¿Cómo empezaste en el mundo del diseño?
Empecé a escribir para una joven revista cultural cuando tenía 15 años y descubrí muy rápido que me gustaba más diseñar que escribir para ella.

¿Con qué proyecto te diste cuenta de que podías vivir de esto?
Cuando era estudiante en Viena, conseguí trabajar para la que probablemente era entonces la mejor compañía de teatro vanguardia de la ciudad. Empecé a diseñar todos sus pósters y programas. Fue increíblemente emocionante el poder ver tus pósters colgados por toda la ciudad. Me encantó, y así empezó todo.

¿Cómo es tu relación con otras áreas de creatividad como el baile, el cine o la pintura, entre otras actividades artísticas?
Mi relación con la mayoría de estas disciplinas es de mero espectador. Veo mucha pintura, pero no pinto; voy a muchos conciertos, pero no hago nada de música; y nunca he mantenido ningún contacto con la danza, una de las pocas áreas que no conozco lo suficiente como para encontrarla atractiva. Desde que estoy involucrado en la grabación de documentales, mi concepto sobre las películas, incluso las malas, ha crecido increíblemente. Es difícil hacer incluso una obra mediocre.

¿Cuál es la persona a la más admiras?
Hay tantas: James Turrell, Ann Hamilton, Adolf Woelfli, David Byrne, Brian Eno…. y esos son sólo los primeros que se me han ocurrido.

¿Cuál es la persona que más te ha marcado en tu vida?
Tibor Kalman es la persona que más me ha influido en mi vida como diseñador y mi único héroe del diseño. Hace 25 años, cuando era estudiante en Nueva York, le llamé cada semana durante seis meses y llegué a conocer muy bien a la recepcionista de M&Co. Cuando al fin accedió a recibirme, resultó que tenía un boceto en mi portfolio que se parecía a un concepto y un trabajo en el que M&Co estaba justo trabajando. Corrió a enseñarme el prototipo muerto de miedo de que luego dijera que me lo había robado del portfolio. ¡Me sentí tan halagado!

Cinco años después de empezar a trabajar allí descubrí que era su talento como vendedor el que diferenciaba su estudio del resto. Había a su alrededor varias personas que eran tan inteligentes como Tibor (y también había muchos que eran mejores diseñadores), pero nadie podía vender esos conceptos sin cambios, conseguir transmitir esas ideas al público sin que prácticamente nada las alterase.

Nadie más era tan apasionado. Como jefe no tenía reparos en disgustar a sus clientes o empleados —recuerdo su reacción sobre un logo en el que había trabajado durante semanas y del que estaba muy orgulloso: «Stefan, esto es terrible, estoy tan decepcionado»—. No obstante, se podía ver su gran corazón. Tuvo las agallas de arriesgarlo todo, yo fui testigo de un proyecto de arquitectura en el que él y M&Co habían colaborado con un arquitecto famoso y habían pasado un año trabajando. Estaba deseando pasar de largo la cuestión de quién lo presentaría al cliente. Tibor tenía una forma peculiar de dar consejos, de compartir trozos de sabiduría, presentados en un lenguaje rudo, que luego fue conocido como el tiborismo: «Lo más difícil cuando se dirige una empresa de diseño es no crecer», me dijo cuando abrí mi propio pequeño estudio.

«No vayas a gastarte el dinero que te paguen o te vas a convertir en la puta de las agencias de publicidad el resto de tu vida» fue su frase de despedida cuando me mudé a Hong Kong para abrir un estudio de diseño para Leo Burnett. Esta perspicacia era también la razón por la que M&Co tenía tanta prensa, los periodistas podían llamarle y podía proveer toda la estructura para una historia y algunas citas fantásticas. Siempre estaba dispuesto y preparado para saltar de un área a otra, diseño corporativo, productos, urbanismo, vídeos de música, películas documentales, libros para niños, edición de revistas…. Todo estaba incluido bajo el mantra: «debes hacer todo dos veces: la primera vez no sabes lo que estás haciendo; la segunda vez lo haces; la tercera vez es aburrido». Hizo un buen trabajo consiguiendo buenas ideas para buenas personas.

¿Qué te inspira para crear tus diseños?
Una de las fuentes más frecuentes de inspiración es una habitación de hotel recién ocupada. Me resulta fácil trabajar en un lugar alejado del estudio, donde los pensamientos sobre la implementación de una idea no me vienen a la cabeza de forma inmediata, pero puedo soñar un poco más libremente.

¿Sigues algún proceso en concreto cuando empiezas un nuevo proyecto? ¿Puedes contarnos un poco cómo es?
El proceso que sigo más a menudo ha sido descrito por el filósofo maltés Edward DeBono, que sugiere empezar a pensar en una idea para un proyecto en particular eligiendo un objeto al azar como punto de partida. Por ejemplo, tengo que diseñar un bolígrafo, en lugar de mirar otros bolígrafos y pensar en cómo se usan los bolígrafos y cuál es mi público objetivo, etc. empiezo a pensar sobre usos del bolígrafo (aquí estoy yo mirando a mi alrededor en una habitación de hotel buscando un objeto al azar)… y veo, por ejemplo, la colcha de la cama. De acuerdo, las colchas de las camas de los hoteles son pegajosas, tienen bacterias… Ah, sería posible diseñar un bolígrafo que sea sensible a la temperatura, así que cambiaría de color con el tacto, sí, eso podría ser simpático: Un bolígrafo que sea entero negro y que se convierte en amarillo en los puntos en los que los hemos tocado con los dedos o las manos… No está mal, teniendo en cuenta que me ha llevado 30 segundos. Por supuesto, la razón por la que esto funciona es porque el método de DeBono obliga a nuestro cerebro a empezar de nuevo con un punto de vista totalmente diferente, evitando repetir las mismas ideas que ya existen.

¿Cuál es el proyecto más complejo/controvertido al que te has enfrentado?
Hace mucho tiempo, cuando diseñamos un póster para Call For Entries en Hong Kong, cogí los nombres de los organizadores de los Premios de Publicidad de Hong Kong de forma literal: Las cuatro «aes» (acrónimo de Association of Accredited Advertising Agencies – Asociación de Agencias de Publicidad Acreditadas) y enseñé desnudas las 4 «aes». Trillado, casi. Y sí, las cuatro «aes» desnudas crearon un buen escándalo en Asia. Fue debatido durante meses en el gremio de la prensa y salió en la portada del sur de China del Morning Post.

¿De qué proyecto estás más orgulloso?
Seguramente de toda la serie de Things I have learned (cosas que he aprendido). Esta serie de libros de tipografía surgió de una lista que encontré en mi diario bajo el título Las cosas que he aprendido en mi vida hasta ahora. Todas esas piezas fueron publicadas, hasta ahora han aparecido en vallas francesas y portuguesas, en un informe anual en Japón, en la televisión alemana, en revistas australianas, en folletos en Nueva York y en una campaña de pósters en América. Esta serie tiene influencia de mi abuelo (que fue educado en pinturas de signos y crecí con muchas obras de ciegos en la casa), de la artista Jenny Holzer, así como de los rústicos signos de madera disponibles en las tiendas de turismo en mi ciudad natal en Bregenz, Austria.

¿En qué estás trabajando ahora? ¿Puedes adelantarnos algunos detalles?
Empezamos una película documental sobre la felicidad llamada Happy Film. Es una mirada a todas las estrategias que los psicólogos serios recomiendan para mejorar el bienestar, incluyendo la meditación, terapia cognitiva y drogas psicológicas. Las probaré todas y explicaré los resultados. La película será muy visual y se estrenará en los cines otoño de 2013.

¿En qué proyectos te ves a ti mismo trabajando en 5-10 años?
Posiblemente en más películas documentales. También puedo verme a mí mismo viviendo una vida mucho más pequeña e independiente en 10 años.

¿Dónde está el límite entre la inspiración y el plagio?
Uno siempre siente la profunda diferencia en el estómago.

