos momentos todas mis reflexiones estaban abiertamente desarrolladas en la parte final del libro. Él me sugirió que si realmente sentía lo que había escrito sobre cada imagen, entonces debería ser más sincero con la audiencia y poner las imágenes y los textos juntos. Y eso hice. Ai Weiwei «Del mismo modo la historia de la fotografía del pájaro en Eating with the Eyes, que fue finalmente el catalizador de mi práctica fotográfica, fue una lección de escritura». Harry Pearce Originalmente, yo había creado artículos sobre arte versus azar y lo encontrado, haciendo referencia a todo tipo de artistas y movimientos artísticos. Envié un borrador a Peter Gabriel porque respeto mucho su opinión y forma de escribir. Pensé que había escrito algo inteligente. Peter me contestó inmediatamente y me dijo que mis palabras no eran sinceras y que me arrepentiría siempre de haberlas publicado. Fue devastador. Acabó diciendo que cuanto mejor es el amigo más honesta es la respuesta. Y él fue el que me enseñó a escribir desde el corazón, como si estuviera contándole una historia a niños de once años, y que bebiera un par de copas de vino tinto antes de ponerme a escribir. Me llevó semanas digerir lo que me había dicho y encontrar las agallas para empezar de nuevo. Finalmente escribí una historia que jamás había contado antes. Era una experiencia de mi infancia que había permanecido enterrada bajo la vergüenza. Tímidamente le volví a enviar el texto. Obtuve un «ok» de Peter, que a continuación me preguntó si podía sugerirme una línea para terminar el texto. Y de ahí la última línea y el título «pequeños prisioneros hechos con el rabillo de mi ojo». El diseño es un lenguaje, con su vocabulario propio, gramática, sintaxis y retórica. Uno de mis libros de diseño favoritos es The Dictionary Of Visual Language de Peter Davenport y Philip Thompson. Curiosamente, cuando Peter y Philip le enseñaron su idea a John Mcconnell se convirtió en el primer Pentagram Paper, bajo el título de Abc: A Dictionary of Graphic Clichés (antes de ser publicado por Bergstrom and Boyle en 1980). El libro es un ejemplo brillante de cómo los diseñadores utilizan el lenguaje visual para comunicar ideas complejas. The Dictionary of visual language «La crítica del diseño ha sido sacudida por las redes sociales, donde la discusión gira en torno al mínimo común denominador y se olvida al día siguiente». Astrid Stavro Creo que los buenos diseñadores son buenos editores: editores de palabras e imágenes. Tu libro Typographic Conundrums es un ejemplo perfecto de palabras como imágenes e imágenes como palabras. Este libro fue algo tan accidental. Los pequeños juegos de palabras son algo que hice como divertimento. Garabatos y anotaciones en libretas. Un cliente en Nueva York los vio y le encantaron. Me puso en contacto con la editorial Dorling & Kindersley. Tuve una reunión es sus oficinas de Nueva York donde les enseñé mis garabatos y para mi asombro me dieron dos meses para que volviera con un libro. Typographic Conundrums Creé un pequeño listado de reglas sobre las que trabajar y me puse manos a la obra. Cumplimos con la fecha de entrega y nos lo pasamos muy bien en el proceso. Yo veo el libro como un conjunto ligero de cultura general, bastante aleatorio. Sin embargo, a lo largo de los años me han contactado profesores para decirme que les ha resultado muy útil como material educativo en clases de lengua. Bastante irónico si me paro a pensar en mis dificultades por la dislexia en mis años de escolar. Pentagram Paper Hablando de lengua… ¿puedes contarnos algo de tu nuevo proyecto de libro sobre Marcel Duchamp y el uso del lenguaje? Este proyecto lleva en marcha mucho tiempo. Duchamp fue una de mis principales inspiraciones en la universidad. Sus cuadros, sus objetos, sus procesos de pensamiento y también su amor eterno por el lenguaje. Él era un maestro de los juegos de palabras y los cambios de entonación de las oraciones. Sea como títulos de sus obras, o sencillamente juegos de palabras per se, Duchamp estaba constantemente manipulando el lenguaje. Hace años, empecé a coleccionar pequeñas aportaciones de sus exploraciones lingüísticas. Lentamente esto se ha convertido en una cantidad considerable, y en los