Este martes 15 de mayo se celebra la segunda jornada del ciclo Creativos con audiencia. Diálogos sobre publicidad, que se realizará bajo el título Diseñadores con audiencia. Se trata de una mesa redonda donde los diseñadores Pepe Gimeno, Kike Correcher, Dani Nebot e Ibán Ramón, moderados por Boke Bazán, analizarán la situación actual del diseño en la Comunidad Valenciana y su importancia en el proceso de la creatividad publicitaria.

Pepe Gimeno es diseñador gráfico y creador de Pepe Gimeno – Proyecto Gráfico. Kike Correcher es diseñador, fundador de Filmac y codirector del Congreso Internacional de Tipografía de Valencia. Por su parte, Dani Nebot es diseñador y miembro fundador de los grupos Nuc, Enebece y La Nave y Premio Nacional de Diseño en 1995. Por último, Ibán Ramón es diseñador y creador del estudio Ibán Ramón + Dídac Ballester. Boke Bazán, el moderador del evento, es diseñador gráfico, ilustrador, director de arte y director creativo de varios estudios y agencias de publicidad.

Esta mesa redonda es la segunda sesión del ciclo Creativos con audiencia. Diálogos sobre publicidad, organizado por Fundación Bancaja en colaboración con la Asociación de Diseñadores de la Comunidad Valenciana, y que reúne cada martes en el Centro Cultural Bancaja, hasta el próximo 5 de junio, a expertos para analizar los distintos agentes que participan en la creatividad publicitaria: diseñadores, publicitarios, ilustradores y agencias de publicidad.

Estas jornadas sobre publicidad y diseño están organizadas por la Fundación Bancaja en colaboración con la Asociación de Diseñadores de la Comunidad Valenciana (ADCV). Consisten en charlas y conferencias gratuitas en las que expertos y profesionales de la publicidad reflexionan desde distintas vertientes -diseño, ilustración y publicidad- sobre el proceso actual de creación publicitaria y la situación de la misma.

Diseñadores con audiencia
Centro Cultural Bancaja de Valencia
Martes, 15 de mayo, a las 19.00 horas
Entrada gratuita -aforo limitado-
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+info: www.bancaja.es/obrasocial

EL LIBRO
La obra comienza con una semblanza biográfica y profesional de Daniel Gil. Tras una descripción de las principales características de El libro de bolsillo, Ruiz Martínez propone una tipología de clasificación de las más de dos mil cubiertas de esta colección, para profundizar a continuación en la cualidad surrealista del trabajo del diseñador, aspecto clave para entender su obra, así como en los distintos procedimientos empleados para elaborar sus diseños.

Más de doscientas cincuenta portadas acompañan el texto descubriéndonos el estilo inconfundible de Daniel Gil: un asombroso repertorio de recursos visuales totalmente actuales que, a través de objetos, manipulaciones fotográficas, collages, tipografía, etc., logran transmitir el contenido del libro, pero sin reproducir lo obvio.

Daniel Gil, los mil rostros puede adquirirse a través de librerías especializadas en diseño y en la tienda online www.creando.net. En breve se encontrará también en edición digital, incluyendo un recorrido por la exposición-homenaje que se realizó en Santander y la entrevista de José Manuel Ruiz Martínez, autor del libro, con Ángel Uriarte, ayudante de Daniel Gil durante su paso por Alianza Editorial y diseñador reconocido.

Para los diseñadores más experimentados y para los que están empezando, para artistas gráficos y lectores nostálgicos, para todos ellos acaba de publicarse Daniel Gil, los mil rostros del libro. La publicación revisa la obra del genial diseñador, autor de más de cuatro mil cubiertas para Alianza Editorial y conocido referente del diseño gráfico dentro y fuera de nuestro país.

Daniel Gil Pila fue uno de los pioneros de esta disciplina artística en España. Su extensa obra es de sobra conocida, sobre todo la realizada para Alianza Editorial, en su colección El Libro de bolsillo, entre 1966 y 1989. Sólo hay que revisar un poco nuestra biblioteca personal para encontrar algunas de sus cubiertas.

