Nombre completo, fecha y lugar de nacimiento.
Veronika Burian, 18 de diciembre de 1973, Praga.

¿Qué diseños recuerdas en tu casa cuando eras niña?
Setzkasten, un set de letras de papel con los que componía palabras. La vaca Milka. Y la leche en cajas triangulares.

Si no te hubieras dedicado a la tipografía, ¿qué te gustaría haber hecho en la vida?
Ser bailarina.

Un consejo para quienes aspiren a vivir del diseño.
Sé entusiasta con tu trabajo, honesto y estate preparado para confiar en la gente. Ellos lo apreciarán. ¡Mantente fiel a tus promesas! Sé modesto pero date a conocer. No temas enseñar tu trabajo. ¡Haz ejercicio! Levanta el culo de la silla, esto hará que tu creatividad fluya y te sentirás más feliz.

La tipografía es…
Pasión.

¿Cuál fue el primer trabajo que hiciste?
Mi primer trabajo tipográfico fue Mila, una extraña combinación entre una sans geométrica y una sans humanista. Mi primer trabajo como diseñadora de producto fue un teléfono móvil.

¿Y el último?
La tipografía Abril y Birdy.

Selecciona tres trabajos esenciales en tu carrera.
Las tipografías Maiola, Bree y Abril.

Cita un diseñador con el que te gustaría trabajar.
Matthew Carter.

Una empresa a la que le cambiarías la imagen.
Easyjet.

¿Qué le dices a alguien cuando te dice que no le gusta lo que has hecho?
Es justo, es una cuestión de gustos.

Un número del pantonero con el que te harías un traje.
192 C.

Elige y razona tu elección:

¿Neville Brody o David Carson?
Brody, es más sustancioso.

¿Milton Glaser o Paul Rand?
Rand, su estilo es mucho mejor.

¿Freehand o Illustrator?
Illustrator, es más fácil de manejar.

¿Quark o Indesign?
InDesign, más barato y con mejor soporte OT.

¿Garamond o Helvetica?
Garamond, ¡siempre clásica!

¿Estudio o agencia?
Estudio, hay menos publicidad relacionada.

¿Papel o digital?
Papel, cuando lo lees es más agradecido.

¿Lápiz u ordenador?
Ordenador, me siento más cómoda.

¿Mac o PC?
Mac, por dentro y por fuera.

Un equipo de fútbol, un político, una ciudad para vivir.
Odio el fútbol, no me importa ningún político en particular y me encantaría vivir en el mar.

Un homenaje a un tipógrafo que todavía no se le ha reconocido.
Oldřich Hlavsa.

Una marca que detestas y que despierta alabanzas en el mundo del diseño.
No me siento tan fuerte como para eso.

La película que nunca te cansas de volver a ver. El libro que nunca te cansas de releer.
2001 Odisea en el espacio; los libros de Milan Kundera.

Si estuviera en tus manos, ¿qué cambiarías del mundo del diseño gráfico?
Cambiaría el enfoque sobre la función y el usuario antes que promover la autoobsesión del diseño como tal.

¿Qué se debería enseñar en las escuelas de diseño y no se enseña?
Sostenibilidad, respeto y que no se hace todo por dinero.

¿Eres de las que opinan que tú lo hubieras hecho mejor?
Sí, y también siempre encuentro algo que se podría mejorar en mis tipografías.

Échale imaginación y propón a los políticos algo para mejorar el mundo del diseño.
Liberar al mundo del patrocinio de las empresas y ampliar la financiación cultural.

Tu foto a toda página en la portada de una revista: ¿qué revista y por qué razón?
Mis tipografías en una portada. ¡Yo, no!

Entrevista: Paz Martínez, desde Londres.

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La primera idea que viene a la cabeza para quienes conocen a Muji es diseño. Más concretamente diseño sencillo aplicado a productos sencillos; objetos en los que predomina la economía visual, el equilibrio y

La primera pregunta es inevitable, para quienes no conozcan aún Muji, ¿qué es?
K.O.: Muji es la abreviatura de Mujirushi Ryohin, algo que se traduce en productos de calidad pero sin marca. Son diseños muy simples, muy tranquilos, algo que en un principio te puede llevar a pensar “no es atractivo porque no tiene nada”, pero que cuando alguien acude a tu casa realmente descubre que todo está muy armonizado. No es un diseño que rompe, sino que se adapta.

Desde el punto de vista del branding, la filosofía Muji no deja de resultar paradójica: “Lo importante es el producto, no la marca, por eso nuestra marca no es visible en ninguno de los productos”. ¿Por qué esta decisión de eliminar o mejor dicho, no mostrar la marca?
K.O.: En el año 1980, cuando abrió Muji en Japón, el país estaba en una situación económica muy boyante, era la segunda economía después de EEUU, si recuerdas, se decía que los japoneses eran los dueños del mundo y empezaron entrar las marcas occidentales de lujo, como Louis Vuitton y todas estas. En el otro extremo, también surgieron marcas muy baratas pero de muy baja calidad y Japón se polarizó en dos tipos de segmento: uno, marcas de lujo muy caras y exclusivas, y por otro, marcas muy baratas, donde la calidad era baja. Muji quería hacer un buen producto pero donde lo importante no fuera la marca, sino ir a la esencia del producto.
J.T.: El concepto de Muji surgió como un rechazo a ese fenómeno: productos de calidad, realmente útiles en los que no se mostrara la marca. Una estrategia que buscaba diferenciarse en un mundo en el que parecía que si no tenías una marca detrás, tu producto no valía nada.

El secreto del éxito de Muji, ¿reside en esta estrategia?
K.O.: Sí, porque además ¡nadie lo ha hecho! Todas las marcas, cuando sacan un producto quieren darle un toque como de su marca y le ponen un logo, una gran etiqueta… Sin embargo, Muji se mantiene ahí, con la ausencia total de marca.

Sin embargo, este punto de vista de no querer mostrar la marca, ¿no es un poco contradictorio con el diseño?
K.O.: Realmente, el diseño es muy importante. Este punto de vista del diseño es global. Muji tiene un consejo asesor que tiene un diseñador gráfico, un interiorista, un diseñador de producto y ellos velan porque el concepto de Muji se mantenga en todo, desde el libro donde está la historia de Muji hasta en todos los departamentos de la tienda.

¿Muji trabaja con un equipo propio de diseñadores, con profesionales freelance, un equipo externo…?
J.T.: Nosotros tenemos un equipo de diseño propio pero a veces contratamos a otros diseñadores externos.
K.O.: La mayoría de los grandes diseñadores mundiales han trabajado para Muji, pero Muji nunca pone que un producto o una pieza es del diseñador ‘X’ porque para nosotros lo importante es el diseño del producto. Muji entiende que es muy difícil para un diseñador hacer un producto tan simple que no tenga nada. Por ejemplo, esta cuchara está diseñada por Jasper Morrison. A la pregunta de cómo se tiene que diferenciar este producto, pues bueno, Muji piensa: “la empuñadura de la cuchara debe ser como un guante, etc.”, pero nunca dirá jamás que la cuchara es de este diseñador porque lo importante es la cuchara.