¿Qué representa la excelencia en el diseño?
Me llama mucho la atención quien puede tener un concepto original, formas excelentes, un gran oficio y luego tiene la capacidad de combinarlo todo en una verdadera belleza.

¿Hacia dónde crees que va el diseño actual?
Terrones de azúcar. Piel grasa. Huevos.

¿Cómo influye el soporte/medio a la hora de diseñar?
Influye mucho.

¿Cómo de importantes son los proyectos personales en la carrera de un diseñador?
Mucho. Hay una serie de libros de tipografía que surgió de una lista que encontré en mi diario bajo el título “Las coas que he aprendido en mi vida hasta ahora”. Todas esas piezas fueron publicadas, hasta ahora han aparecido en vallas francesas y portuguesas, en un informe anual en Japón, en la televisión alemana, en revistas australianas, en folletos en Nueva York y en una campaña de pósters en América. Es uno de los proyectos que siento más cercano, y todo empezó como un proyecto personal.

¿Qué recomendarías a la gente que se inicia en el mundo del diseño?
Cúrratelo todo lo que puedas. Es importante hacer tanto como te sea posible. Debes averiguar lo que realmente te gusta y ser bueno en ello.

¿Cuál es tu opinión sobre el diseño español?
Por desgracia no soy para nada un experto. Espero saber mucho más después de mi visita a Madrid.

¿Tienes algún diseñador español favorito?
He conocido en profundidad los trabajos de Martin Guixé, Javier Mariscal y Álex Trochut.

¿Por qué te tomas un año sabático cada siete años?
Cuando abrí el estudio, contemplé este trabajo como una vocación. Esta vocación disminuyó con el tiempo, cuando el trabajo se convirtió en una rutina. La portada del CD 22 resultó ser menos emocionante que la primera. Mis años sabáticos —libres del cliente cada 7 años— se han convertido en una forma de retomar mi vocación de nuevo.

¿Cómo seleccionas los proyectos piloto en los que vas a trabajar?
Cualquier cosa que parezca jugosa puede ser mi próximo proyecto.

¿En qué momento decidisteis montar Bendita Gloria?
De forma muy entusiasta (y absolutamente ingenua) poco después de acabar la universidad. Lo que descubrimos (y nos costó lo suyo) es que para vivir hay que sumar proyectos, una obviedad.

Desde que empezasteis, ¿quién os ha marcado más en este proyecto?
Pues la verdad es que nos ha influenciado mucha gente del mundo del objeto. Algunos de ellos, hoy buenos amigos, pertenecientes a la plataforma Surtido.

¿Qué os inspira para crear vuestros diseños?
No nos sentimos cómodos con la idea de ‘inspiración’. El diseño, a nuestro entender, necesita análisis y no grandes musas.

¿Seguís algún tipo de proceso cuando empezáis un proyecto nuevo? ¿Podéis contárnoslo a grandes rasgos?
Empezamos trabajando el enfoque conceptual del proyecto, esta fase no concluye hasta que somos capaces de verbalizar las ideas con las que vamos a trabajar. Las palabras resultantes mandarán al largo de todo el proceso, así que se las exponemos al cliente en una primera presentación. Si acepta, dividimos tareas según cada proyecto y empezamos con el diseño gráfico.

¿Cuál es el trabajo del que estáis más orgullosos?
Casa Mariol.

¿En qué estáis trabajando?
Sobre la mesa tenemos un par de proyectos de editorial, uno de packaging, uno de identidad y muchas aplicaciones de Casa Mariol.

¿Podéis adelantarnos algunos detalles?
Hace un tiempo decidimos no hablar de proyectos no acabados, de la misma forma que pedimos a nuestros clientes que no hablen del trabajo que estamos haciendo para ellos hasta su publicación.

¿En qué tipo de proyectos os veis trabajando dentro de 5 ó 10 años?
Ni idea, pero mejor evitamos las predicciones, no vayan a acabar como el cuento de la lechera.

¿Dónde está el límite entra la inspiración y el plagio?
El límite lo pone la moral de cada uno.

¿Qué marca la excelencia en un diseño?
Idealmente, sería una combinación entre adecuación, inteligibilidad y cierto efecto sorpresa.

¿Cómo influye el soporte/medio a la hora de diseñar?
El soporte también significa y, por tanto, en la medida de lo posible, debería ser escogido como consecuencia del concepto que rige el proyecto.

¿Qué importancia tienen los proyectos personales en la carrera de un diseñador?
Tienen un valor experimental, autorreferencial y cierto componente liberador que es innegable. De todos modos, el diseño nos parece más interesante (y efectivo) cuando es un ‘conducto’ para algo más.

¿Qué recomendaríais a los que empiezan en el mundo del diseño?
Que trabajen su ojo crítico, que se interesen por lo ajeno al mundo del diseño, que hablen sobre diseño con amigos diseñadores y aún más con los no-diseñadores, que no tengan prisa, que acepten que aún queda mucho por aprender, que se rodeen de buenos consejeros.

¿Pensáis que es una profesión agradecida? ¿La industria, los clientes y el público valoran el diseño?
Tenemos la impresión de que aún no hemos sabido transmitir bien al público qué significa ‘diseño’. La prueba es que a menudo se confunde ‘diseño’ con ‘ornamento’ y en consecuencia se entiende como una actividad prescindible.

¿Creéis que falta cultura del diseño?
Sí, pero tampoco sirve de nada la pataleta, tenemos la poca cultura de diseño que nos merecemos. Nos da la sensación que hasta que no nos pongamos serios como colectivo poco va a cambiar.

Ha habido muchas críticas hacia el logo de la candidatura olímpica de Madrid 2020. ¿Qué opinión os merece?
Es un despropósito absoluto que nos desprestigia a todos, no sólo a los directamente implicados. Por otra parte, nos alegra mucho no haber visto únicamente crítica-humorística-2.0 (diseños que se burlan del diseño en cuestión) y haber podido leer por ejemplo, un comunicado de rechazo firmado por distintas asociaciones de diseñadores.

¿Qué opináis del diseño español en general?
Vemos diseño español que nos gusta mucho y a la vez vemos una industria española de diseño aún muy precaria; mucha economía sumergida, mucho becario explotado…

¿Consideráis importante que haya una plataforma web de creativos como Domestika y eventos como el MAD?
Sí. Todo lo que fomente el debate y/o la introspección en torno a la profesión, nos interesa muchísimo.

¿Puede sobrevivir un creativo sin su comunidad?
Nos gustaría pensar que no. De hecho a los diseñadores nos falta ese punto ‘sindicato’ y ponernos de acuerdo en lo básico.

Suponemos que ya habíais oído hablar del MAD antes de tomar parte en él, ¿cómo afrontáis vuestra participación?
Con deportividad, los demás ponentes nos ganan por goleada [tras ver a Santi sobre el escenario y la claridad de ideas a la hora de explicar sus procesos de diseño, desde gràffica damos fe de que esto ¡no es así!].

¿En qué momento decidiste montar la agencia? ¿Con qué proyecto comprobaste que podías vivir de esto?
En el 2001 vine a vivir a Barcelona, al llegar a Barcelona trabajé en una agencia como director de arte y de ahí surgió la oportunidad de hacer mi propio estudio… Reuní un equipo y arrancamos. Cuando hice el estudio ya tenía años trabajando de diseñador, ningún proyecto específico lo marcó, había una clara convicción de que quería y podía vivir de esto.

En el estudio, ¿os inspiráis con otros campos de la creatividad para diseñar: danza, cine, pintura… mundo artístico en general?
Absolutamente, de no ser así todo sería muy cíclico, repetitivo y sin sentido de evolución. Creo que trasladar ideas de un medio a otro es un principio básico para experimentar nuevos medios y lenguajes expresivos.

Desde que habéis emprendido este proyecto, ¿qué persona os ha marcado más? ¿Tenéis un referente común?
Fueron muchas, desde el alma mater del diseño, la Bauhaus, a gente como Neville Brody, Designers Republic, Warp Records, Monthy Python, Kyle Cooper, Brockman, Fellini, Vasava, Milton Glaser, Dutch Design, Carson y miles más.

