Theo Contestin, nacido en 1989, estudió dibujo, diseño gráfico y dirección de arte en la Escuela de Artes Gráficas y Arquitectura de Interiores ESAG Penninghen en París. A finales de 2012 se muda a Buenos Aires y trabaja en estudios de diseño en proyectos culturales, editoriales e identidad visual para instituciones culturales. Ahora, presenta Avec Buenos Aires, el retrato de una megalópolis donde los gráficos se encuentran en cada esquina.
Con el iPad en mano, Theo Contestin filmó junto a Michael Bouvet Avec Buenos Aires durante los trayectos a su taller.
En Buenos Aires, hay pintura en las paredes. La estética todavía me parece muy sorprendente. Los colores principalmente. En los barrios populares, las paredes están pintadas con color verde manzana, con colores brillantes.
En la provincia de Buenos Aires, muchos carteles promueven la cumbia o el rock alternativo. Son muy interesantes desde un punto de vista tipográfico, trabajados en serigrafía o en la imprenta. Están hechos por tipoógrafos que todavía trabajan con imprentas de tipografías de plomo. Las utilizan para jugar con colores, con la tinta… Algunos de ellos firman sus creaciones. Se especializan en tipografía, letras pintadas y lo han hecho su trabajo. Seguramente tienen cierta cultura de diseño gráfico, sin considerarse a sí mismos como diseñadores gráficos. Federico Cimatti toma prestados sus códigos para hacer pósters poéticos. Los imprime en viejas prensas Helderberg, modificadas para el beneficio de su trabajo personal.
Además, las campañas políticas se pintan en las paredes, en espacios reservados y que se alquilan para este fin. Pueden verse nombres de personajes políticos expresados en letras gigantes de más de 15 metros. Es un modo habitual de comunicación. Luego, se vuelve a pintar en blanco antes de dar la bienvenida a otro nombre. Esto, se relaciona con la cultura del fileteado (el fileteado evoca un estilo de pintura y dibujo decorativo típico de la ciudad de Buenos Aires: fuentes góticas o cursivas, espirales, colores brillantes, el resaltado de un Palabra, a través de efectos de sombra o perspectivas superficiales, y patrones hechos principalmente de hojas, animales, cornucopias, flores y piedras preciosas).
Tus vínculos con Argentina están entrelazados con tus raíces familiares y la comunidad artística.
Mi abuela, que vivía en la región argentina de Misiones, era una pintora muy conocida en la región. Tuvo como maestro a Lino Eneas Spilimbergo. Fue un poco la pionera de la familia. Mi madre, Maria Spinnato, estudió en Bellas Artes, pero la escuela cerró durante la dictadura (1976-1983, ed), luego se unió a la escuela de cerámica de Buenos Aires. Hoy pinta cuadros abstractos, con un estilo bastante pop y con muchos colores. Mi tío, Ignacio del Luca, también es pintor.
Aunque he vivido en Francia y en otros lugares (en Sudáfrica, en particular), pasé todas mis vacaciones de verano en Argentina. Incluso durante mis estudios, trabajé parte del verano para pagar mi viaje a Argentina el tiempo restante. Desde que era pequeño, pensé que volvería.
Una vez que te graduaste en la escuela Penninghen, ¡has levantado velas! Pero con una idea en mente…
Después de la secundaria, pasé a hacer el Máster en Dirección Artística, Artes Gráficas y Digitales en Penninghen. El primer año, así como el segundo, fueron difíciles y exigentes. En el tercer año, descubrí, a través de las clases de Muriel Paris, las obras de Michel Bouvet y Michel Batory. Como algunos años antes con los bocetos de Picasso, fue un shock visual. Realmente me marcó.
Tuve a Michel Bouvet como profesor y fue increíble. En 2012, organizó una colaboración con el Museo Postal. Primero, los estudiantes tenían que crear un póster para una exposición ficticia. Luego, en un segundo paso, amplía esta propuesta pero en más soportes: sellos, sobres… Estos últimos tienen como temática la historia de Francia, como por ejemplo la llegada de las vacaciones pagadas. Michel confió a mi grupo la señalización de la exposición, pero ante la carga de trabajo que teníamos, dejamos este proyecto a un lado y varios compañeros no pudieron participar. Finalmente, me encargué de los textos, el diseño y la creación de una tipografía, basada en la Futura.
Después de esta colaboración con Michel, y siendo él mi tutor del proyecto final de máster, decidí traerlo de vuelta al continente latinoamericano que ya conocía bien.
Llegas a Argentina con la idea de ir allí como diseñador gráfico. ¿Cómo te fue?
