Para nosotros ha sido una alegría conocer que Gustavo Gili ha editado en castellano un hermoso cuento ilustrado por Saul Bass con sus bellos y coloridos dibujos.

Se trata de Henri viaja a París, una historia escrita por Leonere Klein y que relata la historia un niño que vive en Reboul, un pequeño pueblo que sólo tiene cinco árboles, un autobús, una iglesia y una ardilla. Por eso, Henri sueña con viajar a París, porque allí todo es más grande.

Un día Henri decide coger su almuerzo y emprender viaje a la ciudad. El viaje es largo y cansado, y todo lo que el niño ve es lo que nosotros, los lectores vemos a través de las fantásticas ilustraciones creadas por el maestro Bass. Dibujos sencillos, realizados en colores pop: naranjas, verdes, rojos, magentas… en los que nos relata en una serie panorámica de composiciones magistrales esta historia cálida y sencilla.

Y es que si bien el nombre de Saul Bass está sin duda ligado al cine, no podemos olvidar que una de sus aficiones era el dibujo y la ilustración. Su propia firma era una caricatura de sí mismo, en la que se retrataba como un pez. Recordemos igualmente que muchos de sus títulos de crédito estaban realizados en animación. Este es el caso de La vuelta al mundo en 80 días (1956) o El mundo está loco, loco, loco, loco (1963). Henri viaja a París nos muestra una de las muchas facetas que este neoyorquino de origen judío practicó a lo largo de su extensa carrera.

Si quieres descubrir más acerca del gran maestro Bass, una recomendación final, en nuestra Biblioteca Gràffica hay un volumen dedicado a este pionero.

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En cuanto a Tipos de imprenta en España, este volumen ofrece una oportunidad única para conocer con detalle y en profundidad los tipos usados en la imprenta española. Y decimos ‘única’ porque son muy escasos, por no decir casi nulos, los estudios realizados en este campo de los caracteres de impresión tanto en su aspecto estilístico como en las peculiaridades de su fabricación. Como indica Albert Corbeto, «el principal motivo de esta desatención», entre otras razones, hay que buscarlo «en la tradicional dependencia del material tipográfico producido en el extranjero, ante la carencia de orfebres capacitados para crear nuevos caracteres en el país». De ahí la necesidad de publicar este libro en el que se detalla la producción y comercialización de tipos de imprenta en España desde el periodo incunable hasta las tipografías decimonónicas que aparecen con el establecimiento en España de las fundiciones industriales a finales del siglo XIX.

Por su parte, Daniel B. Updike impresor e historiador de la tipografía nos acerca al legado que dejó el impresor norteamericano a raíz de la publicación en 1922 de Printing types. Their history, forms and use. A su vez, el libro desvela la contribución de Updike al conocimiento de la historia de la tipografía española aparecida en Printing types. Un libro que se divide en dos capítulos. En el primero se analizan los tipos españoles del siglo XV, mientras que en el segundo se estudian los tipos de 1500 a 1800. En realidad, la atracción que sintió Updike por España y por la historia de su imprenta, se materializa en el evidente trato de favor que concedió en su libro a la la tipografía hispana, para la que rescató del olvido a los grabadores de punzones activos durante la segunda mitad del siglo XVIII y les concedió el mérito que su destacada tarea tuvo en la prestigiosa producción del periodo más brillante de la historia de la imprenta en España.

Dos libros concienzudos y en los que hay una gran labor investigadora por parte de Albert Corbeto y que, por fin, hacen justicia a los materiales tipográficos realizados en nuestro país.

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Este repaso de los galardonados sirve como una parada única para todo lo candente en el área. Cualquiera que esté interesado en la creatividad, la comunicación, el diseño o la publicidad ¡posiblemente no pueda estar sin el anuario D&AD!