¿Qué os inspira para crear vuestros diseños?
En cualquier proceso creativo siempre hay una primera chispa que puede venir de un chiste, una peli, un color, o simplemente una imagen, y a partir de ahí, si se cree en eso todo lo demás viene solo, como una cascada de ideas y descubrimientos.

¿Seguís algún tipo de proceso cuando empezáis un proyecto nuevo?
Vamos a la forma con idea y la forma nos plantea nuevas ideas.

¿Cuál es el proyecto del que estáis más orgullosos?
Imposible decidir por uno, así que empiezo a nombrar: la imagen del canal 3Xl, los créditos del documental de Bruguera, el video clip Narwhal, Lullaby Crocodile, secuencia de créditos de Loquillo, One Minute Suite… y luego los demás.

¿En qué trabaja ahora No-Domain?
Ahora mismo un par de corto(micro)metrajes propios, mezclando rodaje tradicional con técnicas de error digital.

¿En qué proyectos os veis trabajando dentro de 5 ó 10 años?
Difícil saberlo, es una curva de aprendizaje constante por lo que me imagino que una evolución de lo que hacemos ahora.

¿Dónde está el límite entra la inspiración y el plagio?
Con tanta reciprocidad audiovisual que existe ahora, hay una delgada línea entre ambas. Puedes estar copiando sin quererlo, porque lo tienes todo metido en el disco duro y la retina, lo importante es el deseo que exista sobre lo que estas trabajando que sin duda beberá de cosas pero si lo haces con tu propio deseo te lo apropiaras y lo pondrás en tu terreno.

¿Qué marca la excelencia en un diseño?
La medida justa entre concepto y ejecución. La autenticidad.

¿Hacia dónde crees que va el diseño actual?
Es difícil decirlo, ahora con la atomización de la información las ideas y las tendencias se propongan tan rápido que cada vez mas todo es un eco, una especie de postmodernismo al cuadrado.

¿Cómo influye el soporte/medio a la hora de diseñar?
Cada medio genera una expresión propia, y el proceso creativo es acción y reacción. Por lo tanto, influye directamente.

¿Qué importancia tienen los proyectos personales en la carrera de un diseñador?
Un diseñador debe saber trabajar para clientes y encargos, solucionar y generar ideas para comunicar cosas. Por lo tanto, es importante tener proyectos personales para poder encontrar lenguajes expresivos propios. Tú mismo eres el cliente más importante.

¿Qué recomendarías a los que empiezan en el mundo del diseño?
Saber observar, aprender, decidir y no perder la capacidad de asombro jamás.

¿Crees que falta cultura del diseño?
Por el contrario, hay sobresaturación.

Sobre España, ha habido muchas críticas hacia el logo de la candidatura olímpica de Madrid 2020. ¿Qué opinión te merece?
No tengo mucha opinión al respecto, lo siento.

¿Qué opinas del diseño español en general?
Hay muy buenos diseñadores y estudios en España sin duda alguna. Y también hay mucha copia, pero eso creo que es mundial.

¿Consideras importante que haya una plataforma web de creativos como Domestika y el MAD?
Sí, un evento como el MAD me hace revisar mi trabajo y mis procesos para luego contrastarlos y compartirlos con un público en directo. Eso para mí es importantísimo.

¿Cómo afronta No-Domain su participación en el MAD?
Quisiera dar una visión más profunda del trabajo de No-Domain, conectar cosas que están escondidas en los procesos creativos y que están más allá de los behind the scenes, que se puede ver online. Como uno piensa y siente.

Cómo describirías tu trabajo en 5 palabras.
Muchas horas delante del ordenador.

¿Cuándo empezaste en el mundo del diseño?
He estado relacionado con el arte desde que era pequeño. Tres o cuatro años antes de la universidad recibí varias clases de técnicas de pintura y dibujo, así como de fotografía y escultura. Cuando me tocó elegir una asignatura en la universidad descubrí más sobre el diseño gráfico. Me apunté y conseguí mi primer trabajo inmediatamente, en el primer año de universitario. Desde entonces, sigo cambiando de intereses en el campo del diseño y también cambiando de trabajo y de ciudad. Así es básicamente cómo ocurrió todo.

¿Con qué proyecto te diste cuenta de que podrías vivir de esto?
Fue cuando lancé mi primera página web y obtuve muy buen feedback. No fue que me diese cuenta de que podría trabajar en el diseño, pero sí fue el momento en el que me di cuenta de que había cierta libertad para crear arte dentro del diseño gráfico, con las mismas herramientas y técnicas.

¿Cuál es tu relación con otras áreas de creatividad? (danza, cine, puntura… con el mundo artístico en general)
Cuando era más joven (14-18 años) solía estar constantemente dibujando y pintando. En esos años hice varios cursos de esa temática, así como de fotografía. Mi objetivo era ser un artista, pero tardé poco en darme cuenta de que conseguir vivir de ello iba a ser un camino duro. El diseño gráfico en las universidades era algo muy novedoso en Brasil. La gente estudiaba algo más amplio como comunicación y después se especializaban en el terreno visual. Cuando salió el primer curso, me abrió los ojos ¡y me apunté!

¿Quién es la persona a la que más admiras?
Esa es una pregunta muy difícil. Tengo muchos intereses, y cambian con el paso del tiempo. Alguien que fue muy influyente para mí en el pasado puede que ya no lo sea hoy en día, así que no creo que pueda responder a esa pregunta. Sinceramente, nunca he estado muy interesado en la vida personal de los artistas. He intentado concentrarme sólo en su trabajo.

¿Quién te ha marcado más en la vida?
Normalmente habría dicho que mi mujer, porque ha sido un gran apoyo en toda mi carrera. Este año celebramos nuestro décimo aniversario. Sin embargo, tenemos una hija de tres años y ella es quien me ha causado el mayor impacto en mi vida y en la de mi mujer. Es indudable que tener un hijo te cambia la vida y, en cierto modo, también ha vuelto a encender el amor que tenía por mis proyectos artísticos.

¿Qué te inspira a la hora de crear tus diseños?
Literalmente ‘todo’. Puedo tener una idea simplemente hablando con un amigo, visitando la casa de alguien, viajando, cocinando, paseando por el bosque, etc.

¿Sigues algún proceso en concreto cuando empiezas un nuevo proyecto? ¿Puedes contárnoslo?
En realidad, no. Si tengo tiempo, tiendo a trabajar de forma bastante caótica. Para empezar, me resulta muy difícil concentrarme en una sola cosa. Me gusta llevar a cabo varias ideas o proyectos a la vez, y conforme se acerca la fecha límite de entrega y comienzo con los detalles, empiezo a centrarme más en cada uno de ellos y los termino. Pero incluso remontándome a cuando sólo pintaba y dibujaba, siempre he trabajado entre tres y diez proyectos a la vez.

¿En qué estás trabajando ahora? ¿Puedes adelantarnos algunos detalles?
Actualmente estoy trabajando en muchos proyectos pequeños. Con el que estoy más emocionado es con una animación de dos o tres minutos en la que cada uno de los 700-900 fotogramas que lo componen se graban con láser en bloques de madera y después se fotografían para crear una secuencia de imágenes. El proyecto se ha patrocinado con donaciones individuales a través de Kickstarter.com, lo que me ha permitido conseguir mi propio grabador láser para seguir creando otros proyectos artísticos con grabados o cortes de láser. El corto se estrenará a principios de julio.

¿En qué proyecto te ves trabajando dentro de 5 o 10 años?
Me encantaría crear un corto más largo. El proyecto más largo en el que he trabajado era de 6 minutos. Pero me gustaría trabajar en algo de unos 20-30 minutos en que poder desarrollar la historia más en profundidad. También tengo algunos libros en mente que quiero escribir y tengo un montón de planes para el futuro más inmediato. ¿Dentro de diez años? Eso es más difícil de saber, pero estaré muy feliz si puedo seguir haciendo lo que hago ahora.

