En colaboración con Etnia Barcelona
Con motivo del lanzamiento de la nueva colección SS 2018, la marca de gafas de diseño Etnia Barcelona ha presentado las nuevas imágenes de su campaña global de marca #BeAnartist Series 3. Siendo la marca fiel a su apuesta por linkarse a la cultura y al mundo del arte mediante colaboraciones con artistas reconocidos mundialmente, el resultado no podía ser otro: piezas gráficas que rebosan creatividad e ingenio gracias a la reinvención de los clásicos del arte de la mano del fotógrafo transgresor Biel Capllonch y de la de grandes creativos del panorama nacional actual quienes han intervenido en ellas.
Para quienes no estén familiarizados con el término ‘rearting’, se trata de un concepto que resume la tendencia actual de reinterpretar la historia del arte para inspirar y crear nuevos proyectos. En el caso de esta nueva campaña, se ha empleado como herramienta comunicativa para trasladar el concepto que hay tras los nuevos diseños de su colección SS 2018 a sus piezas de comunicación. Así, cada una de ellas aúna esa pátina exquisita que solo tienen las grandes obras de arte, con las connotaciones más contemporáneas y personales del diseño de la nueva colección.
«Los acetatos exclusivos de Etnia Barcelona son pequeñas obras pictóricas que combinan texturas ajedrez con colores alegres y puntillistas, colores más POP o monocolor. Un tributo a las obras y artistas que nos inspiran», nos explican desde Etina Barcelona.
De este modo, para el desarrollo de su nueva campaña, se inspiran en el arte clásico y lo reinterpretan desde su punto de vista junto al fotógrafo Biel Capllonch. Con él, crean imágenes que emulan cuadros de gran formato, como La libertad guiando al pueblo de Delacroix o Los borrachos de Velázquez, y otras que recrean el formato retrato como Salvator Mundi y La dama del armiño de Leonardo, La dama del unicornio de Rafael o El muchacho mordido por una lagartija de Caravaggio, entre otros. Cada una de las fotografías de la campaña se convierte en una composición única donde conviven elementos clásicos de las obras originales con elementos contemporáneos y donde nada es lo que parece a primera vista.
La campaña de publicidad no se detiene en la creación de estas imágenes con la elegante mixtura entre arte clásico y diseño, sino que va más allá en su propuesta comunicativa para llevar el movimiento #BeAnartist a la calle, retomando espacios urbanos para acercar instalaciones artísticas al gran público. Esta acción consiste en la intervención de las imágenes de Biel Capllonch expuestas en diversos mupis de grandes ciudades por cinco artistas: Mister Piro, Mercedes Bellido, Musa 71, Boldtron, Cristina Daura y Nano4814.
El resultado son 6 piezas expuestas en 6 mupis emplazados en núcleos urbanos de Madrid y Barcelona, apoyados además por una gran campaña que cuenta con la imagen original y el flying poster.
«Nano4814, Mercedes Bellido, Boldtron, Musa71, Cristina Daura y MisterPiro, ‘anartistas’ en sus disciplinas por dar una visión diferente y original en cada uno de sus trabajos, intervienen las nuevas imágenes de #BeAnartist Series 3, fotografiada una vez más por Biel Capllonch para interpretarlas bajo un punto de vista diferente, donde podremos ver cómo los anartistas traen de vuelta lo clásico al plano digital y a las calles con esta interpretación», nos cuenta Etnia Barcelona.
Y como si se tratara de un salto con doble tirabuzón, esta campaña de comunicación nos ofrece la reinterpretación de la obra de artista al cuadrado; nos muestra la intervención de la obra de un artista que, a su vez, está reinterpretando la obra de grandes artistas de la historia del Arte. Una rebelión artística en toda regla que manda un mensaje claro: «No te conformes. Vuelve a los inicios, dales otra vida, otro espacio, otro tiempo y sobre todo otro color. Mira de frente a este movimiento, ya no se puede parar, ha venido sin permiso, sin límites, siendo libres. #BeAnartist», proclaman.
De ahí a que no sea extraño que la filosofía dentro del branding de Etnia Barcelona juegue con la libertad creativa, desafiando los cánones artísticos tradicionales: «Porque la visión es personal, única e intransferible. Porque la mirada tendría que ser anartista. Etnia Barcelona te invita a unirte a este movimiento, a mirarlo de frente, a no ponerte límites, a ser libre. #BeAnartist», explican.