últimos dos años, con la ayuda de la maravillosa investigadora Eloise Fabre, hemos compilado más de doscientas. Algunas las encontró Eloise en los archivos de la Biblioteca de París y nunca antes han sido publicadas. El título provisional del libro sería Los escritos de Marcel Duchamp y otros textos y lo publicaría Thames & Hudson. Todavía tenemos que llegar a un acuerdo con los herederos de Duchamp para que pueda publicarse a los que espero conocer en París una vez sea fácil volver a viajar. eating with the eyes Hay una sensación de asombro y espiritualidad en tu trabajo no comercial. Eating with the Eyes es un poético viaje fotográfico, altamente personal. ¿Qué importancia tiene para ti y qué significa el arte de prestar atención? ¿Qué te inspira de la búsqueda de significado en los momentos cotidianos? No puedo enfatizar suficientemente la emoción que algunas de estas imágenes tienen para mí. Es algo que he estado haciendo desde mi adolescencia. Entonces, en gran medida subconscientemente, pero en los últimos años me he dado cuenta de la manera que tienen de conectarlo todo. El resultado son fotografías, pero la experiencia es algo mucho más profunda. «El diseño se ve cada vez más como algo transitorio, y conforme esta sensación crece, y conforme esta sensación crece, más fácil resulta su trivialización». Harry Pearce Supongo que tiene una cualidad zen. La no separación entre las cosas y el valor de las cosas. Si eres capaz de sorprenderte con lo ordinario es fácil encontrar la belleza en cualquier sitio. Thomas Mann buscó «ver lo real en lo espiritual y lo espiritual en lo real». Yo creo que la cosa va por ahí. También me di cuenta de que más que desmontar el misterio de nuestra existencia, el misterio es la belleza misma. Esto es lo que escribí en el lomo de Eating with the Eyes para expresar esa idea y el sentimiento de capturarlo en una imagen: «El misterio es la belleza de la vida. Sobresale del tiempo mismo, excepto quizás ese momento fugaz que es el presente, una visión fortuita que como llega se va. Lo que lo convierte en bello es el hecho de que es difícilmente creíble. En ese momento la existencia ya no está en ningún otro lugar, la ambigüedad toma el control, los ojos y la memoria le aportan significado; la imaginación hace que se manifieste. La nada, poesía, y las encantadas esperanzas de nuestro subconsciente revelan lo nunca visto. ¿Hay significado en lo accidental o verdad en el azar? ¿Nos encuentran las ideas o nosotros a ellas? ¿Cuál es el momento infinitesimal en que se originan? La belleza en la vida es misteriosa. «Cuando salgo a deambular y tomar estas imágenes, el tiempo no tiene consecuencias. Me siento ajeno a él, sencillamente me adentro en el flujo de las cosas que me rodean».Harry Pearce Volviendo a Pentagram… Estoy intrigada por tu relación con tu amigo, mentor y antiguo socio Alan Fletcher. Un buen día, sin previo aviso, Alan me llamó y me invitó a su casa. Nunca nos habíamos visto antes. Cuando llegué me encontré a un buen grupo de celebridades del diseño de Nueva York tomando copas. Entre ellos Bob Gill, Colin Forbes y otros. Creo que esto fue hacia 1998. Después de eso empecé a presentarme en casa de Alan con regularidad. Siempre al final de la tarde o principios de la noche, siempre con una buena botella de vino tinto que compartíamos y con bastante frecuencia nos acabábamos y abríamos otra. Esto fue cuando Alan hacía the Art of Looking Sideways, y pude ver cómo el proyecto crecía lentamente. Él repasaba las páginas conmigo, me pedía mi opinión… Yo también llevaba trabajos, e incluso algunos de ellos después conformarían Eating with the Eyes. Él era maravillosamente alentador y una de las principales razones por las que el proyecto llegó a convertirse en libro. En una ocasión le dí unos ejemplares de algunos de mis diseños, un proyecto en formato tabloide que había hecho… En mi siguiente visita —fue gracioso—, ví elementos de mis trabajos recortados y que los había utilizado en uno de sus collages tipográficos. Ambos miramos el collage juntos, ninguno dijo nada, él esbozó una sonrisa burlona. Busqué el consejo de Alan en muchas ocasiones, particularmente cuando iba a unirme a Pentagram, siempre sabio, siempre