Alberto Corazón, ilustre colega de Daniel Gil, dijo de él: «Sus cubiertas han constituido para nosotros, los diseñadores, una referencia inevitable de técnica y rigor, de imaginación aplicada y control creador. Y para ustedes, lectores, una inagotable fuente de aprendizaje estético, placer y comprensión del diseño». Y es que el trabajo de Gil supuso un punto de inflexión en el gris panorama del diseño de cubiertas de los años 60 que, como él mismo explica, «consistía en elegir una tipografía y una imagen y luego repetirlas a lo largo de la colección».

Con una trayectoria profesional y artística sobresaliente, Daniel Gil fue distinguido con numerosos galardones, entre ellos la Medalla de Oro a las Bellas Artes y dos premios Laus. Fue además el primer diseñador gráfico que expuso su obra en la Biblioteca Nacional; la primera vez en 1984 con motivo de la publicación del número mil de El libro de bolsillo y otra, más extensa, en 1990. Pero sin duda, el mayor reconocimiento a su trabajo vino de parte de la gran libertad creativa que le fue concedida en Alianza Editorial y que le permitió, entre otras cosas, ser el primer diseñador que se atrevió a firmar su obra en la contraportada de las ediciones.

El libro, escrito por José Manuel Ruiz Martínez y editado por la Obra Social de Caja Cantabria y Creando Estudio Gráfico, sirve como colofón a la exposición-homenaje que hemos podido ver recientemente en Santander, ciudad natal de Daniel Gil. Con esta publicación Ruiz Martínez, licenciado en Filología Inglesa y doctor en Teoría de la Literatura y Literatura Comparada por la Universidad de Granada, ha querido la difusión de la obra del diseñador «que más ha aportado a mejorar la educación visual de los españoles».

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+info: creando.net

FRANK LLOYD WRIGHT: GRAPHIC ARTIST
En el libro Frank Lloyd Wright: Graphic Artist [en inglés] Penny Fowler se ha propuesto reivindicar las numerosas aportaciones que el estadounidense realizó en el mundo del diseño. En sus páginas se recogen las portadas que creó para Liberty, algunos estudios tipográficos dibujados a mano, el diseño de las sobrecubiertas de sus propias publicaciones, como The House Beautiful y An Autobiography, diversos experimentos fotográficos, así como sus diseños murales para Midway Gardens.

El nombre de Frank Lloyd Wright (1867-1959) es sobradamente conocido dentro del mundo de la arquitectura. El estadounidense nos brindó unas magníficas construcciones. Sin embargo, si tanteáramos dentro del ámbito del diseño, nos tememos que a muchos les costaría indicar cuál ha sido el tributo del arquitecto dentro de este campo. Todo ello a pesar de que las aportaciones que Wright realizó en su longeva carrera fueron muchas. Entre éstas se incluyen diseños de carteles, folletos, tipografía, murales, libros y portadas de revistas.

Frank Lloyd Wright fue uno de los grandes maestros de la cultura moderna. Viajó a Europa donde conoció los movimientos de vanguardia, pero también se embebió del arte ancestral proveniente de Japón. Sus influencias fueron numerosas y en Frank Lloyd Wright: Graphic Artist, Fowler traza ese recorrido donde encontró sus fuentes de inspiración. Desde su encuentro infantil con los bloques de construcción educativos de Friedrich Froebel en la Exposición del Centenario de 1876 hasta sus experimentos con diseños geométricos mucho antes de la era Mondrian.

En 1908 Wright escribió: «En cuanto al futuro, el trabajo se volverá verdaderamente más simple, más expresivo, con menos líneas, menos formas; más elocuente con menos trabajo; más plástico; más fluido, aunque más coherente; más orgánico. No crecerá para adecuarse más perfectamente a los métodos y procesos a los que se recurre para producirlo, sino que encontrará aquello que sea encantador o de buena reputación en el método o en el proceso y lo idealizará con el más limpio y más viril trazo que pueda imaginar». Tomamos nota, maestro.

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+info: brainpickings.org

Su especialidad no son las marcas, ni el diseño editorial, la web, el 3D publicitario o la edición de vídeo que todos conocemos, lo suyo es otra cosa: la ficción. Con la seguridad pasmosa de un curriculum único y apoyado por algunos de sus trabajos Aaron McBride fue desgranando su labor en Industrial Light & Magic, la empresa que fundó George Lucas en 1975 con motivo del rodaje de La Guerra de las Galaxias, y que desde entonces hasta la actualidad ha participado en la producción de casi 300 películas.