Llego en 2013 a Buenos Aires. Entonces iniciaba mi formación en la universidad como diseñador de tipografía / dibujante dirigida por Ruben Fontana; formación que finalmente no termino por el deseo de ponerme a trabajar. De hecho, es lo que hago en la agencia Tholon Kunst aunque lo dejo pronto en busca de proyectos de gráficos culturales. Es entonces cuando me uno a Café Imagen durante 6 meses. La agencia también trabaja para empresas, pero es allí donde tengo la oportunidad de trabajar para instituciones culturales, o ayudar a la agencia en su trabajo para el teatro Color.
Luego, a fines de 2013, me incorporo al estudio Lo Bianco, dirigido por Juan Lo Bianco. Se dedica al diseño gráfico, a la señalización de exposiciones, a la producción de catálogos y le dedica una parte del tiempo al trabajo curatorial, exclusivamente para la cultura. También coedita libros de arte y fotografía. Finalmente, se encarga del diseño gráfico de la revista cultural Todavia, publicada por la fundación OSDE.
Gracias a Juan Lo Bianco, concretaste tu deseo de llevar a Michel Bouvet a suelo argentino.
Bajo su dirección, se creó un curso de dos años en el Instituto de Arte Maurice Kagell en la Universidad de San Martín en Buenos Aires. Paralelamente a los talleres y cursos, quiso crear una dinámica de taller; El ciclo gráfico contemporáneo de la UNSAM. ¡Esta fue una oportunidad para invitar a Michel! Además del taller que él tenía, su trabajo de carteles y fotografías se presenta en dos exposiciones, las cuales Juan me confía el diseño de su señalización. En junio de 2015 ayudaba a Michel en su taller. Despúes el programa se reitera en octubre de 2015 con Rudi y Vera Baur, y en octubre de 2016, con Michal Batory. Es cuando me convierto en su traductor y profesor asistente.
Y, sobre este tema … ¿Cómo está la formación en diseño gráfico en América Latina?
En América Latina, la profesión de diseñador gráfico nace de la arquitectura, posiblemente de las Bellas Artes. Hasta los años 90, no hubo formación de diseñadores gráficos de forma oficial. Las personas se formaban con la práctica dentro del mundo laboral. Ahora hay muchos estudiantes en clases de diseño gráfico en América Latina. La exposición Fiesta Gráfica rindió homenaje a este boom, este boom gráfico que existe desde hace varios años, más allá de los problemas económicos, y siempre vinculado a lo social.
Después de 3 años trabajando en estudios, te conviertes en freelance, siempre en Buenos Aires. ¿Qué nos puedes contar de esta experiencia?
A principios de 2016, comencé a trabajar de manera independiente mientras continuaba colaborando con Juan en Todavia. Hice un libro para la artista Viviana Bianco. Ahí le atribuyo una gran importancia al aspecto editorial y curatorial. Luego trabajé para varias editoriales. Para los editores argentinos, que publican obras clásicas de literatura inglesa, española o latinoamericana. Hice portadas e ilustraciones interiores para libros de Becket o Sam Sheypard. Para la comunicación del grupo editorial Planeta en América Latina, trabajé en el diseño de ediciones sobre música, que me gustó porque me formé en el Conservatorio de piano y saxofón. Por mencionar los más notables, trabajé en proyectos de David Bowie, Leonard Cohen o el grupo argentino Les Luthiers. Fue genial porque estaba en contacto con los editores, así como con los autores. También colaboré con las Ediciones Monte Hermoso o la Galería de Arte Palatina, por lo que hice un libro sobre mi tío.
¿Cómo es convertirse en un profesional independiente?
Al principio, fue difícil. Seguí colaborando con la revista Todavia. Más adelante me ayudó la red de contactos. Un corrector de pruebas me recomendó a una editorial. Lo importante es encontrar clientes que puedan confiarte proyectos a largo plazo. Lo mejor es tener proyectos regulares, en lugar de proyectos únicos que es más arriesgado. Y, por supuesto, reservar un poco de tiempo para los proyectos personales.
Económicamente, nunca ha sido fácil. Inicialmente, no estábamos bien pagados sino que lo logramos más adelante. El salario mínimo es de 400 euros —20,000 pesos—, pero el costo de vida es similar al de Francia. A principios de la década de los 2000, hubo una terrible crisis económica, los bancos estaban en bancarrota. Ha habido una importante inflación y el poder adquisitivo ha caído. Desde entonces, hay mini-crisis. Ahora, la gente está buscando ahorrar. Todo esto se refleja en los encargos. Menos dinero = menos encargos, lo que puede ser frustrante. Esta situación hace que sea aún más costoso en esfuerzo llevar a cabo proyectos y, sin embargo, te permite tener diversas experiencias.