certero. Cuando finalmente me uní a Pentagram él vino a mi primer International Partners Committee en París, porque quería acompañarme en ese momento. Al día siguiente tuvimos nuestro último desayuno juntos. Ese día me di cuenta de lo enfermo que estaba. Fue la última vez que nos vimos. De regreso a Londres, algunas semanas después, mientras iba de camino a su casa una tarde… llamé para avisar y descubrí que había muerto esa misma noche. ¿Qué quiso decir Alan Fletcher cuando te dijo: has descubierto la calle esquizofrénica? Durante una de las tardes con Alan, me pidió que colaborara en Art of Looking Sideways. Yo tenía un gran número de fotografías de señales raras e interesantes. Él quería muchas para una doble página del libro. Fue entre todas estas fotografías que encontró una señal que decía calle Avenida. Se rió y me dijo, has descubierto la calle esquizofrénica. Esto se convirtió en un trampolín para desarrollar mi propia manera de pensar y mirar. Permitiendo que objetos encontrados anómalos alimenten nuevas ideas. Eres amigo de Karel Martens y estáis colaborando en un proyecto. ¿Cómo surgió esta relación? Hace muchos años, me regalaron una copia de Printed Matter. Yo ya conocía y admiraba su trabajo desde hacía tiempo. Este libro bellamente elaborado me impactó, particularmente por su amplitud: proyectos que van desde sellos, libros a medianeras de edificios. Printed Matter Poco antes me habían pedido que decorara un espacio público muy grande que se extendía a lo largo de cinco pisos en el ala de oncología del Guy’s Hospital de Londres. En un principio había pensado en convertirlo en una instalación tipográfica. Sin embargo, decidí junto al cliente llevar a cabo un concurso e invitar a varios artistas de todo el mundo a presentar sus ideas. Y puse a Karel en la lista. Vino a Londres y nos ofreció una presentación de lo más humilde y conmovedora, y fue una revelación. No hace falta que diga que se llevó el encargo y entonces me pidió que le ayudara con la dirección de arte y la producción del proyecto. Nos hicimos buenos amigos, tanto que a menudo se quedaba en mi casa cuando venía a Londres. Desde entonces hemos comenzado otras dos instalaciones medioambientales, una es completamente digital y en la otra intervienen docenas de grandes paneles de cristal. «Como a menudo sucede, las amistades más íntimas y preciadas se construyen mediante colaboraciones creativas, y me siento muy afortunado de que Karel sea una de ellas». Harry Pearce Para terminar esta conversación, me gustaría saber lo que piensas sobre la crítica de diseño. Adrian Shaughnessy ha dicho que la crítica del diseño gráfico está parada en un profundo estancamiento. La crítica del diseño ha sido sacudida por las redes sociales, donde la discusión gira en torno al mínimo común denominador y se olvida al día siguiente. ¿Qué opinas de esto? No podría estar más de acuerdo. Solo tienes que echar un vistazo a la diatriba de chorradas que llena Instagram y las redes sociales en general. Lamentablemente, esto no es sino un reflejo del resto de nuestros medios de comunicación. El diseño se ve cada vez más como algo transitorio, y conforme esta sensación crece, más fácil resulta su trivialización. Por suerte hay lugares donde se puede ir a buscar consuelo. Design Observer, Eye Magazine, etc. Pero las hordas en estos momentos están hundiendo a las dedicadas personas que ponen su vida y su alma en hacer un trabajo de calidad. Y lo que es peor es que el diseño se presenta como un producto atractivo y fácilmente difundible por redes sociales… un regalo para los ojos por miedo a la crítica. «Animado para que sea más digerible, descifrado instantáneamente, cuando conceptualmente esta quizás nunca fue la intención. Algunos de los grandes trabajos pasan desapercibidos mientras que los triviales son ensalzados». Harry Pearce No puedo estar más de acuerdo. Hay mucho más de lo que se ve en la superficie. Me encanta la cita de la Cábala que has mencionado antes: «Lo que ves pasará, lo que has visto, no». sobre astrid stavro Es una diseñadora gráfica de renombre internacional con una reputación de diseño sólido impulsado por conceptos que es conciso, emocionalmente atractivo, con énfasis en la tipografía