Comenzó a trabajar en el año 2000 como ayudante. Poco después se convertiría en el director artístico, diseñador, artista conceptual y animador que le ha llevado a responsabilizarse del diseño de personajes, ambientes y efectos especiales, lo que los americanos llaman VFX Art Director, de películas tan conocidas como Piratas del Caribe, Star Wars: Episodio III, Ironman, Men in black, Inteligencia Artificial, Rango, Transformers, Harry Potter, Los vengadores o Battleship, entre otras.

Con casi 600 trabajadores de todo tipo de disciplinas, la empresa que comenzó en una nave industrial, hoy tiene su sede en unas modernas instalaciones frente a la bahía de San Francisco, donde «todo a tu alrededor te inspira, desde el talento de la gente que te rodea, hasta la presencia de los personajes de ficción creados por nosotros para las diferentes películas», según relataba el propio Aaron, y donde el denominador común de todos los que allí trabajan «es la pasión por lo que hacen».

Poco a poco, y a través de ejemplos, Aaron ofreció buenas muestras de su trabajo, sus trucos, sus fuentes de inspiración [tema que estuvo muy presente en casi todas las ponencias del MAD], los comentarios de los directores o los briefings para la creación de los personajes, y deleitó al público [nos deleitó] con imágenes de su trabajo del día a día, con bocetos, con maquetas y con los montajes finales. Y cuando nos quisimos dar cuenta se había terminado.

Corto, se hizo muy corto.
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+info: madinspain.com

Ayer arrancaba The App Fest, el festival de las aplicaciones organizado en el Teatro Circo Price de Madrid. La intervención de Xavier Mariscal era una de las más esperadas. Xavi no es de guión fijo, todo lo contrario; domina el arte de la improvisación y así lo demostró sobre el escenario. Aunque finalmente no pudo realizar una ilustración en directo mediante su iPad, Mariscal hizo gala de su gran sentido del humor y de sus dotes interpretativas: «¡Los de Apple son unos ratas!», bromeaba.

A lo que continuó: «Nos dicen, ¡menuda tontería las tabletas, nos las están introduciendo para consumir más! Pero eso no es cierto. A mí, por ejemplo, el iPhone me permite escribir unas cartas espectaculares incluso a una amiga coreana, en coreano, en traducción casi inmediata. A lo largo de mi carrera siempre he sido muy intuitivo, y las aplicaciones son muy intuitivas».

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+info: theappfest.com

REST IN PEACE
«Hillman falleció en su casa, el 18 de abril a las 6:03 pm, en la presencia de su amada esposa, dos hijos, su hermana, cuñada y cuñado. Él tenía 51 años de edad y murió tras una larga batalla en la que luchó ferozmente contra el cáncer de colon.

Hillman amaba profundamente su trabajo, todo en su conjunto -como director de cine, diseñador gráfico, todos los aspectos de los nuevos medios- y sobre todo amaba a sus mentores con talento, amigos y estudiantes en estos campos. Su tema favorito era la inspiración y se aseguró de rodearse de ella y encontrarla en todo -sus colegas, su familia, Nueva York, el arte, el cine y todos ustedes-.

Él amaba a todos y se llevó la energía de aquellos con los que mantuvo correspondencia, intercambio de ideas y con sus fans.

Sweet Hill Prince, un verdadero caballero, buen padre y un artista apasionado, Rest in Peace».

Esta mañana nos hemos levantado conmovidos con una triste noticia. El diseñador y director de cine Hillman Curtis fallecía ayer a las 18.03 h. (EEUU) a causa de un cáncer de colon.

Milton Glaser, Paula Scher, David Carson, Stefan Sagmeister, Victore James, Pentagram han quedado retratados bajo la cámara de Curtis, quien ganó notoriedad con su serie de cortos documentales online Artist Series, sobre diseño y diseñadores. Actualmente trabajaba en The Happy Film junto con Sagmeister este fin de semana anunciaba su estreno en unos meses, tras finalizar el verano.

Aparte de su trabajo en cine, Hillman ha sido un teórico y gran defensor del ‘movimiento’ en Internet. Según él, muchas veces «el movimiento de los gráficos es más importante y comunica más que los propios gráficos, en función de que le demos más o menos velocidad». También ha hecho bandera de la importancia los diseños claros, directos y que comuniquen de forma global.