Anartistas de #BeAnartist
MisterPiro es artista visual y urbano; licenciado en diseño por la Universidad Complutense de Madrid, ciudad en la que reside actualmente, aunque su trabajo y sus obras le llevan a menudo fuera de su país.
Sus orígenes fueron la calle con el grafiti, más tarde continuó con la acuarela, el acrílico y técnicas al agua en su estudio. Finalmente ha conseguido aunar las dos técnicas tan contrarias en un estilo único, lleno de color y vida, que van desde el rojo más cálido hasta el turquesa más eléctrico. Llevando la delicadeza de la acuarela a la calle, un nuevo soporte mural que poco tiene que ver con el papel donde trabaja sus obras más delicadas. Su técnica se basa en la improvisación, donde la agresividad del spray y la delicadeza de la acuarela se mezclan en todo tipo de soportes; obras donde la fluidez del agua y la volatilidad atmosférica llenan de expresión y luz un mundo que nos hace viajar desde lo más figurativo hasta la completa abstracción. «Ser anartista es el momento en el que absolutamente nadie te tenga que decir lo que tienes que hacer, y ese momento solo sucede justo cuando estoy creando».
Mercedes Bellido nacida en Zaragoza (1991) se traslada a la ciudad de Cuenca para cursar la carrera de Bellas Artes. Durante los cursos universitarios comienza a interesarse por la pintura y decide tomarlo como técnica principal de su trabajo, complementándola con dibujo y bordados. Una vez terminada la carrera, se traslada a Madrid a completar sus estudios haciendo un máster en investigación en arte y creación en la Universidad Complutense de Madrid.
Ha realizado varias colaboraciones con la feria de autoedición Libros Mutantes –en La Casa Encendida– como una presentación de su cuaderno de dibujo editado por Ediciones Pur en 2013, o como su participación en el taller “Un Fanzine para Llevar” en 2015. Realizó un proyecto de intervención con Plataforma PAC en la Feria Estampa (Madrid 2015). Ha participado en la III Muestra Internacional de Arte Universitario IKAS ART (Bilbao 2011) en exposiciones colectivas como EXTENDIDO Festival de Arte Emergente de (Cuenca 2012-2013), “Poder Planetario” (Madrid 2015), “We dont care anymore” (Madrid 2015), “La primavera en la plaza” exposición colectiva en Matadero Madrid (2016).
Durante los dos últimos años ha realizado 3 exposiciones individuales, PAPERBALL en el Espacio Lamosa (2014) y NO HOME, en Lasala de Zaragoza (2014) y “Todo muere bajo el sol” en Espacio Ananas, Madrid (2016) y en Plastic Murs (valencia, 2017) con “La Noche, el ave de alas negras”. Realiza colaboraciones con marcas, como Zara, Nike, Chanel, Bimba y Lola, Bershka, Reebok, Eastpak, Urban Outfitters, Enate, Absolut, Brugal, Cervezas Alhambra, Ambar, Samsung, Vodafone. Tambi.n colabora como ilustradora para algunas publicaciones como Harper ́s Bazaar, El Pa.s, Traveller Conde Nast, LeCool y haciendo carteleria para grupos de música como Le Boogarins, My Expansive Awarenes, Baywaves, Calavera, Howls, Caniche Macho, Nueva Vulcano y Mishima. «Para mí, el hecho de poder vivir del arte es en sí mismo un acto anartista, luchar por tu pasión, conseguirlo y poder aportar algo positivo a la sociedad».
Musa 71: «Mi nombre es María. Soy una escritora de grafiti de Barcelona que lleva pintando bajo el pseudónimo de Musa71 desde 1989. Casi 30 años de ponerle color a las calles. Me encanta la tipografía, la manera en que se entrelazan las letras sin perder sentido y hacerlas crecer en significado gracias al color. Desde esa perspectiva, estar en #BeAnartist, es formar parte de ese puzle, añadir información a ese conjunto y profundizar más en ese mensaje».