Un libro imprescindible que presenta los últimos trabajos premiados por D&AD en las siguientes áreas: Ambient, Art Direction, Book Design, Branding, Broadcast Innovations, Digital Installations, Direct, Environmental Design, Graphic Design, Illustration, Magazine & Newspaper Design, Mobile Marketing, Music Videos, Online Advertising, Packaging Design, Photography, Poster Advertising, Press Advertising, Product Design, Radio, TV & Cinema Advertising, TV & Cinema Crafts, Viral, Websites, Writing for Advertising, and Writing for Design.

D&AD es una asociación con fines educativos y sin ánimo de lucro que fue fundada en 1962 por un grupo de diseñadores y directores creativos londinenses. En su seno hay profesionales legendarios y de gran relieve que forman parte tanto de los jurados como de las listas de premiados. La entrega anual de los premios D&AD –el acontecimiento más importante del sector– recompensa la creatividad, la originalidad, la perfección técnica y la innovación en el ámbito del diseño y la publicidad. Al celebrar la comunicación creativa y premiar a sus mejores profesionales, D&AD eleva los estándares en todo el sector.

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Las influencias del autodidacta Almodóvar son tan diversas como Douglas Sirk, Frank Tashlin, Andy Warhol y John Waters. Para sus largometrajes toma préstamos de géneros tradicionales del cine clásico norteamericano como el film noir, el melodrama o la comedia de enredo, que a menudo subvierte. Sin embargo, continúan siendo tan ibéricos, arraigados como están sobre odo en el amado Madrid del director para explorar los mitos y la modernidad de España al ritmo de bandas sonoras a rebosar de boleros. Ahora el enfant terrible de la escena independiente de los años ochenta ha madurado en el oscarizado director de Todo sobre mi madre, película reconocida por su resonancia emocional, sofisticación y calidad. El mundo distintivo, y alguna vez marginado, de Almodóvar ha entrado por fin en la cultura establecida.

Para esta monografía sin precedentes, Pedro Almodóvar le ha dado a Taschen acceso total a sus archivos, incluso a imágenes inéditas, como fotos personales que fue haciendo durante los rodajes. Además de escribir los epígrafes para las fotos, Almodóvar invitó a grandes autores españoles a escribir introducciones para cada una de sus películas y seleccionó muchos textos propios para acompañar esta odisea visual a través de sus obras completas.

Sobre los editores
Paul Duncan ha editado 50 libros de cine para Taschen, incluido el galardonado The Ingmar Bergman Archives, y ha escrito Alfred Hitchcock y Stanley Kubrick, dos títulos de la serie de cine de la editorial.

Bárbara Peiró ha estado trabajando con Pedro Almodóvar durante 11 años que han incluido cinco películas, montones de viajes promocionales, una exposición en la Cinémathèque française, una adaptación teatral de Todo sobre mi madre y un musical de Broadway de Mujeres al borde de un ataque de nervios.

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Quizás Steven Heller es uno de esos extraños casos en los que su faceta como diseñador y director de arte ha quedado relegada a un segundo plano. Esto no se debe a un hecho aleatorio, sino más bien a que su faceta como investigador, crítico, escritor, autor y editor de numerosos libros en torno al diseño ha trascendido mucho más. Su última entrega es Typography Sketchbooks, una joya que contiene 368 páginas con más de 600 fotografías de cuadernos de bocetos de algunos de los más grandes diseñadores y tipógrafos de nuestro tiempo.

Steven Heller es uno de los mayores estudiosos del diseño gráfico; sus contactos profesionales con lo más granado del diseño son buenos y numerosos. En su nuevo libro, Heller junto a Lina Talarico [coautora del libro] nos introducen en el universo más íntimo de 120 diseñadores que crean tipos de letra, aquellos que unen palabras con imágenes, merodeando a través de sus cuadernos privados.

Ambos han ido ordenando el universo íntimo de 120 de diseñadores y tipógrafos de la talla de Bob Aufuldish, Pierre di Sciullo, Eric Spiekermann, Sumner Stone, Peter Bilak y Milton Glaser, entre los que también se encuentran Andreu Balius, Alex Trochut y Mariscal. En esta exploración, Heller y Talarico nos revelan el esfuerzo continúo de estos grandes creadores para encontrar nuevas y emocionantes maneras de comunicarse a través de letras y palabras.