¿Cuál es el límite entre la inspiración y el plagio?
Creo que es una línea muy fina, pero una vez más la interpretación de ese tema es personal. Soy bastante indulgente en ese asunto, ya que no me molesta demasiado. Cuando se convierte en un problema es cuando el trabajo final se usa para crear algo nuevo. Pero el hecho de sentirte influenciado por algo es algo que depende mucho de la interpretación.

¿Qué marca la excelencia de un diseño?
Depende. Si hablamos de muebles, es muy importante que sea ergonómico. Pero que sea ergonómico no lo hace para nada bonito, así que el truco es conseguir que sea ambas cosas. El diseño gráfico por su parte tiene muchos subcampos y cada uno de ellos tiene sus necesidades específicas. La animación necesita mucho más diseño, pero el diseño también se beneficia de un ritmo extraordinario y de las técnicas de animación, así como del audio. Es un paquete completo.

Todo tipo de diseño impreso necesita ser impreso muy bien o se puede arruinar el diseño. Así que dependiendo del tipo de diseño del que estemos hablando, hay diferentes parámetros que pueden encumbrarlo o cargárselo.

¿Cómo de importantes son los proyectos personales en la carrera de un diseñador?
Mis proyectos personales han sido siempre increíblemente importantes para mí en cada etapa de mi carrera y afortunadamente los empleados me han apoyado mucho siempre. De hecho, la compañía con la que trabajo actualmente, Superfad, ha sido muy generosa apoyando mi trabajo personal, lo que también les beneficia a ellos en cierto punto, ya que esos proyectos suelen recibir mucha más atención de la prensa que otros proyectos de grandes marcas.

Muchos de mis amigos no tienen interés en realizar proyectos personales o simplemente no pueden realizarlos. Así que sé que esto no funciona así para todos. Afortunadamente, no puedo aguantarme mucho, así que siempre tengo algún proyecto entre manos.

¿Qué les recomiendas a aquellos que comienzan en el mundo del diseño?
Los proyectos personales son un buen enfoque para conseguir atención. La mayoría de los diseñadores que empiezan se sienten atrapados en una espiral en la que no les contratan porque no tienen suficiente experiencia, por lo que no pueden conseguir la experiencia de ninguna manera. Una solución es trabajar en lo que más te gusta y a veces eso requiere tener dinero. Una manera de conseguirlo son las webs como Kickstarter.com en las que la gente puede hacer donaciones individuales para ayudarte a conseguir tus objetivos.

¿Trabajar para marcas como Nintendo, Warner o Cartoon Network tan divertido como parece?
Me he divertido mucho trabajando para esas marcas, pero no creo que trabajar con marcas tan grandes sea particularmente más emocionante que hacerlo para las pequeñas. Algunos de mis proyectos preferidos nacieron por iniciativa propia o para pequeñas empresas. Dicho esto, trabajar para una empresa grande te ayuda a abrir el tu ángulo de visión para el trabajo final y eso es algo que no se puede reemplazar.

Habiendo trabajado para Apple y conociendo la marca desde el interior, ¿qué parte del éxito crees que la empresa le debe al diseño?
Mi experiencia en Apple fue muy corta. Sólo trabajé allí 3 meses como asesor. Pero fue una experiencia muy interesante, ya que el ver un poco de la compañía desde dentro fue una oportunidad excepcional. Respondiendo a tu pregunta, la verdad es que el éxito de Apple se debe en gran parte a la publicidad tan inteligente que hace y al diseño único que tiene la marca. Pero sin magníficos productos, sin la innovación tecnológica y sin lo demás, no sería el sorprendente éxito que es hoy en día. En mi corta experiencia allí me reafirmó en la impresión que ya tenía de que la compañía pone mucho énfasis en que el diseño sea pulido, fino y perfeccionado al máximo.

Los títulos de crédito son la parte más esperada del MADinSpain, ¿cómo los has perfilado?
Trabajar en ellos ha sido muy emocionante. Los títulos se han rodado en vivo y rodado en exteriores. Desde que vivo en Portland (Oregón), donde llueve constantemente durante el invierno, no he podido hacer tanto como me habría gustado. Así que he tenido que usar algunos trucos de última hora para conseguir terminarlos a tiempo.

Cuando te preguntan a qué te dedicas, ¿qué dices exactamente? ¿Alguna vez te refieres a naming?
No me agrada la sempiterna dependencia ‘anglosajona’ y más cuando, como en este caso, existe una palabra nuestra y la inglesa no supone ningún ahorro lingüístico. Decir me dedico «al naming» o «a nombrar» son en ambos casos ocho letras. Me gusta, por otra parte, recordar que cuando empecé con todo esto en España no existía el naming, ni mucho menos el namer como ahora se empieza a decir. Lo siento, pero soy ’nombrador’. Y me siento más cómodo así. Más mío al menos.

Háblanos del El nombre de las cosas… ¿Cómo nace la idea de escribir este libro?
Eran tantas las preguntas al respecto, tanta la sorpresa que causaba en mucha gente el hecho de que viviera y comiera de este oficio desde hace años…; tanta curiosidad, por otra parte, acerca de las maneras, modos, fases y herramientas para llevarlo a cabo, que cuando los responsables de Mondadori me ofrecieron publicar mis memorias profesionales no dudé y me encerré nueve meses –todo un parto- a concebir el libro. Ha sido duro, pero he disfrutado escribiéndolo y, lo que es más importante, su publicación me está dando muchas alegrías. Ten en cuenta que hablamos de un trabajo que, por supuesto, me da de comer, pero es a la vez mi vocación, o sea, un quehacer elegido, un trabajo construido a la medida de mi voluntad, mi ilusión, mis conocimientos. Mis incurables querencias.

Coméntanos de tu proceso creativo…
Parto, como en todos los trabajos de imagen gráfica, publicidad o marketing, de un briefing entregado por el cliente, o mejor dicho, yéndome aún un poco más atrás, de la expectación e ilusión inicial cuando suena el timbre del estudio y alguien de pronto te cuenta, desde un mundo o sector profesional inesperado -cada caso es un mundo por descubrir- su inquietud, sus objetivos, su proyecto. Y a partir de ahí el reto de acertar y las ganas de ponerse de inmediato manos a la obra del nombrar, como si fuera siempre la primera vez… De hecho, nombrar es trabajar sobre una página en blanco, sobre algo que no existe todavía porque no tiene nombre…

Y en ese sentido, hay quien dice que los nombradores somos como pequeños dioses, capaces de dar vida a las cosas. Pero yo digo que no, es más sencillo. Somos en todo caso como comadronas que ayudamos a sacar al mundo al niño, que en este caso es el nombre, pero los padres de la criatura son los padres del proyecto, siempre es así…

¿Cuál es tu punto de partida a la hora de concebir un nombre?
Conocer lo nombrado. Esa es la clave más importante. Te podría hablar y responder con otras palabras más académicas o de manual de marketing, pero en realidad la ‘identidad verbal’ comienza por una ‘identificación’ completa con aquello que hay que nombrar. Hay que mancharse los dedos en la tierra de esas viñas de donde saldrá el vino al que vas a nombrar, o dormir al raso en las obras al costado del mar de ese nuevo museo insular al que darás nombre, o leer de nuevo a Homero para recordar a los primeros viajeros antes de ponerte siquiera a crear el nombre de esa nueva cadena de hoteles. Hay que volver siempre al principio, al origen, a la raíz de las cosas. Porque es además donde más aprendes, donde más te da este oficio, y también, y esto es experiencia, porque me he dado cuenta con el paso de los años que el nombre está siempre dentro de lo que hay que nombrar, que está ahí aguardando a que lo descubramos, a que tiremos de él hacia fuera, a que lo saquemos a la luz, eso es todo…

¿Trabajas solo o compartes estos proyectos con un equipo de trabajo?
Por supuesto que trabajo en equipo, pero solo. No creo en los comités, ni en las asociaciones teóricamente profesionales que más que sumar, distraen. Creo mucho más en la concentración de alguien concreto con una visión plural en un proyecto concreto, y, eso sí, en el diálogo que luego se establece entre esta primera etapa solitaria y profundamente especializada y el resto del mundo y profesionales aportando, implementando, sugiriendo, podando, abonando, corrigiendo. Pero la semilla de cada oficio siempre la planta un solo labrador, no hay otra manera de poner el proyecto en pie y presenciar sus primeros pasos.