Aparte del diseño de producto, sorprende cómo el material gráfico, catálogos, dossier, anuncios en prensa… todo está muy cuidado. ¿Quién está al frente de la dirección de arte?
K.O.: Uno de los cofundadores de Muji fue Ikko Tanaka, diseñador gráfico. Cuando él murió, le relevó el diseñador Kenya Hara del estudio de diseño Nippon Design Center. Él es quien desde 2001 se encarga de la dirección de arte. Seis meses antes de la muerte de Tanaka, éste le entregó el Libro de Muji que recoge esta visión global del diseño.

El diseño del sistema de etiquetaje, ¿pertenece también a esta visión global en la que predomina la ausencia de la marca?
Sí efectivamente. Este diseño también pertenece a Kenya Hara, lo mismo que la comunicación gráfica como pueden ser catálogos, anuncios, etc. Es cierto que en Europa los productos son distintos, pero es Kenya Hara quien supervisa todo este trabajo para que haya una línea común. Lo mismo sucede con la aplicación para iPhone y iPad, el soporte es digital pero el concepto de diseño es el mismo. Se mantiene la misma línea de diseño global planteada y supervisada por Kenya Hara.

¿Es Muji sinónimo de belleza ‘aséptica’?
Sí, Muji es la belleza de la sencillez, objetos que son dignos sin pretensiones superfluas, sin opulencias.

Fotos: Nati Rubio Soriano

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Desde hace más de tres décadas Paula Scher está a la vanguardia del diseño gráfico. Comenzó su carrera en los años 70; en los 80, su aproximación ecléctica a la tipografía fue muy influyente; y a mediados de los 90 su identidad para el Public Theater estableció una simbología totalmente nueva en el ámbito de las instituciones culturales. Directora de la oficina de Nueva York de Pentagram desde 1991, recientemente, Paula Scher ha reinventado el paisaje urbano como un entorno dinámico de diseño gráfico tridimensional. Con una claridad de ideas abrumadora, Paula nos habla en la siguiente entrevista de los recuerdos de su infancia, de sus primeros trabajos como diseñadora, además de otros aspectos como la responsabilidad del diseñador ante el cliente y de lo importante que es hacerse entender. Fotos: Juan Martínez | Traducción: Ricar González

Mi nombre es Paula Scher y nací un 6 de octubre, el mismo día que Patrick Thomas, un seis de octubre del año… ¿Tengo que decirte eso? [risas que acaban en llanto] ¡Que te jodan! [risas].

La primera pieza que recuerdo de cuando era niña es una portada del musical South Pacific. Creo que era de Alex Steinweiss, para un musical de Broadway, con una foto de Mary Martin en un ancla. Su cara estaba recortada en una forma muy graciosa y yo no sabía que se trataba de un ancla, pensaba que era un naipe de baraja porque parecía un trébol [N. del T. en realidad es una Pica].

En el supuesto de no haberme dedicado al diseño gráfico ¡estaría muerta! Creo que me habría deprimido enormemente. En serio, no había nada más que me interesara, solo el arte. Puede que me hubiera dedicado a la pintura o que fuera periodista, puede que hubiera escrito algo, pero creo que hubiese tenido relación con esta comunidad, no podría haber sido de otra forma. Viviría al margen de la sociedad.

Diseño gráfico es comunicación.

En el instituto era la encargada de publicidad y hacía los carteles para los bailes y los eventos escolares. Ya me dedicaba al arte comercial por aquel entonces. Ese fue mi primer trabajo. El último ha sido la identidad corporativa para el Type Directors Club de este año. La exposición, convocatorias… búscalo en Google, es la imagen de este año [Paula se refiere a la 58ª competición del Type Directors Club].

Me gustaría trabajar con Ruedi Baur, en Francia.

Si le tuviera que cambiar la imagen a una empresa ésta sería Verizon, la empresa de telefonía de EEUU, creo que tienen una imagen horrorosa.

Intento no llegar a una situación en la que alguien me dice que no le gusta lo que he hecho, pero es una cuestión compleja. Un cliente nunca debería estar en posición de no gustarle tu trabajo, porque si a un cliente no le gusta tu trabajo quiere decir que tú no has planteado bien el proceso. No se trata de enseñarle cosas y que él te responda. Esa situación no es buena. La buena es cuando desde el principio del proyecto existe un diálogo en el que hay pasos y reacciones, en el que no se juzga una solución que se te ha ocurrido para solventar un problema, sino que se usan ideas iniciales, de dos a cuatro ideas que puedan ser tratadas en combinación, y que el cliente sabe que no son el resultado final, sino que se pueden modificar. De modo que, si estas ideas iniciales no le gustan al cliente, todavía puedes presentar otras. Si esas ya no le gustan, entonces has de despedir al cliente, porque ya no le va a gustar. Pero en teoría, y en esto soy buena, si planteas bien el diálogo (y has de hacerlo mientras desarrollas la propuesta del trabajo), si hay buena comunicación, nunca llegaréis a la situación de que al cliente no le guste tu trabajo. Porque saben que es un proceso donde se pueden cambiar cosas. Pero si le enseñas algo y le dices “mira” y no le gusta, es culpa tuya porque tú has provocado esa situación. Si como diseñador piensas que puedes poner las cosas sobre la mesa y esperar que le gusten, deja el negocio, porque esto no funciona así. Has de colaborar con el cliente y si se hace bien, nunca llegarás a esa situación. Esto es muy importante para todos los diseñadores.

Muchos diseñadores piensan que son contratados para enseñarle al cliente una propuesta genial, pero esto no es así. Para lo que se contrata a un diseñador es para acompañar a una persona que no entiende de diseño a través de un aprendizaje. Si sólo presentas cosas vas a fracasar el 90% de las veces. Eso pasa mucho en algunos países europeos, se espera que se presenten cosas, y esa no es manera de hacer nada.

Me gusta más fijarme en las tipografías que se hacen ahora. Es una época muy buena para el diseño de tipos, ni siquiera recuerdo los nombres de todas las nuevas tipografías que estoy descubriendo. Lo maravilloso es descubrir, por ejemplo, a Helmut Kruger [??] que hace unos tipos geniales, me gustaría usar todas sus fuentes. Para mí esto es lo bonito, estar en la época dorada del diseño de tipos.

Un número del pantonero con el que me haría un traje… Pantone Black. ¡Soy neoyorkina! Black y Warm Red.

Lo que es difícil para los diseñadores es crecer y cambiar. Eso es lo que yo lucho por conseguir.