Typography Sketchbooks ofrece una visión fascinante del trabajo de estos 120 diseñadores. La gama de estilos es asombrosa y sorprendente, si bien, en realidad, lo único que comparten todos ellos es el deseo de luchar constantemente para encontrar nuevas y emocionantes maneras de comunicarse a través de letras y palabras.

El libro se dirige a todos aquellos que utilizan la tipografía, ya sea a mano o en la pantalla. Este compendio subraya la importancia de la buena tipografía en un momento en que los hábitos de lectura están cambiando y celebra un oficio que ha perdurado durante siglos.

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Estas preguntas y algunas más les planteaba hace unos meses en una reunión informal con otros diseñadores y al final de la discusión [muy divertida, por cierto] casi todo el mundo acaba teniendo un precio por su moral. Hay que poner en juego una mezcla de varios elementos para acabar sucumbiendo a ello. Sobre esto me gustaría hablar otro día, pero no antes de haber leído este libro, 13,99 euros.

Frederic Beigbeder, es l’enfant terrible de la literatura francesa, pero antes fue durante un tiempo un brillante creativo de publicidad, [Young & Rubicam y autor de la campaña de Eva Herzigova para Wonderbra -“Mirame a los ojos, he dicho a los ojos”-] de esos que, como él dice, tiene una cadena hi-fi Bang & Olufsen, viaja en Business Class, con lo que los billetes le cuestan 10000 euros, el mejor frigorífico del mercado, un BMW Z3 en su plaza de parking, fotos junto a Inés Sastré, David Lynch, Gerard Depardieu, un iMac de color rosa, zapatos de 600 euros (cada uno), veinte camisas de Prada… entre otras muchas cosas. Pero, escribió 13,99 euros (99 francos en la edición francesa) y fue automáticamente despedido por plantearse la dudosa moral de su oficio y publicarla en un libro que fue considerado una auténtica revolución de la literatura francesa.

Con frases como “No hay alternativa al mundo actual” ó “La diferencia entre ricos y pobres es que los pobres venden droga para comprarse unas Nike, y los ricos venden sus Nike para comprarse droga”, no resulta nada difícil engancharse al relato. Ahí va un pequeño texto:

Me llamo Octave y llevo ropa APC. Soy publicista: eso es, contamino el universo. Soy el tío que os vende mierda. Que os hace soñar con esas cosas que nunca tendréis. Cielo eternamente azul, tías que nunca son feas, una felicidad perfecta, retocada con el Photoshop. Imágenes relaminadas, músicas pegadizas. Cuando, a fuerza de ahorrar, logréis comprar el coche de vuestros sueños, el que lancé en mi última campaña, yo ya habré conseguido que esté pasado de moda. Os llevo 3 tres temporadas de ventaja, y siempre me las apaño para que os sintáis frustrados. El Glamour es el país al que nunca se consigue llegar. Os drogo con novedad, y la ventaja de lo nuevo es que nunca lo es durante mucho tiempo. Siempre hay una nueva novedad para lograr que la anterior envejezca. Hacer que se os caiga la baba, ése es mi sacerdocio. En mi profesión, nadie desea vuestra felicidad, porque la gente feliz no consume.

Es muy recomendable también su posterior novela Windows on the World, que relata a modo de vidas cruzadas, el trancurso del día en un restaurante situado en el World Trade Center el 11 de Septiembre de 2001. Espero que os sirva de lectura para estas vacaciones.