Otra cosa distinta es lo que ocurre luego, y hablo de mi colaboración mano a mano, hasta donde el gráfico quiera, con el diseñador que conseguirá la magia de dar textura, consistencia tipográfica, posicionamiento de color y alas, en el doble sentido poético y ‘marketiniano’ de la palabra, a ese nombre. En este sentido, ten en cuenta que la mitad de mi trabajo me llega de clientes directos, y la otra mitad de estudios de diseño gráfico que sugieren a sus clientes que sea El nombre de las cosas quien cree el nombre del proyecto

Aunque hablando de otra cocina profesional aún más personal, más estudio adentro, la verdad es que no podría hacer nada sin estar cubierto detrás por la que es mi gran colaboradora, Yolanda Martín, que sostiene el día a día del estudio mientras yo me pierdo mundo adelante en busca de ese nombre que aguarda en cualquier parte, para cualquier proyecto…

¿Cuánto hay de inspiración y cuánto de estrategia? ¿Cuánto de poesía y cuánto de marketing?
Se trata de buscar el equilibrio perfecto entre la Poética de las palabras y la Ingeniería de las palabras. Esa es la clave del nombrar. Como la base del nombrador está hecha a partes iguales de inspiración y estrategia. De nube y ras de suelo… De ave y raíz… De la cumbre de la montaña para ti solo al lineal del supermercado donde todos compramos cada semana.

¿Qué requisitos debe tener un buen nombre de marca?
Se dice, se dijo siempre que ha de ser breve, eufónico, sugerente, fácil de memorizar, viable para todos los territorios donde vaya a estar presente…, pero al final cada caso es un mundo, y a veces romper los cánones conduce a resultados sorprendentes. A nosotros nos acaba de pasar con Rastreator, un nombre duro y rudo, difícil, peleón, que sin embargo está perfectamente adaptado a los objetivos que persigue y el resultado ha sido espectacular.

Algo que no se debe hacer…
Buscar un nombre que enamore cuando lo que tiene que hacer es vender. Por poner un ejemplo, OpenCor tiene que ser OpenCor, aunque yo alardearía más ante los colegas de haber creado otro nombre más poético, claro…

Otra cosa que no se debe hacer es dudar de un nombre. Ten todas las dudas del mundo antes de ponerlo, pero una vez elegido, transmítelo sin dudas, con orgullo, con fe, con convencimiento. Es como si a mí me preguntaran cómo me llamo y respondiera: Bueno, me pusieron, me llamo, verás, soy… No, me llamo Fernando para bien o para mal, para bien, claro…

Tampoco debe elegir el nombre demasiada gente. El equipo encargado de hacerlo ha de ser limitado, pequeño. Si consultas con muchos no llegarás jamás a una buena conclusión. Siempre encontrarás el típico moscardón aburrido que te dirá una ‘gracieta’ que te hará dudar… ¡Cuántos buenos nombres se perdieron por un tonto que entró de pronto en la reunión donde ya se había tomado una buena decisión!

Cuando estás trabajando, ¿existe ese momento en el que dices «voilà, ¡ya lo tengo!»?
Todas las cosas tienen un nombre natural, lo que hay es que encontrarlo, decía Platón, y es algo muy cierto. Pero no siempre alcanzas ese nombre natural de las cosas. Ahora bien, cuando eso ocurre es una fiesta, y una clarividencia, porque es uno de esos momentos en los que ya no tienes duda alguna; cuando parece que algo nació para nombrar algo, o viceversa…. En fin, ser un pequeño Arquímedes gritando «Eureka» de cuando en cuando es una de las mayores satisfacciones del nombrador.

Antes de presentar el nombre a un cliente, hay quienes prefieren testarlo previamente aunque sea entre colegas, la suegra o el camarero del bar donde te tomas el café… ¿En tu caso es así?
Sí, pero poquito, ya lo dije antes. Unos pocos y elegidos. Nunca una consulta masiva. Salvo en el caso de que haya duda entre dos o tres nombres finalistas, en ese caso realizar un cuantitativo, aunque sea básico, puede ayudarnos a decidir. Porque además somos pura estadística, y lo que empieza a pasar entre los primeros encuestados se mantiene luego, aunque amplíes la investigación a miles de ellos. Recuerdo que con Amena hicimos desde el estudio uno de estos test entre setenta personas, que acabó coincidiendo con el que el cliente hizo luego con más de diez mil entrevistas.

¿Cuántos nombres sueles presentar al cliente: uno solo porque estás convencido y lo defiendes a muerte, o bien siempre te guardas algún as en la manga por si no le gusta y así presentarle varias alternativas?
El as en la manga forma parte siempre del poker o repoker de propuestas que solemos presentar. Lo que no hacemos nunca es dar una lista inmensa y poco trabajada. Siempre una lista muy finalista –una short list llaman ahora tontamente los namers-  entre la que elegir, cada una poniendo el énfasis en un valor o atributo distinto de los que se quieren comunicar.

Cuando estás convencido de que el nombre que has elegido es el mejor, porque se adapta a la estrategia a la perfección, está completamente justificado, es evocador, eufónico… y el cliente te dice «no, ese nombre no me gusta; no lo veo para el producto», ¿qué haces?
Tratar de hacerle ver su error, que para eso entre otras cosas me pagan, pero si persiste en él, hacerle caso. Y no porque el cliente siempre tenga razón, que no la tiene siempre, sino porque es mejor que elija un nombre que le guste y que, por tanto, transmita con fuerza a un nombre que lance al mundo sin convencimiento, a medio gas…. Eso nunca.

Hablemos de dinero o de guita, ¿hasta qué punto se puede vivir de esto de poner nombre a las cosas? Por ejemplo, ¿cuánto se cobra por un nombre como Open Cor, Invoca, Unno o Amena?
Entre el ‘gratis total’ y el por amor al arte de más de la mitad que hemos hecho para ayudar a causas que lo merecían, y los diez, quince mil euros, hay un enorme abanico. Pero digamos que la media puede estar en alrededor de los tres, cuatro, cinco mil euros… aunque reconozco que en este aspecto desde El nombre de las Cosas somos unos grandes afortunados. El ‘pedigree’ nos da alas, sea dicho sin soberbia ninguna….

¿Cuántos nombres has creado a lo largo de tu vida?
Más de 500, sin contar declinaciones y submarcas que doblarían el número…

Venga, dinos, ¿cuál es tu truco para descubrir los nombres «ocultos» de las cosas?
Saber que existen y no conformarte ni rendirte hasta encontrar el nombre que ha nacido para lo que nombra, o el proyecto, la idea, la empresa o el producto que ha nacido para ese nombre. Es como dos que se encuentran. Al fin y al cabo las historias de amor siempre fueron así. Y la historia de El nombre de las Cosas es una historia de amor.

Este cierre, ¿es un hasta luego o es definitivo?
El cierre es definitivo, sí, no saldrá ningún número más después de este que acabamos de lanzar, el 17. Si me preguntas si, en una coyuntura más favorable, sería posible retomar el proyecto, te diré que sí, pero no parece ser la situación que asoma en el horizonte más inmediato.

La causa imaginamos que será el tema de financiación… (si estamos equivocados corrígenos).
Los motivos, efectivamente, son económicos. Como sabéis, la edición española de étapes se publica desde la Editorial Gustavo Gili, que, en la coyuntura actual, considera económicamente inviable la continuidad del proyecto.

