Creative Review – CRTV08 – McKnight Kauffer Exhibition from ORDER on Vimeo.

Edward McKnight Kauffer (1890-1954) es un pionero del diseño y una de las figuras imprescindibles que supo fusionar magistralmente el arte y la publicidad. Con motivo de la muestra que recientemente le ha dedicado la galería Estorick Collection de Londres, la revista Creative Review ha realizado un vídeo en el que se muestran sus increíbles piezas y donde además el conservador del museo Christopher Adams descubre algunos de los secretos del artista estadounidense [nació en Montana pero desarrolló la mayor parte de su carrera en Inglaterra]. Por nuestra parte, en Gràffica no hemos querido dejar pasar esta oportunidad para redescubrir a este genial artista gráfico.

Edward McKnight Kauffer produjo algunas de las imágenes comerciales más emblemáticas e influyentes del siglo XX. Un artista muy versátil, cuyo trabajo se inspiró en una amplia variedad de estilos que van desde el arte japonés al Fauvismo pasando también por el Constructivismo o el Futurismo. Su obra abarcó la pintura, las artes aplicadas, el diseño de interiores y la escenografía, una vida profesional que era paralela a la que en París llevaba otro gran genio del cartel: A.M. Cassandre.

Los carteles creados por Kauffer para clientes como London Underground y Shell durante el periodo de entreguerras siguen siendo sus trabajos más célebres. Pero también ilustró libros, como The World in 2030, escrito por el conde de Birkenhead, en el que se observa una huella clara del Futurismo.

Nacido en Montana en 1890, Kauffer desarrolló precoz su talento artístico en una primera etapa dibujando los escenarios de la ópera local. En 1912, uno de sus profesores en la Universidad de Utah, Joseph McKnight, decidió financiar al joven Kauffer para proseguir sus estudios en París. Como señal de gratitud, Kauffer incorporó posteriormente el apellido de su benefactor y pasó a denominarse Edward (Ted) McKnight Kauffer.

Tras el estallido de la Primera Guerra Mundial Kauffer huyó a Inglaterra. Se instaló en Londres, donde residió entre 1914 y 1940. Y allí es donde en 1915 recibió un encargo decisivo, el diseño de los carteles publicitarios para el metro londinense. Si bien uno de sus trabajos más célebres es Flight (1916), una impresionante pieza que en 1919 el mismo McKnight adaptó como un póster para anunciar el periódico londinese Daily Herald. El título del cartel fue Soaring to Success! The Early Bird y está considerado como el primer cartel publicitario cubista publicado en Inglaterra.

La originalidad y el dinamismo de estas imágenes le llevaron a recibir encargos por parte de una variada cantidad de compañías y editoriales en los siguientes dos décadas, incluyendo Fortnum & Mason, Humphries Lund y Chrysler Motors. Su legado abrió una nueva perspectiva dentro del campo del diseño gráfico junto con otros compañeros de las vanguardias artísticas, con figuras como T.S. Eliot, Ezra Pound y Wyndham Lewis, quienes al igual que Kauffer tenían sus raíces en los Estados Unidos aunque desarrollaron su carrera en Londres.

Los últimos años de su vida decidió volver a Estados Unidos, en concreto a Nueva York, donde a pesar de sus excelentes carteles no obtuvo tanto éxito como en Inglaterra. En gran parte, este hecho se produjo porque el simbolismo y la imaginería modernistas de la que hacían gala sus anuncios no eran bien aceptadas en los muros de las calles neoyorquinas, aunque por paradójico que parezca, sí en el museo del MoMA, que en 1937 le había dedicado una retrospectiva levantando numerosas alabanzas.

Un artista versátil, un pionero imprescindible.

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+info: www.creativereview.co.uk //  www.aiga.org/medalist-emcknightkauffer

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La Sala Canal (Madrid) dedica una amplia retrospectiva del fotógrafo y diseñador argentino de nacimiento y español de adopción (desde 1980 vive en Madrid). Una muestra dual, en la que Gatti ofrece dos caras opuestas de su arte.

En un primer nivel, Juan Gatti presenta una cara A, colorida y vibrante. Aquí encontramos sus carteles de inspiración vintage para Almodóvar, sus impecables fotos de moda y sus sugerentes anuncios para Sybilla o Jesús del Pozo. En otro nivel muy diferente, el espectador descubre una cara B mucho más introspectiva y pausada, donde el blanco y negro son las notas dominantes.