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“El cliente dice que la letra la quiere más helvética” – “ES HELVÉTICA” – “Yo no sé, dijo que la quería más helvética, ¿no la puedes hacer MAS HELVÉTICA?
(Agencia, Vendedora insistiéndole a la diseñadora para que rediseñara la helvética como MAS helvética)

“¿Por qué no lo cambias por un color vino?” – “¿Color vino?” – “Si, color vino” – “¿Cuál? ¿Blanco o tinto?”
(Agencia, Director a Diseñador, en conversación que roza lo etílico)

“Quiero que me hagas una web que me haga ganar mucho dinero” – “¿Pero que quieres vender en la web?” – “No lo sé, dame ideas que para eso eres tú el profesional…”
(Anunciante que supone que si su Diseñador supiera lo que le pregunta seguiría trabajando de Diseñador)

“Eres un tramposo, hiciste la página web mas pequeña para ahorrar tiempo y color”
(Anunciante, que primero vió su sitio en un monitor de 800 x 600 y luego en un widescreen)

“Queremos una web bien chula e impactante, pero eso sí, en blanco y negro para que salga barata”
(Anunciante, Director Financiero, a Diseñadora Web, tratando de ahorrar en la web color por color)

Estas y muchas más anécdotas nos ocurren a todos los diseñadores cada día. En la mayoría de ocasiones son simples equivocaciones o despistes pero a veces los clientes en su absoluta ignorancia y falta de respeto piden algunas cosas…

Este es un ejemplo más de un blog convertido en libro. Palabras textuales empezo como blog y ahora recoge todas las anecdotas de más de 500 profesionales relacionados con el diseño y la publicidad que han ido apareciendo on line. En su relativamente corta vida, Palabras Textuales ha sido nominado como uno de los mejores 10 blogs en español por la Deustche Welle y su versión “for export“ llamada AdVerbatims, ha sido destacada como uno de los mejores 10 sites en donde pasar un buen rato por el Book of Tens de Advertising Age.

Muchas de ellas nos ocurren en carnes propias, pero lo interesante de este libro es ver lo que le ocurre a los demás y de ese modo darnos cuenta de que lo que nos sucede a nosotros tampoco es para tanto. También es oportuno la lectura del libro, si uno quiere prevenir futuros comentarios como estos, ya que de este modo no nos dejaran tan perplejos y nuestra reacción será mucho más rapida.

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Con solo 30 años, Alex Trochut es uno de los diseñadores españoles con más proyección internacional. Tipógrafo e ilustrador, Trochut nos muestra en este libro su lado más íntimo y personal, a la vez que profesional. El libro posee dos portadas en una. La luz impide ver lo que sí deja observar la oscuridad: un monograma impreso en tinta luminiscente que transforma por completo la portada inicial del libro. Una vez en el interior, y tras una introducción de Deanne Chuck, se descubre la propia voz del artista.

Trochut habla de sus influencias y destaca entre otros a Dalí, Miró, Escher y Lubalin. También ofrece unas líneas en homenaje a su familia, dedicada tradicionalmente a las artes gráficas. En concreto se centra en la figura de su abuelo, Joan Trochut, creador en los años 40 del sistema tipográfico SuperTipo Veloz y un gran influyente del mismo.

El libro muestra una extensa recopilación de sus mejores trabajos, utilizando como recurso el cambio de papel para resaltar sus ilustraciones. Trochut desglosa el proceso de creación de algunos de sus proyectos, donde se puede observar perfectamente el rastro que han dejado las influencias anteriores en él.

Magníficamente diseñado por Dani Navarro seguro será una pieza indispensable en muchas bibliotecas de diseñadores.

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Alexandre Cirici Pellicer

Alexandre Cirici Pellicer es profusamente mencionado en libros y textos relacionados con los años de posguerra pero casi siempre se le cita como crítico e historiador del arte, intelectual o pensador, pero muy pocas veces en relación con su trabajo. Cirici tuvo gran implicación teórico-práctica con el diseño y la comunicación visual.

Tres fueron las empresas que marcaron su labor profesional: Zen, Pan y Espira, agencias en las que ejerció de grafista, creativo publicitario y director de arte. Paralelamente, Cirici se implicó en la creación y definición de los planes de estudio de las primeras escuelas de diseño de Cataluña y de España, como fueron la Escuela de Arte del FAD, Elisava y Eina, además de ser el introductor en la Universidad de Barcelona (UB) de los estudios de semiología como método de estudio de la obra de arte: la Semiología Visual.