Creo que los anuarios impresos son valiosos; hay que mantenerlos. Pensaba que eran una tontería y que no debía haber tantos, pero no quiero que desaparezcan, cosa que sí va a pasar. La razón por la que los mantendría es porque son un momento en el tiempo en el que toda la comunidad del diseño ve exactamente lo mismo, todos a la vez. Y creo que esta comunidad entiende que no se puede imitar esto online. Sí que es cierto que hay blogs muy relevantes, pero no tienen el aliento de los anuarios. Algo como el Type Directors podría desaparecer fácilmente, que el mundo entero lo vea al mismo tiempo es algo muy precioso. AIGA se deshizo de su anuario y trató de suplirlo con algo digital que podías descargar, pero tardaba una eternidad y la gente se molestó y no le hacían caso. Es triste y esto es lo que me gustaría salvar. No cambiar nada, pero salvarlo porque se está perdiendo.

Escribí un artículo sobre lo que se debería enseñar en las escuelas de diseño y no se enseña. Lo que no saben en las escuelas es cómo piensan los clientes, pero no sé si se podría realmente enseñar. Es como lo que te decía antes de qué hacer cuando al cliente no le gusta algo. No explican cómo es esa relación. No sé si pueden porque es difícil hacerlo si no tienes experiencia, pero esto es el salto más grande. Encontrarse con este otro ‘agente’ en el proceso. Muchos de mis estudiantes preguntan ‘¿por qué hemos de cambiar esto?’ o ‘¿por qué hacemos cuatro si este es mejor?’ y a veces no saben considerar al cliente como parte de la ecuación. No sé si esto se puede enseñar, pero sí que hace falta un nexo entre estas dos cosas, porque probablemente es la parte más difícil.

¿Mi foto a toda página en la portada de una revista?… ¡Jamás!

Fotos: Juan Martínez | Traducción: Ricar González
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Con el cartel de «entradas agotadas» desde hace semanas, este lunes 24 de octubre empieza en Madrid Design Walk 2011. Una aventura en la que durante 5 días 25 estudios abrirán sus puertas de para que profesionales, estudiantes y empresas interesadas, se introduzcan y observen diferentes formas y métodos de trabajo en torno al diseño.

Sergio González, fundador del estudio de diseño Barfutura, es quien dirige por primera vez esta iniciativa. Hoy nos habla de cómo se ha ido forjando DW 2011. Un proyecto al 100% autofinanciado, que nace simplemente por la voluntad de trasladar y compartir una experiencia al universo particular de Madrid, la ciudad en que trabaja.

¿Cómo surge la idea de Design Walk? Design Walk surge por una experiencia parecida que tuve en Estocolmo durante la celebración de los Premios Europeos del Diseño. El evento tenía una pequeña sección opcional de poder visitar estudios, pero en este caso al ser una ciudad relativamente más pequeña que Madrid se hacía en bicicleta y todos los estudios en una sola jornada.

Lo que hicimos fue adaptar la idea a Madrid. Es decir, Madrid no se puede hacer en bicicleta (por desgracia), así que decidimos que la mejor forma es a pie, que también es una forma simpática de entablar conversación con otra gente y a la vez conocer la ciudad desde una perspectiva diferente. Luego lo tuvimos que dividir por barrios puesto que por su tamaño, Madrid no se puede hacer en una sola jornada.

Imaginamos que programar un evento de este tipo, no estará exento de esfuerzo. ¿Cuántos meses de trabajo ha llevado la organización? Organizar el evento han sido casi 5 meses de trabajo, desde principios de junio, cuando decidimos lanzarnos, hasta la fecha del último recorrido, es decir el 28 de octubre.

Presupuesto… Al no tener patrocinadores el evento ha sido autofinanciado. Todo lo que hemos sacado con la venta de las entradas se ha destinado a cubrir los materiales para la promoción. Esperamos poder tener patrocinadores en próximas ediciones y poder así hacer que la entrada sea gratuita. ¡Algún posible patrocinador leyendo estas líneas?

Inicialmente, un evento de este tipo puede parecer que se dirija más a estudiantes. ¿Hasta qué punto esta perspectiva es cierta? ¿Qué otras posibilidades ofrece DW? ¿Hacia qué otros públicos se abre? Esa es la primera perspectiva que uno considera pero realmente el panorama es bastante más amplio. Te puedo confirmar que hay mucho profesional, desde importantes empresas que buscan estudios con los que trabajar, hasta profesionales que quieren curiosear y conocer de primera mano el panorama actual de diseño en Madrid. También tendremos participantes venidos expresamente desde otros puntos de Europa como Italia, Portugal, Francia…

La acogida del público, en general, ha sido muy positiva. Sin embargo, siempre hay alguna voz por ahí que plantea ‘¿por qué hay que pagar para visitar un estudio de diseño?’. ¿Qué les dirías a estas voces más críticas? Cierto, la acogida por parte de los participantes ha sido magnífica puesto que se vendieron todas las entradas en menos de dos semanas. ¡Gracias a todos por vuestro interés y hacer que este esfuerzo sea una realidad!

Es cierto que ha habido algún que otro comentario desafortunado diciendo ‘por qué pagar para ver máquinas y cafeteras’. Primeramente decir que al no tener patrocinadores, o se paga entrada para cubrir los gastos o el evento no sería viable. Y referente a que no hay nada que ver en un estudio, pues mi mejor consejo es que se apunte al Design Walk.

Respecto a los 25 estudios de diseño que participan, ¿por qué estos y no otros? La selección de los estudios ha sido difícil puesto que hay mucha más gente que realiza trabajos fantásticos y que por razones de distancia no hemos podido contar con ellos. Pero, ¡dejemos algunos más para próximos eventos!

¿Os habéis planteado algún criterio o premisas concreto para realizar esa selección? La selección ha sido en función de la calidad en los trabajos, variedad de proyectos y que puedan entrar en el recorrido.

Cuando vas a Pep Carrió, Zinkia, Base Design o a cualquiera de los estudios 25 estudios que finalmente van a participar y les ofreces la posibilidad de que 15 personas ‘extrañas’ se infiltren por 30 minutos en su espacio de trabajo, ¿cómo ha sido su reacción? Nuestra gran duda a la hora de decidirnos a organizar el evento fue saber si los estudios estarían dispuestos a mostrarnos sus entrañas. Finalmente la reacción ha sido muy positiva, nadie tenía nada que esconder sino más bien lo contrario, mucho que enseñar. Los estudios nos han abierto sus puertas de par en par -nunca mejor dicho-. La acogida ha sido fantástica, lo cual es de agradecer.

A la hora de planificar las visitas, ¿hay unas premisas previas hay libertad total para que el estudio muestre lo que quiera? Nosotros simplemente hemos contado nuestra experiencia y, a partir de ahí, preferimos que cada estudio se muestre a su manera para que tengamos presentaciones variadas y diferentes puntos de vista. Que cada uno lo haga como mejor le identifique, para eso son creativos, ¿no?

30 minutos por estudio, ¿no es un tiempo muy ajustado? Creemos que es el tiempo adecuado, que la visita sea lo más intensa posible y el recorrido dinámico.