ÉTAPES EN GG

¿Cuántas personas hacíais posible étapes?
La revista ha compartido siempre estructura con la editorial, no cuenta con una redacción ajena a esta. La edición, producción, comunicación y difusión de étapes la hemos llevado adelante las mismas personas que hacemos los libros de la Editorial Gustavo Gili. La editora he sido yo, que cumplo también la función de editora de los libros de diseño de la editorial. El diseñador es Toni Cabrè, diseñador de la editorial; la producción ha estado en manos de Andreas Schweiger, que es el jefe de producción de GG; la gestión de la comunicación y de las redes sociales la han llevado Borja Duñò, anteriormente, y, ahora, Cecilia Bayo, que también se ocupan de la comunicación de GG; las relaciones con la prensa Laia Beltràn, responsable de prensa de la editorial…, etc.

Los autores de los artículos han sido siempre colaboradores externos, expertos en algún tema que nos interesara tratar. Compatibilizar el ritmo de una redacción (que es por definición una locura) con el de una editorial (que es algo más reposado, no mucho, pero algo) ha sido difícil y quizás nos ha restado agilidad como revista y también capacidad de acción e interacción.

¿Qué va a suceder con los suscriptores de la revista?
A los suscriptores se les han ofrecido tres opciones. Pueden derivar su suscripción a la edición internacional de la revista y continuar como hasta ahora pero recibiendo la publicación en inglés, esta es la opción que se les ofrece por defecto. Si no les satisface, podrán recibir el equivalente a los números que les corresponderían hasta el fin de la suscripción, en números antiguos de étapes (menos el nº 1, que está agotado) o también pueden pedir que se les reembolse el dinero de la suscripción.

La pregunta que nos viene a la cabeza es por qué este tipo de publicaciones que, por ejemplo, en Francia sí funcionan, en España no llegan a despegar. ¿Qué sucede en nuestro país?
Las publicaciones sobre diseño, las revistas en este caso, pero los libros también, están atravesando una muy mala época más o menos en todas partes. En Francia, en general, la crisis la han notado con menos fuerza y más tarde. También en Alemania gozan de bastante mejor salud. Pero en el ámbito anglosajón, por ejemplo, parecen estar afrontando los mismos problemas que nosotros.

Quizás tanto Francia como Alemania, por ejemplo, cuentan con más tradición por lo que respecta a la producción de contenidos reflexivos sobre el diseño gráfico y la cultura visual. En España, a pesar de los esfuerzos de un montón de profesionales de la docencia y la edición, el campo más o menos difuso de la ‘crítica del diseño’ no es particularmente lo que está más de moda. Invitar a la gente a que compre una revista sobre ello no es exactamente como invitarla a una rave.

En América Latina algo más, y por ejemplo, la revista ha tenido muy, muy buena respuesta en Argentina y en México, pero comercializar allí un producto europeo tiene sus dificultades particulares también.

Pero, lo dicho, creo que es una situación general. Hay un artículo bastante interesante de Rick Poynor en Design observer sobre el tema que escribió cuando cerró la revista Grafik (o volvió a cerrar, mejor dicho, después de reabrir en 2010) el diciembre pasado. Seguro que os interesa leerlo, ya al margen del étapes-topic.

¿Cómo ves el futuro editorial?
Mi perspectiva sobre el futuro del mundo editorial y en el campo del diseño gráfico en general me daría para una entrevista el doble de larga. Aunque sea hacer un poco de abogado del diablo -y aunque los editores estemos viviendo muchas dificultades- creo que hay algo muy sano en todas las transformaciones que estamos viviendo. Durante los 90, el mundo editorial se estaba comportando en gran medida como una industria fabril con una racionalidad mercantil monstruosa. Creo que esto puede extenderse al mundo de la cultura en general (la música, el cine, las expos…). Durante mucho tiempo se ha tratado de ajustarse al ritmo de la demanda del ‘mercado’ (me refiero al ente ‘mercado’, no a los lectores; al batiburrillo ese de intereses económicos variopintos; de hecho, los lectores se veían también obligados a ajustarse al ritmo marcado por el ‘mercado’), de producir para las mesas de novedades, mucho y rápido. Ahora ese comportamiento ha cambiando por muchas causas. Está la crisis, claro, y están los cambios tecnológicos y los nuevos soportes y los nuevos canales y etc. Hay mucha información disponible y los lectores han (hemos) ganado en decisión y capacidad de elección. Por un lado los editores hemos sobresaturado el mercado y, por otro, mucho de lo que ofrecemos está disponible en formas similares en otros canales.

Yo creo que eso está bien, porque hay cosas que no merece la pena que estén en soporte impreso si se pueden explicar, mostrar y difundir perfectamente por otros medios menos costosos para todos. Y creo que lo que ahora toca en el sector de las publicaciones impresas es elevar los estándares de calidad sin elevar precios, y eso sin duda significa producir menos. Por eso se está produciendo este doble movimiento que hoy vemos: las editoriales grandes se ven con problemas para adaptar sus modelos de negocio a la nueva realidad y a la vez surgen un montón de pequeños proyectos editoriales nuevos (en estos ámbitos, están, por ejemplo Blackie Books y Alpha Decay y Jekyll and Jill en narrativa y ensayo; Siete de un golpe trabajando en edición de arte; Tipo e abriendo con mucho esfuerzo y valentía el ámbito de las publicaciones sobre tipografía; la recién creada Formato Ediciones en Argentina, en el ámbito de la comunicación visual…) que no arrastran tanto peso estructural y que ya funcionan desde esa racionalidad, desde la necesidad de producir cosas con el máximo cuidado y exigencia posible (luego allá cada uno con sus niveles de exigencia).

¿Y a partir de ahí?
Creo que la responsabilidad de cómo de bien parado salga de esta encrucijada el panorama editorial, o cultural en general, no cae solo del lado de los editores o productores, sino que es una cuestión política, lo que sencillamente quiere decir que es cosa de todos. También nos toca a los lectores/público decidir cuánto valor le vamos a dar a la labor de filtro, o garantía de lo que sea (de calidad, de sintonía con nuestros intereses…) que con mayor o menor éxito intentan, intentamos, desarrollar los editores, comisarios, promotores, etc. Y, por supuesto, también toca a los poderes públicos decidir si van a jugar a favor o en contra de la buena salud de la vida cultural del país, facilitando el acceso general a la cultura y favoreciendo las ayudas a la difusión, producción y demás, o metiendo la tijera, legislando restrictivamente y poniendo trabas. Y nos toca a todos apretar para que no les quede más remedio que jugar en nuestro equipo y no en el contrario.

Y más en concreto, dentro de campo del diseño y la cultura visual, ¿hacia adónde habría que mirar?
En el campo de las publicaciones sobre cultura visual, y a pesar del jarro de agua fría que ha sido para todos el cierre de étapes, yo personalmente creo que hay que seguir apostando por la reflexión y la crítica. Y porque los materiales que se producen desde el campo más estricto del diseño encuentren un lugar común con lo que se produce desde los estudios sociológicos e históricos. El de la cultura visual es un ámbito demasiado poderoso, nos va a todos, como ciudadanos, demasiado en ello, como para que el 90% de la población siga viviendo en el analfabetismo visual. Hay que aprender a leer y descifrar todos los niveles de significado que tienen los mensajes visuales. Y los diseñadores tienen que tomar conciencia en cada momento del arma cultural tan poderosa con la que trabajan.

La primera pregunta es obligada, ¿cómo ha ido esta edición de Animac?
Ha sido una edición emocionante. La situación planteaba dificultades: mucho menos presupuesto, un equipo totalmente renovado… una nueva dirección. Carolina López ha sabido respetar los logros de ediciones anteriores y encajar algunas piezas nuevas que hacen del Animac’12 un encuentro más abierto, más participativo y con mayor proyección. Creo que el equipo se merece un reconocimiento especial. No sólo ha estado a la altura de las circunstancias, además ha sabido mejorar muchas cosas.