En 2016 y 2017, tuve más y más proyectos, pero desde 2018, trabajé más para ganar menos. En mayo-junio del mismo año, la situación empeoró con el cambio de $ 1 por 40 pesos, contra $ 1 por 20 pesos que había antes. Los encargos de libros se retrasaron, los libros ya no se imprimieron. Las decisiones vienen de arriba y bloquean a todos los actores de la cadena. Muchos de mis clientes frenaron simultáneamente. Actualmente es un contexto particular donde todo se mueve.
Decidí volver a París, en busca de estabilidad. Espero, por supuesto, volver a la Argentina de vez en cuando. Mi ideal sería conectar los dos países, trabajar de forma remota.
Precisamente, tu año 2019 empieza bien. Después de haber expuesto en Fiesta Gràficà, uno de sus carteles fue seleccionado para la Bienal del Cartel Bolivia (BICeBé 2019). ¿Por qué es importante enviar proyectos a las bienales y cuál es la popularidad de este tipo de eventos en América Latina?
He propuesto mis carteles para bienales hasta en dos ocasiones. En la 12ª Bienal Internacional del Cartel en México (BICM 2012), en la categoría de Carteles políticos y sociales. Creé tres carteles conmemorativos del 30 aniversario de la Guerra de las Malvinas entre Argentina y el Reino Unido. Uno de los tres carteles se había expuesto en la Bienal, el Museo Franz Mayer y el Museo Arocena.
Para el décimo aniversario de la Bienal del Cartel Bolivia (BICeBé 2019), en la categoría de carteles no publicados sobre el tema de la desinformación, envié dos carteles, y uno acaba de ser seleccionado para ser exhibido en La Paz, a partir del 18 A partir del 23 de noviembre de 2019.
Estos eventos son muy populares en América Latina, pero también a nivel internacional, estas dos bienales de carteles forman parte de las conferencias más importantes de diseño gráfico y artes visuales del mundo.
La Bienal del Cartel Bolivia recibió este año cerca de 11.000 propuestas de carteles de 87 países, de los cuales 340 fueron seleccionados para exhibir. La Bienal Internacional del Cartel en México es una de las tres más antiguas del mundo y la primera de su tipo en América.
Estas bienales también trabajan en colaboración y diálogo con diferentes instituciones culturales y académicas. Su objetivo es proporcionar un espacio para promover y difundir la cultura visual universal. Es un espacio para la reflexión y el intercambio de conocimientos y culturas; refuerzan y recuerdan el significado del papel y la responsabilidad del diseño gráfico en nuestra sociedad. La responsabilidad de comunicar un mensaje, de educar a través de él. El cartel representa en este sentido una pieza de comunicación indispensable, compleja en su reflexión y construcción, rápida y precisa en la forma en que comunica un mensaje.
Son estos valores y compromiso los que identifico en estos eventos y por los que veo importante participar en ellos.
¿Cuáles son tus fuentes de inspiración y qué deseas para el resto de su carrera en París?
Tengo curiosidad por la cultura en general. Me gustan todos los temas. Para mí, la ciencia o la astronomía son también propias de la cultura. El diseño gráfico está al servicio de esto. Me gusta trabajar con editores porque barren diferentes aspectos de la cultura.
Durante mis estudios, también me interesé por el diseño gráfico en Argentina (entre otros), por ejemplo, Rubén Fontana, Alejandro Lo Celso, José Scaglione, cofundador de Type-Together, Alejandro Paul, El Fantasma de Heredia… Kiko Farkas y Rico Lins son parte de mis referencias.
Tengo curiosidad por los gráficos suizos, americanos, ingleses. Me gusta mucho SPIN en Londres. Más allá, mis otras influencias son José Diniz (Brasil) en fotografía, las ediciones de Xavier Barral, Michel Bouvet y Michel Batory, Cieclzwicz, Valencia, Rudi Baur. Encuentro interesante la poesía de sus imágenes. Hay metáforas en sus imágenes, que crean poesía, escritos personales, síntesis en una imagen. Su enfoque artístico está al servicio de un público. A su manera, no me baso en la imagen como resultado, sino en la poesía que libera y en la forma de trabajar la imagen, incluso si va más hacia lo experimental o a lo abstracto. También me gusta su uso del color, el simbolismo, me parece la esencia de nuestro trabajo y la base de un diálogo con alguien.
Me posiciono más en el diseño gráfico, impreso, defiendo el libro. Está relacionado con mi personalidad. De pequeño leí cómics, la revista Sciences & Vie, mis padres me llevaron a librerías. Mi madre me compró libros de arte. El libro es para mí un objeto sagrado, un medio para difundir las culturas. Una publicación es una identidad visual en sí misma, la portada se trata como un póster. La edición reúne varias áreas del diseño gráfico: comisariado, tipografía, imágenes…
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