Después de haber cubierto las plazas para asistir al DW Madrid en un tiempo récord, ¿tenéis pensado llevar el proyecto a otras ciudades? La verdad que la acogida ha sido tan buena que sería una pena no seguir adelante con ello. Para no machacar de nuevo Madrid, estamos pensando para próximas ediciones hacerlo en otras ciudades. Cada año una ciudad diferente y que sea un circuito rotativo.

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Me llamo Stefan Sagmeister. Nací en 1962 en Bregenz, Austria que está a la parte más occidental de Austria, muy cerca de Suiza.

De mi infancia… recuerdo la influencia de un libro llamado ‘Struwwelpeter’, un libro infantil brutal que contenía una especie de moralejas del estilo de ‘si te chupas el dedo vendrá un enorme sastre con unas tijeras gigantes y te lo cortará’. Muy moralista, brutal, sanguinario para un libro infantil. Aunque, probablemente la imagen más fuerte que recuerdo sea la de una iglesia pequeña cerca de nuestra casa de vacaciones. En esa iglesia había una imagen colgando de una avalancha arrastrando a la gente. Eso me impresionó muchísimo, la gente gritando despavorida… esa es una de las imágenes más fuertes que recuerdo.

Si no me hubiera dedicado al diseño gráfico, seguramente sería un músico muy mediocre. Sé por qué digo esto… y seguramente mi otra inquietud hubiera sido hacer cine documental. Es la primera vez que lo intento [con The Happy Film] y aunque no quiero acabar como director de documentales, sí que me gustaría probar con uno.

Diseño gráfico es una combinación de imágenes y palabras, estáticas o en movimiento, para comunicar algo.

Mi primer trabajo fue una revista liberal para la parte occidental de Austria, para la que hice una versión muy cruda de una maqueta. El último, una gran campaña de rebranding para una gran empresa que será reconstruida en unas tres semanas, pero aun no puedo hablar de ello.

Si tuviera que trabajar con un diseñador Álex Trochut sería el primero de mi lista. Una vez vino al estudio en NY pero yo estaba en Indonesia, así que prácticamente nos acabamos de conocer ahora. He estado en su charla [en el OFFF], conocía su libro pero no sabía que era tan simpático y la manera que presentó el libro y cómo habló de él… sí, creo que él sería el primero de mi lista ahora.

En realidad no pienso que nosotros, como diseñadores, podamos cambiar la imagen de una empresa. Mucha gente piensa que sí, pero creo que se equivocan. Creo que la influencia que tenemos como diseñadores en materia de ‘branding visual’ no cambia realmente la imagen de una empresa. La esencia de la marca serán siempre sus productos, sus servicios, su gente. A pesar de lo que dicen muchas grandes multinacionales del branding, su influencia real en los productos, en los servicios, en la gente y en la estructura y filosofía general de la empresa es muy poca. Creo que lo que sí podemos hacer como diseñadores es ayudar a que algo que ya existe dentro de la empresa sea traído al frente.

Si una empresa es mala, yo no quiero estar involucrado, por razones morales, en hacer que su imagen sea buena. Un ejemplo reciente podría ser BP, con todo su rebranding. Desde un punto de vista formal, creo que se hizo muy bien, me gustaba el logo de BP, desde el punto de vista de la forma estaba todo muy bien hecho, muy bonito. Y no parecía que lo que decían en su cambio no fuera verdad, habían cambiado los jefes y querían convertir la empresa en algo más positivo para el medio ambiente. Pero esas intenciones se quedaron por el camino, a pesar de que ellos mantuvieron su nuevo logo todo verde. Esto les condenó. Una de las razones por las que resultaban tan infames es porque la gente les veía como falsos. Proclamar una cosa y por detrás hacer otra. Es algo que se puede ver a menudo en los políticos, esos políticos que proclaman una cosa y su vida resulta ser totalmente diferente. Una caída especialmente dura.

Perder la autenticidad es una de las peores cosas que le pueden pasar a una marca. La abierta revelación de que no son auténticos. Hablo por mí pero creo que muchos otros diseñadores serían bastante reticentes a falsear la imagen de una compañía así.

Me gustaría pensar en mí como en alguien abierto a las críticas, pero también hay un tipo de crítica poco fundada, que básicamente incordia, y que es muy difícil de soportar. Bueno, no de soportar, es difícil aprender algo de ella. Y luego está la crítica de alguien que viene y, en privado, te dice “cometiste un error al hacer tal cosa”. Eso es lo que resulta interesante además de ser la única crítica de la que puedes sacar algo. Y creo que, no sólo para mí, no sólo en el mundo del diseño sino en todo el mundo, hay mucho más de la primera y demasiado poco de la última.

Hay una charla bastante interesante de alguien a quien conozco, Hellen De Button, una escritora y filósofa británica, que dice que si alguien hiciera algo realmente malo o algo realmente malo le pasara a alguien, la manera en que lo trataríamos sería como una gran tragedia de teatro. Como los griegos, los romanos hasta finales del siglo XVIII o XIX. Y una tragedia es algo de lo que todo el mundo podría aprender: pasa algo malo y se muestran los resultados. Si hoy pasa algo malo a alguien famoso, a un rey o algo así, básicamente se burlarán de él en el periódico. Si te follas a quien no toca, o tomas las drogas que no tocan, se van a reír de ti en el periódico. Y resulta excitante leer sobre ello, y yo soy tan malo como todos, pero no se aprende nada de ello. No hay nada que aprender y es una lástima.

Neville Brody es amigo y he salido con él muchas veces. Ha hecho trabajos muy importantes en muchos períodos de su vida, que es algo muy difícil de hacer, y también ha estado implicado en varias corrientes importantes.

Milton Glaser es capaz de crear algunos íconos extremos del diseño y también de hacer cosas muy pequeñas y muy especializadas. Trabaja en muchas áreas y tiene una clase en Bondwich que es una de las mejores enseñanzas de diseño que se pueden conseguir. Y porque es, en muchos aspectos, lo que debería ser todo diseñador; tiene muchísima cultura. Con él puedes hablar del siglo XIV, de arte, de vino, de tecnología, de la influencia del modernismo… es un hombre muy cultivado en el mejor de los sentidos, es generoso y se las ha arreglado para, al menos en EEUU, crear una conciencia del diseño que distingue entre cosas que conviene y que no conviene hacer, y habla de ello de una manera que hasta los jóvenes de 20 años pueden entender. No es el típico tío con moralina, es alguien comprometido, un hombre único. Tengo mucho menos contacto con Paul Rand porque nunca le he conocido, fue un diseñador muy bueno y muy influyente pero estoy mucho más cerca de Milton.

He estado en organizaciones muy pequeñas, muy grandes y muy medianas y creo que un estudio pequeño es superior a uno grande.

Mi verdadero amor, creo que inspirado por mi edad, es el papel. Pero trabajamos de las dos formas [en digital]. Mi estudio elegirá ordenador y yo, probablemente, lápiz.

Si tuviera que hacer un homenaje a un diseñador olvidado sería Joachim Sauter de Art+com, de Berlín. Hacen un trabajo increíble y están muy poco valorados.