Con respecto al programa y la selección de invitados, ¿qué opinión te merece?
Los invitados, Suzie Templeton, Sarah Cox, Victoria Bermejo, 9ojos, Physalia, Dvein, Mario Torecillas, Joaquín Reyes, Juanjo Sáez, Vicent Arlandis, Hernán Migoya, Mariscal, Gallardo, Arnal Ballester, Flavio Morais, Jerzy Kular, Manuel Cristóbal, Michal Rose, Christian Janicot, Sam, Pablo Llorens, componen una selección interesante, amplia, variopinta y generosa. Recoge brillantes realizadores independientes, ilustradores consagrados que flirtean con la animación, dibujantes de cómic que crean series de animación, humoristas mediáticos con un lenguaje personal y rompedor, colectivos de moda que utilizan técnicas epatantes en anuncios y créditos de películas, directores de escuelas de élite, productores de largometrajes de éxito y animadores que ponen su talento en experiencias de interés social con la infancia.

La animación tiene muchas caras y aquí había una buena selección. Además han podido hablar de lo que hacen y por qué lo hacen y eso siempre es interesante y motivador para todos los que amamos la animación. También he disfrutado mucho de las sesiones infantiles. Estaban programadas con cariño y presentadas con encanto por Victoria Bermejo que hablaba de tú a tú a un auditorio sincero e inteligente.

¿El festival tiene algún hilo conductor?
Es una antigua ambición ser un lugar de encuentro entre productoras y creadores. El festival tiene el propósito de acercar al público las obras del cine independiente. Divulgar una animación que se mueve por intereses artísticos y no comerciales, pero al mismo tiempo, el deseo de encontrar puentes con la industria.

¿Por qué Lleida y no otra ciudad que pueda atraer más público, como por ejemplo Barcelona, para una certamen internacional de cine de animación?
Los festivales son para las ciudades medianas. Angouleme-cómic; Annecy-animación; Clermond-Ferrant-cortometrages. Avignon-teatro. Cannes, San Sebastián, Venecia-Cine.

Las grandes ciudades son hiperactivas. Tienen un ritmo acelerado y se lo comen todo. Una ciudad mediana bien comunicada, puede ofrecer un entorno agradable y acogedor para la celebración de un festival. Un festival es una experiencia, una fiesta, un viaje a otro sitio, un encuentro con otra cultura. El descubrimiento de nuevas propuestas artísticas. El encuentro con creadores, productores… público. Debe ser algo que agite la ciudad, que le dé la oportunidad para hacerse ver. Con el tiempo, además puede reforzar su identidad y puede quizás ejercer de algún tipo de capitalidad. Ser capital de algo que supera sus límites naturales. Creo que Lleida aún no es consciente de la importancia de esto.

¿Cómo surge la imagen gráfica de este 2012?
Los proyectos suelen dejar a un lado dibujos e ideas que no se utilizan. Buenas ideas que no acaban de encajar en la propuesta final. Uno de esos dibujos es una interpretación de Medusa que hice para la imagen del Master de Animación de la Universidad Politécnica de Valencia. Me gustaba la imagen de Medusa con los ojos cerrados imaginando que al abrirlos nos convertiría en estatua de sal, anulando todo movimiento. Una negación de la animación. Pero buscaba otro tono para la imagen de este año. Deseaba encontrar algo mas lírico y poético. Esto me parecía atrevido para un festival de animación, pero siempre me ha gustado forzar los límites y contradecir los tópicos. Así que Medusa fue transformándose en una especie de Ophelia, una imagen que siempre me ha cautivado, con un poco de Rapuncel.

¿Cuál es el desafío en cada certamen?
Cada año me impongo un ejercicio de renovación estilística. Intento ofrecer algo diferente. Sorprender y sorprenderme a mí mismo. Entiendo que la imagen de Animac ha de ser benévola pero no condescendiente. Tener algo de magia y provocar el imaginario. Para mí un cartel ha de perdurar en el tiempo. Debe provocar el deseo de arrancarlo y llevártelo a casa para guardarlo como una joya. Son cosas que no se dicen en teoría de la comunicación.

¿Destaca en algo la animación en España respecto a la de otros países?
Creo que el animador español, como en tantos otros ámbitos, no tiene escuela. Por lo tanto es más anárquico y más libre. No tiene dogmas ni ideas prefijadas. Pero también, en muchas ocasiones, sus referencias son más limitadas y pobres. En este momento las producciones francesas están llenas de españoles. Los animadores franceses marchan a países donde cobran más y los nuestros emigran al norte.

¿Cómo ves la evolución de Animac estos años?
Estos últimos años la situación es compleja e incierta. Todo está en transformación. Al realizador independiente tradicional en su estudio, o a las productoras de televisión o de cine, se suman escuelas en el ámbito internacional que forman a estudiantes de gran talento. Producen películas de fin de estudios que son obras maduras y frescas. Hay otros creadores con una intensa actividad en internet en comunidades como Vimeo que se dan a conocer mundialmente desde casa. Todo esto ofrece un nuevo panorama desestructurado pero muy activo. Creo que más dinámico y más apasionado que hace unos años. Con unas enormes ganas de hacer cosas. Puede que podamos tener un papel interesante en todo esto.

Y el futuro, ¿hacia dónde debería mirar?
Creo que Animac debería llegar a ser un proyecto de ciudad en el que se impliquen todas las instituciones posibles. Generar actividades en torno a la animación a lo largo de todo el año. Me gustaría que la ciudad participase más del festival y lo sintiera como propio.

Aparte de Animac, también eres el impulsor de Puck Cinema Caravana, el cine más pequeño del mundo dedicado y, además, por entero a la animación. ¿Para cuando una próxima entrega?
Después del letargo invernal estamos preparando para Puck un nuevo programa. Si todo va bien estará disponible dentro de un mes. Este año el hilo conductor es el humor. Queremos acercarnos a esta forma de expresión desde muchos puntos de vista. Algunos autores tienen un acento canalla o irreverente; pueden ser ácidos, irónicos o también ingeniosos e inteligentes, o simplemente simpáticos. Películas en animación que van de la sonrisa a la carcajada.

¿Trabajas en algún proyecto de animación actualmente?
Se ha estrenado recientemente La Guerra de Troya. Una pieza teatral para niños de 8 a 12 años, producida por la Caixa. Tiene unos 50 minutos de audiovisuales. Decorados y escenas animadas que se proyectan sobre una pantalla, compartiendo la escena con 8 marionetas de un metro de altura. Así que estoy recuperándome del esfuerzo y disfrutando porque está funcionando muy bien. Empiezo a engrasar la máquina para desarrollar un proyecto personal. Un nuevo corto animado. Eso siempre requiere mucha convicción y mucha energía.

La Guerra de Troia / The Trojan War from carles porta on Vimeo.

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+info: carlesporta.com

¿Qué tal se duerme con Don Francisco de Goya entre las sábanas?
Llevo dos noches sin dormir. Entre fiesta de los Goya y viaje a Tokio con holandés grandote al lado. Así que aún no me he hecho a la idea.

¿Vas a dejar los lápices para dedicarte al guión? ¿Te ha llamado Spielberg?
Me ha gustado la experiencia del cine, pero sigo prefiriendo la libertad y la tranquilidad pijamera del cómic.

¿Se te ha pasado por la cabeza hacer un cómic de toda la experiencia? Ya hemos visto algunas viñetas hoteleras, ¿no?
De momento voy apuntando las anécdotas en mi libreta. Por algún lado saldrán. Quizá en un Memorias de un hombre en pijama 2.

FRANCISCO MARTÍNEZ ROCA

Llamado Paco Roca, es un historietista español, nacido en 1969 en Valencia, adscrito al movimiento de la novela gráfica, que produce para el mercado global.¹ Además de crear cómics, Paco Roca se dedica a la ilustración publicitaria.

Estas es lo que dice la Wikipedia de Paco. Si quieres saber más: Wikipedia/paco_roca

¿Tienes algún proyecto de animación más en marcha?
De momento no, pero estaría encantado de repetir con Ignacio.

¿Qué tal el Excellence Award en Japón? ¿Se puede decir que el cómic europeo tiene alguna oportunidad ante el cómic japonés?
El cómic occidental es muy minoritario aquí. Frente a los dos millones de un manga. Wacthmen vende 30.000 y es el bestseller. Pero poco a poco se va abriendo al cómic occidental.