y la artesanía exquisitas. Se unió a Pentagram como socia en 2018. Sus clientes abarcan los mundos cultural y comercial, y su trabajo abarca la identidad de marca, el diseño editorial y de exposiciones, así como los sistemas de orientación y el embalaje. Dirigió el célebre rediseño de la revista de arte y cultura con sede en Londres Elephant, donde fue directora de arte y editora colaboradora entre 2013 y 2017. También creó la identidad para el Museo del Diseño de Barcelona y la marca de ropa masculina Jijibaba para Jasper Morrison y Jaime Hayón. Entre sus clientes recientes se encuentran Tate, Phaidon, Camper, McKinsey & Company, AB InBev, Fedrigoni, Port magazine, Laurence King Publishing, The National Portrait Gallery, Museo Reina Sofía, Mahou San Miguel, la Fundación Miró, Cahiers du Cinéma y la revista Wallpaper* magazine. Nacida en Trieste, Italia, Stavro habla cinco idiomas y ha vivido en Italia, España, Holanda, Estados Unidos y Reino Unido. Estudió diseño gráfi co en Central Saint Martins College of Art & Design (BA) y Royal College of Art (MA), y se graduó con Distinción de ambas universidades. Stavro dirigió su propio estudio en Barcelona durante diez años, y en 2013 cofundó la consultora de marca y diseño Atlas con Pablo Martín. Su trabajo ha recibido más de 150 premios internacionales, incluidos D&AD, Type Directors Club de Nueva York, Society of Publication Designers, Art Directors Club of Europe, International Society of Typographic Designers, Design Week, Art Directors Club of New York, Graphis y Creative Review’s The Annual. Su trabajo ha sido ampliamente publicado y ha recibido el encargo de escribir artículos para muchas revistas de diseño respetadas. Como miembro activo de la comunidad global del diseño, Stavro ha sido invitada a presidir y juzgar numerosos concursos internacionales de diseño y a hablar en conferencias en todo el mundo. Apasionada por la educación en diseño, ha enseñado en Central Saint Martins College of Art & Design y actualmente es profesora visitante en el Royal College of Art. Fue elegida miembro de Alliance Graphique Internationale en 2010. sobre harry pearce Es un diseñador gráfico, accidentalista, eterno optimista y fotógrafo. Estudió en Canterbury College of Art. Antes de unirse a Pentagram como socio en 2006, cofundó y co-dirigió Lippa Pearce Design durante 16 años. Pearce ha trabajado en todo el mundo ideando identidades, instalaciones, packagings, para clientes tan diversos como Liberty, Thames & Hudson, Camden Art Center, Witness, The John Lewis Partnership, Waitrose & Partners No.1, la Royal Academy of Arts, el barrio cultural de Abu Dhabi, Berry Bros & Rudd, Phaidon Press, Pink Floyd Records, Saks Fifth Avenue, Lloyd’s of London, Shakespeare’s Globe, PEN International, Science Museum y la ONU. Para Ai Weiwei y Anish Kapoor creó identidades para sus principales retrospectivas en la RA. Su obra ha sido expuesta en Nueva York, París, Londres, Toronto y Nápoles. Desde 1993 ha sido miembro activo del consejo asesor de Witness, una organización benéfi ca de derechos humanos fundada por Peter Gabriel. También es un miembro comprometido de Alliance Graphique Internationale y ha participado en conferencias de diseño en todo el mundo, incluidos Australia, Sudáfrica, Nueva Zelanda, EE. UU., India, Holanda y Costa Rica. Pearce es autor de dos libros, Typographic Conundrums (publicado en 2009) y Eating with the Eyes (publicado en 2015). una apuesta por el papel Nuestro amor por las artes gráficas y el papel es ilimitado y por todos conocido. Así que para este nuevo producto editorial hemos hecho un homenaje al periodismo. Si todavía no la tienes puedes conseguir la versión en papel en la Tienda Gràffica. COMPRAR TALKS AQUÍ Formato 255×390, un A3 más vertical —A2 abierto—, 16 páginas, impreso en rotativa y sobre papel prensa mejorado para dar una experiencia de periódico total. Hemos querido hacer un «periódico arrevistado» o una «revista aperiodicada», como diría Diego Areso (@quintatinta). Talks esta editado en dos idiomas, español e inglés, de forma separada. Por un lado, la lectura es en español y por el otro, dando la vuelta a la publicación, en inglés.

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