La película que no me canso de ver es Magnolia; el libro sería Freedom, de Jonathan Franzen.

Del mundo del diseño gráfico cambiaría que toda la energía que podemos ahorrar gracias a la tecnología fuera para mejorar la calidad en lugar de para hacer las cosas más rápido o más baratas.

En las mejores escuelas creo que se niega el trabajo artesano. Me refiero a la creación digital, a nivel básico, pero también podría ser a la programación o al trabajo a mano. Si no conoces muy bien las herramientas y los materiales es muy difícil conseguir algo original.

A los políticos les diría… Prohibid toda la publicidad exterior y haced un sistema zonal de publicidad en las ciudades que permitiera respirar.

No tendría sentido que yo saliera en una revista que no fuera de diseño. Bueno va, en el ‘New York Times’, simplemente porque es mi revista favorita. Nunca sucederá pero es un pensamiento bonito.

Mi consejo a quien aspire a vivir del diseño sería nunca des consejos a quien no te los pide.

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+info: www.sagmeister.com | Fotos: Juan Martínez

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La Valencia Disseny Week (VDW) cumple tres años y se consolida como una herramienta para impulsar la imagen de una ciudad que apuesta por el diseño, que lo acerca a la sociedad, que se moderniza y que más allá de los tópicos tiene un gran atractivo internacional. Juan Benavente ‘Juanico’ dirige y coordina este certamen que este 2011 se celebrará del 19 y el 24 de septiembre. Ultimando los detalles para que todo esté apunto, encuentra un hueco en su agenda y nos adelanta qué es lo que vamos a descubrir en la gran fiesta del diseño.

¿Cuál es el planteamiento de la VDW para este 2011?
La idea en este tercer año es consolidar la VDW, seguir ascendiendo para situar este evento como uno de los más importantes internacionalmente, convirtiendo a Valencia en una ciudad de diseño y de modernidad. Para ello contamos con la ayuda del IMPIVA y de los fondos FEDER, además de compartir sinergias con Feria Hábitat Valencia. Los objetivos de la VDW en su esencia siguen siendo los mismos: acercar el diseño a la sociedad, mostrar que el diseño es un bien cultural y económico, internacionalizar el diseño desde dentro, potenciar el diseño hecho en la Comunidad Valenciana, elevar la figura del diseñador como pieza clave de la industria… Conseguir todo eso no es fácil, lleva mucho tiempo. La ADCV trabaja para que esos objetivos se vayan cumpliendo, la VDW es una gran herramienta para conseguirlo. El año pasado dimos un gran salto con la internacionalización, este año mantenemos esa apuesta y además vamos a intentar acercar el diseño a la sociedad de una manera más efectiva.

¿Quién se ha encargado de la imagen gráfica/web de este año?
Este año la ha hecho el estudio Enblanc. Desde la Asociación de Diseñadores se lanzó una convocatoria para seleccionar al estudio que se encargaría de la dirección artística de esta edición. La imagen mantiene el logo original creado por Menta y Didac Ballester.

Lo más complejo de organizar…
Son muchas cosas… comunicación, rutas VDW, Tendes Design, Encuentro Internacional de Bloggers y Medios Online (FEED), actividades en Feria, espacio ADCV con su expo, la web, Premios ADCV, decoración de las calles…

Y todo eso, ¿cuánto tiempo te ha llevado?
Si me permites voy a sustituir el “te” por “os ha llevado” porque todo se hace gracias al trabajo de mucha gente; las personas que trabajan en la ADCV, la gente que forma parte de la comisión de la VDW y junta de la ADCV. Trabajamos casi todo el año, los seis últimos meses con especial intensidad.

¿Cuántas personas han participado?
15 de la comisión y 4 de la ADCV.

Presupuesto…
90.000 €.

¿Qué novedades hay este 2011?
La gran novedad de este año son las Rutas V, D y W, donde se divide la ciudad en tres zonas de actividades: Centro, Ruzafa y Carmen. Cada Ruta se inaugura un día diferente a partir de las 19.00 horas. Con esto conseguimos optimizar las actividades y facilitar las visitas del público. Tendes Design es otro concepto nuevo, sería la cuarta zona pero con un enfoque diferente al de las Rutas, ya que son tiendas especializadas en diseño de la zona de Cirilo Amorós, se pueden visitar en horario comercial durante toda la semana.

¿Alguna sorpresa?
Se van a vestir la calles de las rutas. Otra es la gala de los premios de la ADCV que va a estar genial este año, la fiesta de la ADCV en la nueva sede…

El plato fuerte de este año es…
La Ruta V en la zona Centro el día 20 de septiembre, la Ruta D en la zona de Ruzafa el día 21 y la Ruta W en la zona del Carmen el día 22.

¿Por qué estas Rutas y no otras? ¿Cuál ha sido el criterio a la hora de seleccionar a los comisarios?
Las elección de las zonas es una consecuencia de la experiencia vivida en los  otros años. Las actividades se concentraban espontáneamente en ciertas áreas de la ciudad; lo que hemos hecho es optimizar la semana poniendo una fecha de inauguración para cada zona. Además tres estudios de diseño se han encargado de comisariar cada zona, promoviendo la realización de eventos, buscando espacios y haciendo de conexión con las actividades creadas por diseñadores y empresas. Los estudios que coordinan esas rutas son Odosdesign (Centro), Enblanc (Ruzafa) y laMuda (Carmen).
Luis Calabuig, Amelia Arroquia y Rosalía Sebastián, miembros de la comisión, se ofrecieron a llevar cada una de las zonas.

Uno de los objetivos de la VDW es que todo el mundo que tiene relación con el diseño participe y pueda realizar su propia iniciativa. ¿Cuál ha sido la respuesta del público?
Estamos muy satisfechos y orgullosos con la respuesta de todos, hemos triplicado el número de actividades. Desde el principio teníamos claro que la VDW se debía construir desde dentro, con la implicación de la gente del diseño haciendo su propia actividad. La VDW es una gran oportunidad para los profesionales del diseño, afortunadamente todo el mundo lo está percibiendo así.

¿Habéis recibido muchas propuestas? ¿Qué tipo de actividades son las más solicitadas?
Tenemos más de 100 actividades solo en las Rutas V, D, W y Tendes Design. Sobre todo son pequeñas exposiciones y presentaciones de proyectos. A esto hay que añadir las que tienen lugar al margen de las rutas y las actividades que tienen lugar en Feria Hábitat.

En cuanto a público, ¿qué perspectivas de afluencia hay para esta edición?
Esperamos aumentar la afluencia de otras ediciones. Este año queremos atraer a más profesionales y gente relacionada con la industria, pero a su vez es muy importante aumentar el público en general. Cuando acabe todo ¡veremos si ha funcionado!