Entonces estar ahí tiene mérito. ¿Qué les has hecho a los japoneses para que te den 300.000 yenes? ¿Qué crees que les ha seducido?
Parece ser que la valentía del tema. Les sorprende que una historia hable de la vejez… pero no les sorprenden los temas de los mangas de aquí que tienen como protagonista a una aspiradora o a un torero.

La última… una pregunta recurrente. ¿Dónde vas a poner el Goya?
Aún tenemos que repartirnos ese Goya en cuatro trozos: Ignacio, Ángel, Rosana y yo. Espero que no haya que descuartizarlo.

¡Gracias por las respuestas! ¡Enhorabuena y disfruta del sake!

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+info: pacoroca.com

Nos imaginamos que, en estos momentos, ya conocerás que tu tipografía Baar Sophia es la elegida para el logo de la candidatura de Madrid para los Juegos Olímpicos de 2020.
No. Es la primera noticia que recibo sobre esto. No, no tenía ni idea del uso que se ha hecho para el diseño del logo de la candidatura de Madrid 2020. No sé con quién contactar por este tema. ¡Gracias por informarme! [Le enviamos links e imágenes del logo]

Cuando diseñaste Baar Sophia, ¿lo hiciste desde un criterio estricto o más bien como una ejercicio tipográfico?
Acerca de Baar Sophia, no estaba hecha para convertirse en una fuente profesional, la intención era diseñar una fuente con un diseño condensado tipo «Times», pero con un aspecto más hecho a mano.

Baar Sophia es lo que yo llamo una «fuente de ayuda», una forma de compartir mis habilidades en el diseño tipográfico para ayudar y solucionar problemas.

En el momento de subir la tipografía a la web de DaFont, ¿lo hiciste para que todo el mundo hiciera un uso libre?
[Le enviamos el link a Dafont] Yo no subí esta tipografía a ningún sitio que no fuera mi homepage. Quien lo hizo, lo hizo sin preguntar.

La tipografía se ha descargado ya cerca de 200.000 veces. Si se utiliza fuera de uso personal, como dicen en el texto de licencia en DaFont, le aplicarás una licencia de pago. ¿Qué precio tiene esta fuente, si alguien quiere comprarla?
Yo sólo la licencio a las empresas para proyectos especiales, no para el uso general, como una fuente comercial. Baar Sophia ¡es mi bebé! jaja…

Una vez que has sabido que la marca de la candidatura olímpica de Madrid 2020 ha utilizado la fuente, ¿vas a solicitar alguna compensación por ello?
Voy a esperar; a ver si alguien de la agencia o alguien contacta conmigo con una oferta adecuada… Queda mucho tiempo para el año 2020.

¿Nadie de la agencia en España que ha desarrollado el logotipo ha contactado contigo para pedir permiso o la licencia?
No. [Hoy nos confirma que Tapsa se ha puesto en contacto con él y han llegado a un acuerdo por 1.500 euros].

¿Estás contento de que la fuente utilizada en el logo sea la tuya?
Sí, yo creo que se ajusta a la finalidad muy bien.

Después del ‘éxito’ de Baar Sophia, ¿piensas retomar el diseño de tipografías?
Cierto que anteriormente también realicé fuentes comerciales para Linotype, puedes echar un vistazo aquí. Sin embargo, mi viejo software (Fontografer) ya lo he retirado. Hoy en día prefiero dedicarme a hacer obras de arte, en digital o acrílico.

Aquí está mi página de inicio, como un artista: www.baar.se

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+info: www.baar.se

ACTUALIZACIÓN [debido a los comentarios]:

Llevamos desde el miércoles hablando por mail con Lutz. Y podéis ver pantallazos con todas nuestras conversaciones de mail aquí: http://graffica.info/wp-content/uploads/lutz.pdf

También hemos estado esperando a tener toda la información completa y contrastada para poder publicar la noticia con todas las garantías.

Es cierto que otros medios y blogs han publicado la información antes que nosotros pero ¿acaso esto invalida nuestro trabajo? Consideramos que no, tampoco el de ellos. Según nos confesó Lutz, fue a través de nosotros cómo conoció el tema, tal y como él mismo nos dice en su último mail.

Consideramos que lo importante es difundir la información para los 30.000 lectores que nos siguen.

Sentimos los comentarios que sin información se toman la libertad de decir algo que no es correcto.

Nombre completo, fecha y lugar de nacimiento.
Veronika Burian, 18 de diciembre de 1973, Praga.

¿Qué diseños recuerdas en tu casa cuando eras niña?
Setzkasten, un set de letras de papel con los que componía palabras. La vaca Milka. Y la leche en cajas triangulares.

Si no te hubieras dedicado a la tipografía, ¿qué te gustaría haber hecho en la vida?
Ser bailarina.

Un consejo para quienes aspiren a vivir del diseño.
Sé entusiasta con tu trabajo, honesto y estate preparado para confiar en la gente. Ellos lo apreciarán. ¡Mantente fiel a tus promesas! Sé modesto pero date a conocer. No temas enseñar tu trabajo. ¡Haz ejercicio! Levanta el culo de la silla, esto hará que tu creatividad fluya y te sentirás más feliz.

La tipografía es…
Pasión.

¿Cuál fue el primer trabajo que hiciste?
Mi primer trabajo tipográfico fue Mila, una extraña combinación entre una sans geométrica y una sans humanista. Mi primer trabajo como diseñadora de producto fue un teléfono móvil.

¿Y el último?
La tipografía Abril y Birdy.

Selecciona tres trabajos esenciales en tu carrera.
Las tipografías Maiola, Bree y Abril.

Cita un diseñador con el que te gustaría trabajar.
Matthew Carter.

Una empresa a la que le cambiarías la imagen.
Easyjet.

¿Qué le dices a alguien cuando te dice que no le gusta lo que has hecho?
Es justo, es una cuestión de gustos.

Un número del pantonero con el que te harías un traje.
192 C.

Elige y razona tu elección:

¿Neville Brody o David Carson?
Brody, es más sustancioso.

¿Milton Glaser o Paul Rand?
Rand, su estilo es mucho mejor.

¿Freehand o Illustrator?
Illustrator, es más fácil de manejar.

¿Quark o Indesign?
InDesign, más barato y con mejor soporte OT.

¿Garamond o Helvetica?
Garamond, ¡siempre clásica!

¿Estudio o agencia?
Estudio, hay menos publicidad relacionada.

¿Papel o digital?
Papel, cuando lo lees es más agradecido.

¿Lápiz u ordenador?
Ordenador, me siento más cómoda.

¿Mac o PC?
Mac, por dentro y por fuera.

Un equipo de fútbol, un político, una ciudad para vivir.
Odio el fútbol, no me importa ningún político en particular y me encantaría vivir en el mar.

Un homenaje a un tipógrafo que todavía no se le ha reconocido.
Oldřich Hlavsa.

Una marca que detestas y que despierta alabanzas en el mundo del diseño.
No me siento tan fuerte como para eso.

La película que nunca te cansas de volver a ver. El libro que nunca te cansas de releer.
2001 Odisea en el espacio; los libros de Milan Kundera.

Si estuviera en tus manos, ¿qué cambiarías del mundo del diseño gráfico?
Cambiaría el enfoque sobre la función y el usuario antes que promover la autoobsesión del diseño como tal.

¿Qué se debería enseñar en las escuelas de diseño y no se enseña?
Sostenibilidad, respeto y que no se hace todo por dinero.

¿Eres de las que opinan que tú lo hubieras hecho mejor?
Sí, y también siempre encuentro algo que se podría mejorar en mis tipografías.

Échale imaginación y propón a los políticos algo para mejorar el mundo del diseño.
Liberar al mundo del patrocinio de las empresas y ampliar la financiación cultural.

Tu foto a toda página en la portada de una revista: ¿qué revista y por qué razón?
Mis tipografías en una portada. ¡Yo, no!

Entrevista: Paz Martínez, desde Londres.

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+info: www.type-together.com