Boldtron es un director creativo y artista 3D afincado en Barcelona. Tras más de 20 años trabajando como ilustrador y director de arte en España, el Reino Unido, Dinamarca, Francia, Alemania y Japón, Boldtron se ha vuelto a establecer en su ciudad natal, Barcelona, para centrarse en el CGI/3D y la Realidad Virtual.
Con la experimentación, la investigación y el desarrollo de nuevas técnicas como bases de su creatividad, Boldtron ha trabajado con marcas como Lacoste, Nike y Trident, y ha colaborado con estudios como Serial Cut, Six N. Five y ElmotionLab, entre otros.
A Boldtron le gusta abordar su trabajo desde un punto de vista orgánico, utilizando técnicas manuales, casi pictóricas, con un acabo final en forma de arte digital. Otras de sus características son la constante evolución creativa y técnica a través del revisionado y la reinvención de su trabajo anterior, permitiéndole conservar su identidad visual y a la vez aportar algo nuevo a proyecto creativo en el que participa. Además de su trabajo bajo la firma de Boldtron, también es director creativo de su propio estudio, PZZZA, desde donde espera expandir su visión aún más lejos.
«¿Qué es ser un anartista para mí? El ideal de poder realizar una línea de trabajo personal es siempre arriesgado, pero es la diferencia en muchos de los casos cuando llama la atención cualquier tipo de expresión. Mi naturaleza siempre ha ido vinculada a esta manera de pensar de una manera o de otra, puesto romper los esquemas en cualquier momento es algo a mi parecer necesario. El mercado está sobresaturado de trends temporada tras temporada, y huir de esto quizás es lo que ha hecho llamar la atención en mi caso en cuanto al trabajo en 3D. Suponemos que todos tenemos las mismas herramientas, pero la manera con como trabajamos nos hace únicos, tanto en arte final como en la manera de viabilizar el mensaje».
Cristina Daura (Barcelona, 1988) empezó a estudiar ilustración en la Escola Massana después de haber sufrido, según explica, una gran decepción en el primer año de carrera de Bellas Artes. Antes de graduarse cursó un año en la universidad de arte de Maryland, en Baltimore (USA) y realizó sus prácticas en la editorial británica Nobrow. Cuenta que, al terminar se dio de bruces con la realidad y pasó varios años buscándose la vida aceptando trabajos horribles y cuidando niños, hasta que un día se hartó, lo mandó todo a tomar viento y se volvió a meter en la ilustración a tiempo completo. Decidió hacer lo que más le gustaba que eran los cómics, la ilustración y las historias sórdidas. Desde entonces trabaja desde su pequeño estudio en casa para prensa, editoriales, músicos, publicidad y lo que le caiga en sus manos y que valga la pena trabajar. Sus ilustraciones han sido definidas como sórdidas, narrativas, coloristas e infantiles. «Para mí, ser anartista es intentar disfrutar en lo bueno y en lo malo de lo que realmente te hace continuar viviendo».
Nano4814 (Vigo, 1978) comienza a utilizar la calle como soporte creativo a mediados de los años 90. Inspirado originalmente por las formas del grafiti tradicional, pronto sus piezas se cargan de particularidades icónicas y narrativas, desarrollando un mundo creativo propio, tanto a nivel estético como conceptual. Tras licenciarse en Bellas Artes en la Universidad de Pontevedra realiza una breve estancia formativa en Londres, estudiando en escuelas como Saint Martins School of Arts o el London College of Printing. En 2004 se muda a Madrid para desarrollar su trabajo artístico y comienza a exponer en galerías e instituciones tanto en España como en el extranjero.
Entre los proyectos en los que ha participado podríamos destacar Planet Prozess en Berlín, la exposición Urbanitas en el MARCO de Vigo o Street Art en la Tate Modern de Londres entre otros muchos. Forma parte del colectivo artístico El Equipo Plástico, junto con Eltono, Sixe y Nuria Mora. Su obra se nutre de los distintos campos creativos en los cuales actúa: desde el diseño o la ilustración, a sus intervenciones callejeras o su trabajo de galería, siendo este último el que le permite centrarse en conceptos más personales, trabajando con técnicas como el dibujo, la instalación, la escultura o la pintura mural. «Ser un anartista supone un diálogo a tres bandas con los clásicos muy estimulante, reinterpretándolos desde la visión del fotógrafo. Es también explorar nuevos formatos, mancharme las manos y mucho, mucho color».