Cada vez hay más eventos de diseño, ¿qué diferencia a la VDW respecto a otros?
La VDW tiene como protagonista al profesional del diseño, el diseñador como persona que genera las ideas y encuentra soluciones, punto de partida de todo acto creativo. Otra característica muy importante es que la VDW se nutre del talento creativo, técnico y empresarial autóctono, para exportarlo y promoverlo al exterior, de dentro a fuera, no al revés.

¿Por qué recomendarías a alguien que se acercase a Valencia del 19 al 24 de septiembre? Aparte de todo lo que se puede ver y aprender, lo recomendaría sobre todo por la experiencia de vivir unos días rodeado de la gente con la que compartes gustos, aficiones, profesión, ideas… La VDW es una auténtica red social del diseño, donde están todos los conocidos y los que están por conocer. De este evento surgen grandes oportunidades para los jóvenes, para las empresas y para los profesionales. Por otro lado, la gente ajena a este mundo descubrirá lo bonito y necesario que es el diseño bien hecho. Todos ellos disfrutarán de la semana en un ambiente festivo, distendido, cercano y muy creativo.

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+info: valenciadissenyweek.com/

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Las siguientes opiniones de Charles Eames son una expresión de su acercamiento al proceso de diseño.

Esta entrevista (…) constituye una explicación de la filosofía del trabajo de la Oficina Eames. (…) Las siguientes preguntas fueron hechas por Madame Amic a Charles Eames y fueron la base conceptual de la exhibición ¿Qué es Diseño? Una versión editada sirvió de base para el film de 1972, Design Q&A.

¿Cuál es su definición de diseño?
Un plan que dispone elementos de la mejor manera posible para alcanzar un fin específico.

¿Es el diseño una forma de arte?
El diseño es una expresión de propósitos. Puede, si es suficientemente bueno, llegar a ser considerado como arte posteriormente.

¿Es el diseño un oficio con fines industriales?
No, pero el diseño puede ser una solución para algunos procesos industriales.

¿Cuáles son las fronteras del diseño?
¿Cuáles son los límites de los problemas?

¿Es el diseño una disciplina preocupada sólo de una parte del medio ambiente?
No.

¿Es acaso un método de expresión?
No, es un método de acción.

¿Es el diseño una creación individual?
No, porque para ser realista uno siempre debe admi­tir la influencia de aquellos que estuvieron antes.

¿…0 es una creación colectiva?
A menudo.

¿Existe la ética del diseño?
El diseño siempre tiene restricciones y éstas, por regla general, presuponen una ética.

¿El diseño conlleva la idea de productos necesariamente útiles?
Si, aunque su utilidad puede ser muy sutil.

¿Es posible participar en la creación de trabajos reservados solamente para el placer?
¿Quién podría decir que el placer no es útil?

¿Debería la forma ser una consecuencia del análisis de la función?
El gran riesgo de esto es que el análisis puede no ser completo.

¿Puede el computador sustituir al diseñador?
Probablemente en algunos casos, pero normalmente el computador es una ayuda al diseñador.

¿El diseño implica fabricación industrial?
Algunos diseños sí como otros no, depende de la naturaleza del diseño y sus requerimientos.

¿Es el diseño un elemento de política industrial?
Ciertamente; como en cualquier otro aspecto de calidad, obvio o sutil, del producto. Pareciese que cualquier cosa puede ser un elemento en política.

¿Debería el diseño preocuparse de la baja de los costos?
Frecuentemente un producto se hace más útil si los costos son bajados sin dañar la calidad.

¿La creación de diseño admite limitaciones?
El diseño depende en gran medida de las limitaciones.

¿Qué limitaciones?
La suma de todas las limitaciones. Aquí hay una de las pocas claves efectivas del problema de diseño – la habilidad del diseñador de reconocer tantas limitaciones como sea posible, su deseo y entusiasmo por trabajar con estas limitaciones, las limitaciones de costo, tamaño, resistencia, equilibrio, superficie, tiempo, etc.; cada problema tiene su propia lista particular.

¿El diseño obedece leyes?
¿No son las limitaciones ya suficientes?

¿Existen tendencias y escuelas en el diseño?
Si, pero esto es más fragilidad humana que un ideal.

¿Debería el producto final llevar la marca del diseñador o de la oficina que lo diseñó?
En algunos casos, lo primero puede ser apropiado. En otros casos lo segundo. Y ciertamente en otros casos, ambos.

¿Cuál es la relación del diseño con el mundo de la moda?
Los objetos de moda son usualmente diseñados con particulares limitaciones de moda en mente.

¿Es el diseño efímero?
Algunas necesidades son efímeras. La mayoría de los diseños son efímeros.

¿Debería el diseño tender hacia lo efímero o hacia lo permanente?
Aquellas necesidades y diseños que tienen una calidad más universal tenderán hacia la permanencia.

¿A quien se dirige el diseño: a la gran mayoría, a los especialistas, a los aficionados o a una clase social privilegiada?
El diseño va dirigido a la necesidad.

¿Puede la acción pública ayudar al desarrollo del diseño?
La acción pública apropiada puede desarrollar la mayoría de las cosas.

Después de haber respondido todas estas preguntas, ¿siente Ud. que ha sido capaz de practicar la profesión “del diseño” bajo condiciones satisfactorias, o incluso condiciones óptimas?
Sí.

¿Se ha visto Ud. forzado a aceptar compromisos?
Nunca me he visto obligado a aceptar compromisos, pero encantado acepto limitaciones.

¿Cuál siente Ud. que es la primera condición para la práctica del diseño y su popularización?
Reconocer la necesidad.

¿Cuál es el futuro del diseño?
(No hay respuesta).

Otras reflexiones sobre que es diseño:
http://www.foroalfa.com/
–––––––––––––––––––––––––––
Fuente: Del Vecchio Design Management

http://fdvmgm.blogspot.com/2007/08/qu-es-diseo-entrevista-con-charles.html

Design in Chile What is design?: An interview with Charles Eames. ARQ (Santiago), dic. 2001, no.49, p.11-11. ISSN 0717-6996.

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Ricardo Rousselot sigue siendo tan coqueto que nos da esta foto para ilustrar esta entrevista. A sus 75 años conserva intacto su amor por las letras como si de un niño se tratara. Autor de infinidad de marcas (Farias, Smoking, Tarradellas, Borges, La Casera, Spanair, Ducados, Okey, Fortuna… ) es conocido por su enorme habilidad con la caligrafía. Verlo mover la mano con su pluma casera por encima de un papel es pura magia.

Sentarse a conversar con Ricardo es destapar la historia del diseño nacional y cientos de recuerdos de tantos años de experiencia. Lo recuerda todo y todo lo relaciona. Aprovechando nuestro último encuentro le lanzamos nuestro Fotomatón que contestó veloz y locuaz.

Nombre completo, fecha y lugar de nacimiento.
Ricardo Victor Rousselot Schmidt · 10/11/1936  · Chaco, Argentina

¿Qué diseños recuerdas en tu casa cuando eras niño?
Todas las letras que había, de metal, impresas, en envases, etc. especialmente las de bronce en las locomotoras (y los almanaques de tacos).

