Sangre de Toro, ¡brindemos por los clásicos del diseño!

Si algo caracteriza a un buen diseño es su perdurabilidad en el tiempo. Lo vemos claramente en diseños que, gracias a su calidad, han vencido a los años manteniéndose tan actuales y únicos como el primer día en que fueron presentados al mundo, sobre todo, sin tener que caer en el empleo de recursos trendy de caducidad normalmente prematura. ¿Quién no conoce la imagen de logos tan míticos como el de Ferrari o el de los Rolling Sotones? ¿Quién no reconoce unas gafas Ray Ban o reloj Casio? Sangre de Toro lo tiene claro y por ello invita a que brindemos por lo clásico y a que dejemos a un lado los hábitos, poses y actitudes más por apariencia que por convicción, es decir, el postureo.

Sangre de Toro, ¡brindemos por los clásicos del diseño!

Para celebrar y poner de relieve la calidad que imprime la esencia más clásica y lo más auténtico, Sangre de Toro ha querido rendir un homenaje a lo clásico con un brindis especial (celebración a la que puedes unirte y en la que puedes ganar, además, premios como una Polaroid Inst. 600, un Tocadiscos, unas Ray-Ban (Clubmaster), 12 meses de Spotify Premium, 1 año de Netflix Basic, un reloj Renegade, una Cámara Fujifilm, entre otros).

Según explica Sangre de Toro, a través de esta propuesta quieren reconocer el valor tan especial que solo tiene lo clásico: «En un mundo en el que lo moderno sigue en alza, Sangre de Toro quiere poner un poco de sensatez en el asunto. Para ello invita a la gente a brindar por las cosas clásicas».

Si quieres sumarte a la celebración, simplemente tienes que subir una foto a Facebook o Instagram brindando con un vaso de Sangre Toro, usando el hashtag #BrindemosPorLoClasico y explicar aquello por lo que brindas. Cada semana, un jurado seleccionará los 5 mejores brindis como ganadores.

Nuestro particular brindis por lo clásico nos lleva a hacer una recopilación de algunas de las piezas con más personalidad del mundo del diseño que, a lo largo de la historia, han pasado a la categoría de míticos, ya que, sin lugar a dudas, llegaron para quedarse. Solo diseños tan clásicos y míticos como estos han marcado y marcarán a generaciones pasadas, presentes y futuras, haciendo que formen parte de nuestro imaginario colectivo. Por supuesto, existen muchos más diseños que se merecen ocupar un lugar entre estos, pero hoy brindamos por los siguientes:

Diseños de portadas 

The banana álbum de Velvet Underground y Warhol

The banana álbum de Velvet Underground y Warhol
Andy Warhol es el autor que en 1967 ilustró la banana más famosa del rock. Fue para la portada del álbum The Velvet Underground and Nico, e inmediatamente se convirtió en un símbolo del grupo neoyorquino, de hecho, se conoce por el sobrenombre ‘The banana album’. Con más de cuatro décadas a sus espaldas, la banana de Warhol se ha convertido, además, en un codiciado objeto de deseo.

The Dark Side of the Moon

The Dark Side of the Moon
The Dark Side of the Moon, el álbum que encumbró a Pink Floyd, tiene el prisma más famoso del rock. Además del apartado musical, el disco de rock progresivo se hizo famoso por su diseño que cuenta con un enigmático prisma luminoso, realizado por el colectivo británico Hipgnosis con Storm Thorgerson al frente. Hipgnosis realizó hasta siete diseños de la portada, pero los miembros de Pink Floyd coincidieron en que el diseño del prisma era de largo el mejor. El diseño del prisma representa tres elementos; la iluminación en los conciertos de la banda, las letras del álbum y el deseo de Richard Wright de crear una portada más «sencilla y pulcra».

Diseños de logos 

Ferrari

Ferrari
El caballo negro con las dos patas levantadas ya es sinónimo de una de las marcas de coches deportivos más conocidas del mundo. No es de extrañar, dado que este caballo ha estado más de 90 acompañándola. En realidad, al logotipo no se le atribuye ningún diseñador ni ninguna agencia de comunicación. Según cuenta Ferrarri, el caballo se debe al símbolo que utilizaba en el fuselaje de su avión Francesco Baracca –un aviador en la Primera Guerra Mundial que, tras grandes victorias, fue abatido en Montello en 1918 –Ferrari adoptó al caballo negro azabache en honor al héroe italiano.

Chanel

Chanel
El logo Chanel es uno de los más longevos en la historia de la alta costura parisiense. Considerada como una de las marcas más icónicas e influyentes de la industria de la moda, la imagen de las dos «ces» entrelazadas permanece como un símbolo inalterado desde que fue diseñado en 1925. Rápidamente, se convirtió en sinónimo de elegancia, de riqueza y elitismo, así como un estándar para la moda internacional. Sin embargo, el logotipo de Chanel no fue registrado como marca hasta que las primeras tiendas de Chanel se establecieron. El monograma fue diseñado por la misma Coco Chanel. La superposición de la doble ‘C’ –una mirando hacia adelante y la otra hacia atrás– es uno de los símbolos más reconocibles en el mundo de la moda. Una teoría alternativa afirma que el diseño estuvo influenciado por el emblema original de Château de Crémat, la cual también consistía en un par de Cs entrelazadas.