Curtis ha sido director de arte de Macromedia.com hasta 1998. En la actualidad, dirigía Hillmancurtis Inc., donde trataba de explorar el campo del video en la red.

También ha hecho varias películas dramáticas cortas y ha filmado spots y comerciales para IBM y Blackberry, así como los contenidos de la web comercial de Sprint, Bobbi Brown Cosmetics, SVA, Rolling Stone y muchos otros.

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+info: hillmancurtis.com

¿Cómo te sientes tras haber bajado del escenario?
Relajado.

Cuando te llamaron del MAD para dar esta conferencia, ¿cómo te la planteaste?
La verdad es que yo tenía una idea completamente distinta. Una cosa que me gusta desde siempre es que me gusta el diseño que está en la calle. Esto es un capricho desde hace 30 años, cuando llegué aquí que trabajé un tiempo con Rolando y le decía: ‘qué chulas las cosas de diseño que hacen los yanquis’. Entonces el me dijo: ‘sí, pero eso es sólo lo que ves en las revistas porque lo que ves en la calle no es eso’. Y desde entonces se me quedó grabado.

Me gusta que mi diseño esté en la calle. Por eso, me había planteado la charla con un vídeo fotografiando los camiones de basura desde que salen por la noche hasta la madrugada y todo el recorrido que hacen. Luego irme a algunas sucursales de un banco y ver a la gente entrando y saliendo, ir a Santa Eulalia y que la gente saliera con las bolsas… Es decir, ver cómo mi trabajo estaba vivido en Barcelona, pero eso era largo y no había tiempo. Esa será la próxima conferencia.

Entonces, ¿cuál ha sido el camino alternativo?
Me dije, con el tiempo que tengo, ¿qué hago? Yo tampoco es que tenga demasiada teoría atrás. Por otro lado, no soy buen conversador, no me considero un buen speaker, me cuesta hablar en público.

Bueno, pero al público te lo has llevado de calle. Ahí están como muestra las ovaciones y aplausos, que han sido muchas…
Pero hablaba poco, era más lo que mostraba. Decía ta-ta-ta y mostraba… ta-ta-ta y mostraba. Lo que me preguntaba era, ¿qué hago? ¿Qué puedo aportar en una charla y que no sea mostrar la web?, porque odio las charlas que sólo muestran el catálogo de trabajo. Y me dije, contaré cómo encuentro la idea, el proceso de las ideas.

¿Alguna vez has tenido esa sensación de ver algo ya repetido o de ver sólo catálogos ‘cromos’ en otras conferencias o eventos de diseño? Sí, y más ahora que están las páginas web.

¿Cómo es tu proceso para encontrar ideas? Tengo un problema que resolver y trato de encontrar qué es eso que es único y diferente. Realmente es eso, encontrar ese punto diferencial. Por ponerte un ejemplo, la limpieza de Barcelona, hay que identificar limpieza, pero mi obsesión es que no sea la limpieza en general, que no sirva para Bilbao o para Valencia, Que sea sólo para Barcelona. Como en el caso de Santa Eulalia.

¿Piensas que existe un momento concreto de inspiración? Quizás hay días que estás más lúcido, que has dormido más. No, no creo que sea inspiración. Como decía Picasso, si existe la inspiración que te pille trabajando.

Algo que se ha comentado en la MAD este año es que, actualmente, cuando se busca ‘la inspiración’, acudes a lo más fácil: internet y por tanto, todos acabamos bebiendo de las mismas fuentes y los mismos referentes. ¿Crees que ese es uno de los problemas de esa inconexión en el diseño?
En parte sí, pero en gran parte creo que es por la educación. No se educa a la gente para ser ellos mismos.

En las escuelas de diseño, ¿qué debería haber o echas que falta?
Hace 15 años que no doy clase. pero creo que historia del diseño, ver el diseño como un proceso histórico, cómo se ha ido desarrollando y la vinculación entre diseño y la sociedad, cómo se van interrelacionando y cómo en cada momento el diseño va influyendo.

Y enseñar un poco más de modestia, por qué esto es necesario, útil… pero no es poesía, es diseño; es una cosa funcional. Y que ser famoso y ser diseñador no es importante.