Si no te hubieras dedicado al diseño gráfico, ¿qué te gustaría haber hecho en tu vida?
Me gustaba ser actor de cine o cantante ¿y a quién no a esa edad?

Un consejo para quienes aspiren a vivir del diseño.
Que sean muy curiosos, sencillos y de buen talante. Ayuda mucho…

Diseño gráfico es…
Querer arreglar el mundo, que todo funcione, hacer las instrucciones de las cosas…

¿Cuál fue el primer trabajo que hiciste?
¿El primero que me pagaron?, a los 15 años, un mapa que salió publicado en el diario El Territorio de mi ciudad natal.

¿Y el último?
Ahora estoy con un texto manuscrito que imita el del siglo XIX para una lata de sardinas…

Selecciona tres trabajos esenciales en tu carrera.
El Ex Libris de mi madre, el logo de Farias y mi Cancilleresca.

Cita un diseñador con el que te gustaría trabajar.
Hermann Zapf.

Una empresa a la que le cambiarías la imagen.
Difícil me lo pones… Todas las oficiales, la Audiencia Nacional (tiene las “N” al revés).

¿Qué le dices a alguien cuando te dice que no le gusta lo que has hecho?
Trato de convencerle de que él no era el target; yo trabajo para el gran público.

La última tipografía que has redescubierto y que tenías olvidada.
¡Oh! Fuller Benton, Franklin, News Gothic y un millón más, pero si me preguntan digo la Garamond.

Un número del pantonero con el que te harías un traje.
574 U, es un verde oscuro que me realza…

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Elige y razona tu elección:

Neville Brody/David Carson
Neville, a quien supe imitar muy bien. Era la moda en esos años, me parecía que rompía con todo. (Yo soy de los que opinan que debe haber legibilidad).

Milton Glaser/Paul Rand
Milton toda la vida. Sabe tocar todos los palos, como todo diseñador Americano;  debido a la fuerte competencia, toca todas las teclas.

Freehand/Ilustrator
La verdad es que yo uso muy poco el ordenador. En mi estudio se usan todos los programas que se necesitan.

Quark/Indesign
Lo mismo que la pregunta anterior. Yo uso la mano y dado la escasez de esta herramienta, hay que fomentarla.

Garamond/Helvetica
Garamond, pero según mi estado de ánimo, Helvetica.

Estudio/Agencia
Estudio o atelier.

Papel/Digital
Yo diría que papel, pero como están las cosas de veloces, nunca se sabe.

Lápiz/Ordenador
Lápiz y pluma (de la ancha y de la fina).

Mac/PC
Mac en el estudio, PC en casa.

Un equipo de fútbol, un político, una ciudad para vivir.
El Viejo Chaco For Ever; lo del político me lo pensaré; la ciudad, Barcelona y Cadaqués .

Un homenaje a un diseñador que todavía no se le ha reconocido.
Michael Doret de Hollywood, California.

Una marca que detestas y que despierta alabanzas en el mundo del diseño.
RENFE (en este rubro hay mucho que hacer todavía).

La película que nunca te cansas de volver a ver. El libro que nunca te cansas de releer.
Cinema Paradiso, El amor en los tiempos del cólera.

Si estuviera en tus manos ¿qué cambiarías del mundo del diseño gráfico?
El elitismo, las vacas sagradas…

¿Qué se debería enseñar en las escuelas de diseño y no se enseña?
Caligrafía y Lettering (pero bien ¡eh!) (Darle más importancia).

¿Eres de los que opinan que tú lo hubieras hecho mejor?
Respeto el trabajo de los demás, yo y mis circunstancias.

Échale imaginación y proponle a los políticos algo para mejorar el mundo del diseño.
Que se gasten la guita y que señalicen bien Barcelona, ¡ya canta! (España también).

Tu foto a toda página en la portada de una revista: ¿qué revista y por qué razón?
En el Pronto, siempre digo que los diseñadores tendríamos que estar más en la vox populi y menos en lo exclusivo, ¡que nos conozca Doña María…!

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Spiekermann se inició en el diseño gráfico como impresor y hoy es uno de los tipógrafos imprescindibles de las últimas décadas. Entre sus tipografías destaca la Meta (considerada por algunos como «la Helvetica de los 90») y cuenta con clientes como Philips, Levi Strauss Co., AEG, la editorial Gruner + Jahr y el Museo Getty. Desde 1979 dirigió el estudio MetaDesing en Berlín. Ahora acaba de empezar una nueva aventura con Edenspiekermann con sedes en Berlín, Amsterdam y Stuttgart.

Nombre completo, fecha y lugar de nacimiento.
¿Es importante? Bien, Erik Spiekermann, nací el 30 de mayo de 1947, en Alemania. Tengo 64 años.

¿Qué diseños recuerdas en tu casa cuando eras niño?
El del papel de pared malo.

Si no te hubieras dedicado al diseño gráfico, ¿qué te gustaría haber hecho en tu vida?
Antes no me dedicaba al diseño. Probablemente fuera impresor, así es como empecé. Impresor y encargado de los tipos.

Un consejo para quienes aspiren a vivir del diseño.
El mismo consejo que doy a todo el mundo: aprended, aprended, aprended. Tres veces. Aprended todo.

Diseño gráfico es…
Comunicación visual.

¿Cuál fue el primer trabajo que hiciste?
No lo recuerdo, hace mucho de eso… trabajaba como impresor cuando era joven, así que probablemente fuera una tarjeta de visita o algún membrete corporativo para alguien, pero yo tenía solo quince años, así que hace mucho de eso.

¿Y el último?
Una presentación para Barcelona [risas]. ¡Es trabajo! ¡Me llevó un día entero!

¿Y el último trabajo de diseño?
Trabajo en tantas cosas a la vez que nunca hay un ‘último’. Llevo un estudio de cincuenta personas, así que cuido de que todos los proyectos salgan bien.

Cita a un diseñador con el que te gustaría trabajar.
Sí. Por ejemplo, en Barcelona me encantaría trabajar con Javier Mariscal. Porque sus cosas son muy diferentes a las mías, y me cae bien. Es divertido y le gusta beber y comer y a mí me gusta beber y comer, y está chalado… me encantaría trabajar con él. Hacer una película o algo así.

Una empresa a la que le cambiarías la imagen.
Hay una empresa cuya imagen cambiaría, la alemana Opel. Tienen una marca horrible. Sus coches son mucho mejores que su marca.

¿Qué le dices a alguien cuando te dice que no le gusta lo que has hecho?
Me da igual, no necesito su opinión. Lo hago porque me gusta, no porque le guste a otra persona.

La última tipografía que has redescubierto y que tenías olvidada.
Estoy volviendo a Akzidenz Grotesk. Empecé con ella cuando era muy pequeño y ahora estoy volviendo a usarla.

Un número del pantonero con el que te harías un traje.
Me gusta el Pantone Warm Red. Es del único que me acuerdo. Es bonito.