Diseño de tipografía

Futura

Futura
Detrás de este tipo de palo seco, se encuentra el tipógrafo alemán Paul Renner. Publicada en 1927, su popularidad y utilización la ha convertido en una referente de la tipografía universal. «La letra de nuestro tiempo». Así definió Paul Renner su tipografía Futura cuando se la ofreció al público general en 1927. A pesar de no haber pertenecido a la escuela Bauhaus, las influencias de las que bebe esta tipo dependen directamente de este movimiento y del De Stijl, demostrando la inclinación del diseñador alemán por la Nueva Tipografía, de la que se convirtió en un ferviente defensor. Las formas geométricas compuestas por círculos, triángulos y cuadrados, y una extensa gama de cuerpos y tipos que incluyen la fina, seminegra, texto, negra y súper negra en su doble versión redonda y cursiva, se han convertido en los signos de identidad de Futura, un ‘modernísimo’ tipo que ya se considera uno de los clásicos de la tipografía universal.

Garamond

Garamond
Es una de las más conocidas y también una de las más usadas de la historia. Es fácil intuir quién fue el creador del diseño original de esta tipografía, ya que lleva su apellido. Fue Claude Garamond (1490 – 1561), tipógrafo e impresor parisino considerado uno de los primeros profesionales especializados en diseño, grabado y fundición de tipos como servicio externo para otros impresores. En el siglo XX surgieron nuevas tipografías basadas en la obra de Claude Garamond, pero la que más se ajustaba al trabajo del tipógrafo parisino fue la creada por la fundición Stempel en 1924, ya que se basaba en sus dibujos originales. Casi 500 años separan aquel diseño original de Claude Garamond de la tipografía que todavía empleamos hoy en día. Garamond sigue tan vigente como en sus primeros años de vida. La inmortalidad es el rasgo más significativo que solo los mejores tipos poseen.

Diseño de carteles

Chat Noir

Chat Noir
El cartel de Chat Noir es uno de los más famosos de la historia. Nació como un cartel publicitario para un cabaret en París, pero su imagen y su nombre han tenido una gran transcendencia y ahora encontramos muchos establecimientos de hostelería repartidos por todo el mundo con este nombre. El encargado de diseñar este cartel fue Théophile Alexandre Steinlen, un pintor, diseñador gráfico, litógrafo y cartelista modernista de origen Suizo. Con solo 19 años, Steinlen -como es conocido habitualmente-, se trasladó a París para dedicarse profesionalmente al dibujo. Más tarde fue a Montmartre, donde pudo diseñar este famoso cartel. Durante su carrera, Steinlen había experimentado una enorme pasión por los gatos, convirtiéndose Chat Noir en su obra más famosa. Además, trabajó para muchas otras revistas parisinas y dibujó para el Salón des Indépendants.

‘We Can Do It!’

‘We Can Do It!’
Aunque su objetivo cuando fue diseñado no era precisamente este, el cartel  ‘We Can Do It!’ ha llegado a abanderar un hito histórico muy significativo en el desarrollo del papel de la mujer en la sociedad moderna. Nació como póster propagandístico para mantener la producción industrial de Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial. Fue creado en 1943 por el diseñador gráfico estadounidense J. Howard Miller (1918–2004). Recibió el encargo de Westinhouse Electric, empresa que precisaba de mano de obra, como muchas otras, debido a que sus trabajadores habían cambiado su puesto de trabajo por el campo de batalla. El objetivo de este cartel es sencillo, pero con mensaje potente, cuya intención era avivar la llama patriótica de las mujeres estadounidenses; conseguir que acudieran a trabajar a las fábricas donde realizarían labores que, hasta entonces, solo estaban reservadas para los hombres.

Diseños de producto

La silla Barcelona

La silla Barcelona
La silla Barcelona es una de las sillas más icónicas del diseño de mobiliario moderno del siglo XX, una verdadera obra clásica. Su creador fue el arquitecto Ludwig Mies van der Rohe con la colaboración de la diseñadora Lilly Reich. Fue creada junto a la otomana y la mesa auxiliar a juego, para el pabellón alemán en la Exposición Internacional de Barcelona del año 1929, de ahí su nombre. Su diseño, con sus características formas elegantes y sus particulares proporciones (basadas en la sella curulis, un tipo de silla usada por los magistrados romanos), hicieron que este objeto de mobiliario pasase a considerarse, más que una silla, un objeto escultural.

Juicy Salif

Juicy Salif
Juicy Salif es el exprimidor más conocido del mundo. Fue diseñado por Philippe Starck en 1988 para Alessi. Curiosamente, nació en un servilleta de papel del restaurante en el que se encontraba Starck comiendo. El objetivo de Starck era lograr un diseño que fuera mucho más allá del aspecto utilitario del objeto: «Mi exprimidor no está pensado para exprimir limones, sino que tiene la intención de iniciar conversaciones», llegó a declarar. Con 14 cm de diámetro y 29 cm de altura, fabricado en aluminio pulido, está considerado como una de las piezas de coleccionista dentro del diseño industrial. Tanto es así que ocupa un lugar en el MoMa de Nueva York.

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