¿Qué consideras que hace falta en el diseño español?
Concepto. Lo veo todo muy inconexo. Todo. Yo lo llamo efecto incauto…

Esa misma sensación, ¿la tienes con loas trabajos que ves en otros países?
En Inglaterra no, en Estados Unidos tampoco. No, eso ocurre aquí, en España. Todo el mundo es válido, pero no veo línea.

¿Qué tipos de proyectos te llenan más?
Todos. Sin preferencias, todos.

¿En qué estás trabajando ahora?
En la nueva imagen de la CAM que se la ha quedado el Banco Sabadell. Y toda la imagen de los museos de Barcelona, aparte de la gráfica de dos o tres exposiciones, una en la CAM, sobre la edad de oro de la alta costura y otra en Oviedo.

¿Cómo se consigue mantener un cliente como Banco Sabadell con el que llevas 20 años trabajando?
Con buen rollo y porque, en definitiva, funciona. Es que no entiendo por qué tendría que cambiar. Pero es que con Evax llevo 30 años y con el Grupo Tragaluz 18. Yo soy así, de long lasting relations.

Fotos: Juan Martínez

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+info: Mario Eskenazi en gràffica

«Pequeñas decisiones que parecen inocuas tienen una implicación en la vida. Al final te llevan por diferentes caminos. Por esos caminos vives aventuras que te permiten que aún te emocionen las cosas».

«Yo estudié arquitectura y más tarde publicidad por la componente de locura que tiene. Yo disfruto con proyectos de dos o tres meses. El mundo de la publicidad es mucho más caótico aunque mucho más sencillo que el mundo del cine».

«Hay quien afirma: ‘la tecnología nos deforma’, pero no es así. te ayuda a trabajar de cierta manera. En los años 80, el coste de las máquinas era muy costos y los cambios de algoritmos también. Ahora los planteamientos son a gran escala».

«Mi madre dice eso de ‘eres el hijo más increíble del mundo’. En publicidad se trabaja en paralelo con la iluminación, el modelado del 3D… y al final el proyecto tiene 3 madres distintas».

«El proceso paralelo es que alguien construye el personaje, hay otro que está en el modelaje y entonces el cliente quiere un cambio en el modelo, pero claro, el animador ya ha empezado a animar el primer modelo…».

«El desarrollo se hace fuera de contexto. No sabes cuál va ser la iluminación el día de rodaje. Por tanto te encuentras en un continuo ajuste múltiple de variables y lo que hace cada uno por su parte es muy probable que al unir las piezas no funcione o que cuando toques una pieza rompas otra. Y lo peor de todo es que a veces no sabes por qué estás haciendo eso. Estás ahogando la creatividad. Hay que dejar margen a los artistas para llegar a donde tienen que llegar».

«Los buenos artistas llegan a llorar cuando el cliente te dice que tienes que hacer un cambio».

«Cuando el proyecto es más grande, la complejidad crece a escala. Mientras que los clientes piden más flexibilidad, al mismo tiempo, lo que tú quieres es consistencia para el proyecto».

«Hay cosas que deben quedarnos grabadas y es que el trabajo siempre debe quedar perfecto».

«Para mí, la medida de mi trabajo es mirar tres años atrás y ver si ha sobrevivido bien. Si veo que no ha llevado bien el paso del tiempo, entonces tengo que replanteármelo».

«Aunque estoy hablando de cosas muy técnicas la idea es que tengamos claro que hay que observar, mirar las cosas».

«La idea es que si aprendes de las limitaciones de la vida real, luego nos va a liberar a la hora de trabajar y afrontar el problema».

«Me he apoyado en la ciencia para poder liberarme e irme a casa. El efecto colateral es que trabajas demasiadas horas y que tu cabeza se vacía».

«Tienes que entender quién eres y hacia adonde quieres ir. Tienes que trabajar inteligentemente y que todo esté perfecto en el pixel».

«Hay que aceptar el caos».

«The Mill es un sitio en el que creemos en la creatividad porque la cultura no se compra, se consigue con decisiones coherentes».

Fotos: Juan Martínez

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+info: madinspain.com

Vitaly Friedman:

«Smashing Magazine es una revista online especializada en diseño de página web. Estamos en Friburgo al sur de Alemania es una ciudad pequeña y muy aburrida, pero está al lado de la Selva Negra y es muy bonita para visitar».