También impulsó a nuevos artistas y tendencias e introdujo nuevas metodologías, como el estructuralismo por ejemplo. Escribió numerosos libros, entre los que destacan Picasso antes de Picasso (1946), El Surrealismo (1949), Arte y sociedad (1963), El arte catalán contemporáneo (1970), Tàpies, testimoni del silenci (1970), Miró llegit (1971) o La estética del franquismo (1977).

La docencia practicada por Cirici fue fundamental para la formación de las primeras promociones de historiadores del arte de nuestras universidades y escuelas. De la misma forma, debemos considerarle uno de los impulsores principales de la formación de las sucesivas generaciones de profesionales del diseño y su subsiguiente expansión; del crecimiento y reconocimiento de la profesión de comunicador visual en Cataluña, una comunidad que ha sido reconocida como avanzada y estandarte del diseño y la comunicación en España.

Aproximación a Cirici
En el contexto de la historia del diseño gráfico en Cataluña, Alexandre Cirici supone la recuperación de una segunda vanguardia gráfica que se desarrolló paralela y complementariamente a la que protagonizó Ricard Giralt Miracle y que continuaron los grafistas del FAD en sus propuestas de los años sesenta.

La línea Cirici conecta y establece un cierto precedente con la corriente iniciada por Sandro Bocola y continuada posteriormente por Leopoldo Pomés y Salvador Borrás, más cercana a las lecciones de la Nueva Gráfica suiza que trajo Bocola cuando llegó a Barcelona, allá por los primeros cincuenta. A estos profesionales se debió la mayor parte de la modernización de la publicidad española a lo largo de las décadas de los sesenta y setenta; una renovación que surgió al margen de la consolidación del diseño gráfico como actividad profesional consciente de sí misma.

Cirici, por su parte, es una de las personas que mejor establecieron la unidad de desarrollo entre la herencia noucentista y la corriente del movimiento moderno dominante a partir de los años setenta. De esta manera, con la trayectoria profesional de Cirici se completa el panorama del diseño gráfico en Catalunya desde la Guerra Civil española hasta la transición democrática posterior a la muerte de Franco y contribuye a la comprensión global de su figura, llenando el vacío hasta ahora existente derivado del desconocimiento generalizado, acerca de su labor en los ámbitos de la publicidad, el diseño gráfico y la comunicación visual.

Un libro necesario
Dentro de la excelente colección de la editorial Campgràfic, dedicada básicamente a la tipografía y con incursiones en el diseño gráfico en general, podemos destacar la aparición del volumen dedicado a la obra gráfica de Alexandre Cirici Pellicer, figura clave en la transición política que vivió nuestro país tras la dictadura. Si bien su aportación al mundo de la política y de la crítica de arte es conocida y está suficientemente documentada, su trabajo en el ámbito de la comunicación visual ha sido escasamente estudiado. Gracias a Campgràfic y a su autora Teresa Martínez, podemos contar con un estudio riguroso de la obra gráfica publicitaria de Alexandre Cirici Pellicer que aparece por primera vez ampliamente recopilada en esta publicación. Un estudio en el que la autora defiende la tesis de considerar a Cirici Pellicer, no sólo como uno de los pioneros del diseño gráfico de nuestro país, sino como uno de los primeros diseñadores que actuó como director de arte. Esto supone, en el contexto de la historia del diseño gráfico en Cataluña, la recuperación de una segunda vanguardia gráfica que se desarrolló paralelamente y que fue complementaria a la protagonizada por Ricard Giralt Miracle, continuada por los grafistas del FAD (Fomento de las Artes Decorativas) en sus propuestas de los años sesenta.

Es éste un libro que faltaba en nuestro país, ya que recupera la figura de uno de los principales renovadores del diseño, y establece el nexo entre el diseño gráfico y la publicidad en España. Como todos los libros editados por Campgràfic, IN-DIS-PEN-SA-BLE.

El libro se presenta el próximo jueves, 20 de enero, a las 19.30h en el FAD.
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