Elige y razona tu elección:

Neville Brody/David Carson
Neville, por supuesto. Es un buen amigo.

Milton Glaser/Paul Rand
Paul Rand, porque tiene un sistema parecido, unas conclusiones que se aproximan a las mías. Me encantan los dibujos de Milton Glaser, pero el trabajo de Rand es más parecido al mío.

Freehand/Ilustrator
Illustrator.

Quark/Indesign
Indesign.

Garamond/Helvetica
Garamond.

Estudio/Agencia
Estudio.

Papel/Digital
Papel.

Lápiz/Ordenador
Lápiz.

Mac/PC
Mac, por supuesto. Desde 1985.

Un equipo de fútbol, un político y una ciudad para vivir.
Mi equipo favorito es el de mi padre, el Borussia de Dortmund, actuales campeones de Alemania. Aún tengo la camiseta de cuando mi padre jugaba, amarilla y negra. De los años treinta. Él jugaba cuando tenía diecisiete años. El negro y el amarillo también son mis colores favoritos.

No hay políticos que me gusten. Lo siento.

Berlín.

Un homenaje a un diseñador olvidado.
Louis Oppenheimer, un diseñador alemán que murió en los años 30. De nombre judío, un excelente diseñador de carteles. Pero nadie lo conoce.

Una marca que detestas y que despierta alabanzas en el mundo del diseño.
Gucci. Es horrorosa. Sé que gusta mucho en España y en Italia, pero yo soy norteño, protestante. No me gusta el oro, sino la plata. A los protestantes les gusta la plata, a los católicos el oro. Gucci es demasiado rica para mí, demasiado barroca. Prada, por ejemplo, es plata. Protestante a pesar de ser Italiana. Gucci es católica.

La película que nunca te cansas de volver a ver. El libro que nunca te cansas de releer.
Me cuesta reconocerlo pero es 2001, una odisea en el espacio. La he visto más de cinco veces. Es muy buena, en parte por la música. En libros recurro mucho a los clásicos alemanes, mi autor favorito es Heinrich von Kleist. Este año hace doscientos años de su muerte, en 1811.

Si estuviera en tus manos, ¿qué cambiarías del mundo del diseño gráfico?
Que nos dieran más importancia a la hora de diseñar cosas públicas, papelería institucional, señaléticas, cosas que todo el mundo ve.

Si estuviera en tus manos ¿qué propondrías a los políticos que hicieran para cambiar las cosas?
Los buenos diseñadores deberíamos estar más comprometidos con el medio ambiente, porque podemos hacer cosas muy buenas. La mayoría de las cosas que vemos en la administración pública, los papeles que tienes que rellenar, son horribles, en algunos países es algo mejor, pero las señales públicas, los papeles y las comunicaciones del Gobierno, son realmente malos. A veces creo que quieren que seamos estúpidos y no entendamos los textos. Creo que nosotros deberíamos tener algo que hacer al respecto.

¿Qué se debería enseñar en las escuelas de diseño y no se enseña?
Yo distingo entre ‘prácticas’ y ‘educación’. En las agencias quieren que los diseñadores tengan prácticas, que vengan a la agencia y sepan Illustrator, Indesign, Dreamweaver, HTML y empiecen a trabajar. Yo quiero que tengan educación, que lean, que piensen, que aprendan idiomas, que viajen… pueden aprender Illustrator e Indesign en dos semanas. Pero en las escuelas deberían ser abiertos y no limitados.

Tu foto a toda página en la portada de una revista: ¿qué revista y por qué razón?
The Economist porque yo la diseñé hace diez años y nunca he salido en la portada.

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+Fotomatón

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Josep Patau es uno de esos diseñadores de la periferia (Les Borges Blanques) que demuestra que no es necesario estar en la gran ciudad para desarrollar grandes proyectos. Arqueólogo tipográfico, creador autodidacta y miembro de la logia secreta Lletraferits acaba de presentar su nueva página web (tipopepel.com) donde se puede ver su trabajo, desarrollado durante los últimos 15 años.

En tipopepel.com podemos disfrutar de fuentes que van desde la experimentación más inmediata hasta la recuperación histórica. Grandes trabajos que han supuesto que las creaciones de Pep aparezcan en algunas de las mejores distribuidoras de fuentes del mundo e incluso merecedoras de un Laus Oro por la tipografía Anduaga. También forma parte del colectivo Unos Tipos Duros (unostiposduros.com) la mejor web en castellano sobre tipografía del mundo.

¿Cuándo empezaste en el diseño tipográfico? ¿Fue por vocación, por intuición o de la mano de alguien? Fue una mezcla de casualidad y curiosidad la que me llevó a empezar con esto, fue en 1996 al hacernos con una licencia de la suite de Macromedia ‘FreeHand Graphics Studio 7′ en la que venía incluido el Fontographer, así que la curiosidad junto con el amor que ya les tenía a las tipos me llevó a trastear con el programa y crear la primera de las tipografías llamada Antaviana que partía de los trazados expandidos y modificados de la Officina Sans.

¿En la web está todo lo que has publicado? Esta prácticamente todo, solo he escondido alguna cosa que me da vergüenza mostrar.

¿Cuánto tiempo te lleva realizar una tipografía? No hay un término medio para crear una tipografia, hay muchos factores que pueden añadir o restarle complejidad a cada proyecto, por citar un ejemplo, la reciente Negrona salió tras un fin de semana de trabajo intenso y en el extremo contrario en el que estoy actualmente trabajando, una familia para texto que empecé hace unos 3 años.

Normalmente haces una labor de recuperación de fuentes antiguas. ¿Te apasiona más la recuperación que la nueva creación? Las dos cosas me apasionan. Sacar a relucir de nuevo digitalmente antiguas tipografías olvidadas e indagar sobre su historia siempre me ha interesado. Aun así, siempre resulta interesante crear tipografías nuevas desde cero, que encajen más con la estética y los usos modernos de la disciplina. Creo que llegar a un equilibrio entre las dos opciones es lo ideal para mí.

¿Cuál es el reto en el que andas metido ahora? Ahora ando metido en un par de proyectos. El primero se trata de una completa familia tipográfica para texto llamada Farrerons, de la qual me gustaría hacer las variantes de Serif, Slab y Sans, cada estilo va a disponer de 10 pesos distintos para intentar solucionar un amplio abanico de situaciones. La otra se trata de la digitalización de una caligrafía inglesa que aparece en un quadernillo editado en Madrid a finales del siglo XIX, por el calígrafo Vicente Valliciergo.

La pregunta del millón… ¿hacen falta tantas fuentes? Por supuesto que sí! Cuanta más oferta haya, más podremos elegir para crear nuestras paletas tipográficas que encajen con los trabajos que vayamos a afrontar. Pero estoy de acuerdo que de entre tanta producción, hay que saber elegir con criterio y ojo crítico cuáles son las mejores y más interesantes.

+info: tipopèpel.com
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