«Generalmente hablo con muchos diseñadores y esta ponencia ¡es mi venganza con los diseñadores!».

«La inspiración en sí misma es maravillosa. Según el diccionario, la inspiración es una influencia divina. Sin embargo, la inspiración es muy distinta»

«Ahora en el mundo del diseño web, normalmente, vas a internet y encuentras webs como Silverback que fue la primera que utilizó el efecto parallax) y yo ¡la odiaba con toda mi alma! porque de repente se convirtió en una tendencia y todo el mundo utilizaba este efecto porque parecía que era lo que molaba».

«Al final todos sacamos inspiración de las mismas fuentes y al final todos hacemos lo mismo. Vamos a distintas páginas de internet con distintos elementos, los unimos y decimos pues ya está».

«No me gusta porque se están utilizando todos estos elementos tan de moda cuando quizás deberíamos cuestionarnos: ¿por qué no hacer algo que es más aburrido, pero realmente está informando?»

«¿Por qué hay que añadir tanto ruido visual a lo que es una página informativa?»

«Este tipo de diseños que son ‘inspirados’ se quedan atrapados en lo que es tendencia. Yo creo que en vez de hacer esto, tendríamos que hacer un diseño holístico. El enfoque debe ser adecuado. Porque algo sea chulo no significa que sea buen diseño».

«El diseño no explica las decisiones que te han llevado a ese diseño ni los problemas o restricciones que te ha puesto el cliente ya sea por presupuesto o por contenido. Todo depende del contexto».

«El contexto es esencial pero no es visible. Esto es algo que está muy repetido, pero no se aplica lo suficientemente. Todo es diseño y hay cosas que están tan bien diseñadas que llega un momento que no las ves. Nuestra experiencia se hace invisible».

«Si yo quiero que mi página sea invisible debe tener sustancia, tiene que dejar un legado, un contenido».

«Los elementos del diseño invisible son varios. Primero, el poder de la idea. Esta idea debe ser imperecedera. De forma que cuando hagas un cambio puedas volver a la idea inicial. Esa idea inicial debe buscar solucionar en una 1ª fase los problemas de los clientes, no de los usuarios».

«La idea es importante, pero la idea es frágil. Hay que ponerla en práctica. Aquí es donde debemos jugar porque todo tiene un valor, un significado. Ahí está la virtud. Tenemos que presentar nuestro carácter y quiénes somos».

«También está el poder de la utilidad. Hay mucha gente buena y es difícil llegar a ser diferente. Por esta razón es importante la utilidad. Una página web en la que independientemente del idioma encuentras lo que quieras al momento, sin tener que buscar y buscar. Eso es la utilidad».

«Hay que saber desprenderse de lo superfluo. Cuando hago una búsqueda de una web en mi Mac o pc, después hago esa misma búsqueda en el móvil porque las webs están limpias de ruido y justo eso es lo que necesito».

«El poder de medir la calidad. Debemos comprobar la calidad. Tú no quieres que tus usuarios se confundan y encuentren otras cosas. El diseño con personas es el que mejor funcionaba».

«El poder de la ambición. Un buen diseño debe estar comprometido con la calidad y la mejora. Para mí, lo importante es que el trabajo que estamos haciendo tenga un significado. Yo nunca cojo atajos».

«Si yo voy a presentar algo en mi portafolio quiero asegurarme de que está perfecto, quiero mostrarlo orgulloso».

«El punto final es el poder del lenguaje. A veces infravaloramos este poder, pero significa mucho, puede tener un efecto dramático para los usuarios. Una web debe tener información pero no mucha para que no sature».

Fotos: Juan Martínez
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+info: madinspain.com/2012

«Intentamos trasladar los valores papel al medio online. Esto lo conseguimos a través de los destacados y dando protagonismo imagen».

«En una revista ves contenidos, no ves botones. Hay que quitar lo superfluo. Para Traveler desarrollamos un fade en el que la idea es contar una historia y te pone una imagen… Lo que finalmente haces es que te dejas llevar por las imágenes».

«Yo lo que te muestro es lo que te mostraría en una revista: texto + imagen».

«Navegar con muchas secciones tipo como la web de El País, es una locura. Hay poca gente que navegue de esa manera. Lo ideal es aglutinar el máximo de información en dos o tres secciones y luego desplegar una especie de índice que dice ‘esto es lo que te muestro’».

«Nuestro trabajo interno visual se apoya en una retícula. Nuestro santo grial es la retícula de 5px. A través de ella, al final, todo encaja: textos, botones, iconos, enlaces, los elementos de interfaz».

«Es importante para construir experiencias que todo encaje bien. Se trata de encontrar una coherencia visual tanto en horizontal y vertical».

«La tipografía es muy importante. Tratamos de jugar con 3 familias tipográficas la Atlactic para titulares y la Droid para cuerpos. Es importante que técnicamente incorporemos esos aspectos porque es un punto que le da coherencia en papel y online».

«Cuando el mercado está muy trillado hay que aportar algo nuevo. Eso es lo que hicimos con Vvusic, que fue un proyecto para Sony, como una especie de Spotify para vídeo, que al final no salió al mercado. Nosotros nos encargamos del apartado de diseño e investigación».

«Para nosotros hay una componente muy importante de diferenciación. A la hora de diseñar la interacción buscamos que haya una sensación táctil, el contenido es la misma interfaz, no hace falta que alguien te diga ‘haz clic’. Además debes tener la sensación de que es táctil, elementos de relieve de forma que yo sepa que es algo que puedo accionar, porque se trata de descubrir, no de encontrar. De lo que se trata es de crear una experiencia única».

«Uno de nuestros referentes es Dieter Rams, diseñador para Braun y responsable de muchos de los productos que hemos utilizado. Él escribió los 10 principios del diseño. Este es nuestro favorito: el buen diseño baja hasta el último detalle. El diseño está en el detalle. Todo contribuye a la experiencia».

«Somos los tíos más empollaos en portfolios visuales de todo el planeta».

«Hace un tiempo la gente intentaba dar mucha importancia al continente…. era la época del flash, del movimiento… imaginaos todo lo que ha pasado…».

«Indexhibit te dejaba libertad y la línea que ganó finalmente fue la libertad. Luego Cargo Collective era como Indexhibit pero te permitía trastear. Los portfolios de los diseñadores eran imagen, textito; imagen, textito. Según la profesión tiraban más por una línea u otra: full screen o no. Esto tiene que ver con el ratio de las imágenes. Problema visual, teníamos que definir un diseño lo más neutro posible. Fue un proceso duro».

«Ahora lo que cuenta es lo que el usuario toca».

«Otra frase de Dieter Rams: ‘El buen diseño es tan poco diseño como sea posible’. La frase ‘Less is more’ es muy conocida pero yo me quedo con esta otra. Nosotros tuvimos poco diseño en el aspecto visual pero mucho diseño en la interacción».

«Nuestro claim es action & emotion (acción y emoción)».

«Las experiencias nunca son neutras, hay que dirigirlas, estoy hablando de diseño emocional. Todos tenemos cosas a las que tenemos cariño o tenemos manía en los porqués  es en lo que hay que profundizar. Ante factores funcionales, ¿por qué nos decidimos por una o por otra?».

Casi todos conocemos la pirámide de Maslow, nosotros la hemos aplicado en el diseño web:  Funcional -> Confiable -> Usable /// Placentera. La cima de esa pirámide es la sensación placentera, pero casi todo el mundo se queda en la usabilidad. Ese salto es el diseño emocional».

«Las cosas bellas producen buenas emociones. Es un ideal que debemos perseguir: proporciones adecuadas, colores armónicos…. Esa es la diferencia».

«Los proyectos deben tener personalidad. Nosotros hablamos de human to human interaction. Cuando una persona interactúa con una aplicación hace falta que ésta tenga personalidad, un tono de voz. Me pregunto: si mi site fuera una persona, ¿cómo sería?».

«Al final de lo que hablamos es de amor. Queremos que los usuarios amen nuestros productos».

«Esto que veis [BeBanjo] tiene un nombre: ‘puto formulario de mierda’. Esperamos que todos los diseñadores web pongan tanto amor como nosotros hemos puesto en este formulario».

«Por muy insignificantes que parezcan las cosas, siempre son muy importantes para alguien. En las cosas insignificantes están los detalles».

«Yo os animaría a que toméis vuestro trabajo con toda la responsabilidad pero con toda la diversión que hay detrás; que veáis al usuario pero también a la persona que hay detrás y que defendáis vuestro proyecto hasta el final».