Dos caras, A y B, que sin embargo forman una sola obra o “dos exposiciones en una”, como explica Rafa Doctor, comisario de la muestra. La primera parte es una resumen de 30 años de trabajo dedicado a otros ya sea en el cine, la música y la moda. Aquí, lo que predomina es la luz frontal. Por el contrario, ‘A contraluz’, la segunda propuesta, está hecha con luz trasversal, de tal manera que se crean unos contornos distintos de las formas.

Juan Gatti (Buenos Aires, 1950) es diseñador y fotógrafo. Durante más de tres décadas se ha dedicado a configurar la cara de España a través de sus carteles de cine, portadas de discos y fotos de moda. 30 años de trabajo que quedan resumidos en la retrospectiva.

Hasta el 1 de abril de 2012 en la sala de exposiciones Canal de Isabel II (Santa Engracia, 125 – Madrid).

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+info: arteenlared.com

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Hacer un retrato es como intentar construir un rompe-cabezas sin tener todas las piezas. Es difícil conocer la totalidad del personaje, incluso para él mismo. Es por ello que todos los retratos son una aproximación subjetiva, incompleta y con más intuiciones que certezas. Por tanto, quien intente encontrar a Claret Serrahima en esta exposición, lo que encontrará son trazos de su trayectoria profesional, trabajos, obsesiones y hallazgos. La mirada será la de un creador gráfico, un activista de la ciudad y de la cultura y, por tanto, tendrá la imagen gráfica como línea narrativa que nos dibuja, nunca mejor dicho, al diseñador, al comunicador, al cronista visual, al artista vocacional, al fotógrafo dibujante, al activista cultural, en definitiva, al narrador.

La exposición Claret Serrahima se define tanto por lo que es como por lo que no es. Es una aproximación subjetiva, incompleta y con más intuiciones que certezas. Son más de 100 piezas hechas a lo largo de más de 25 años, un compendio dividido en cuatro capítulos (Cabeza, Barriga, Mano y Pies) que se centran en diferentes aspectos de su trayectoria: desde el diseño más conceptual y estratégico a los trabajos más libres e irreverentes.

No es una retrospectiva de un autor retirado, no es la photofinish de su carrera. Es una ojeada a un hiperactivo creador en pleno periodo activo con su estudio Clase bcn, tal como él mismo dijo cuando recibió el Premio Nacional de Cultura en el año 2010.

Es un conjunto de recortes de su trayectoria profesional, de trabajos, de obsesiones y de hallazgos. Lo que veremos serán fragmentos, pies, cabeza, barriga, mano, que conforman una imagen –si no completa, sí aproximada– de un creador gráfico, de un protagonista de la ciudad y de la cultura y, por lo tanto, tendremos la imagen gráfica como línea narrativa que nos dibuja, nunca mejor dicho, el diseñador, el comunicador, el cronista visual, el artista vocacional, el fotógrafo dibujante, el activista cultural, en definitiva, el narrador. Porque, al final, veremos que la exposición no es otra cosa que una narración, en la que hemos intentado hacer de traductores, lo más literalmente posible, de su capacidad creativa.

Cabeza, pies y barriga son proyectos realizados con el personal del estudio de Claret Serrahima, con aportaciones de diseñadores y de amigos. Todos los proyectos que ahora se exponen no habrían sido posibles sin su colaboración y complicidad.

Hasta el 19 de febrero en Arts Santa Mònica (Rambla Santa Mónica, 7 – BCN).

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+info: www.artssantamonica.cat

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Como diseñador y director de arte Neville Brody se ha mantenido a la vanguardia del diseño gráfico durante más de dos décadas. Ha empujado las fronteras de la comunicación visual en todos los medios a través de su trabajo experimental y desafiante; continúa extendiendo los lenguajes visuales que usamos mediante su expresión exploratoria y creativa.

Durante la celebración de La Ciudad de las Ideas (México, 2009), Brody habló de pensamiento instintivo y creatividad. De cómo los derechos de autor durante décadas vienen limitando nuestras actividades y que en realidad son muy pocas las personas que realmente crean. De que en el mundo actual no es suficiente pensar, sino que también hay que actuar. Y de la importancia de propagar la creatividad y la inspiración dentro de esta gran red en la que todos estamos conectados. Todo ello es lo que puedes descubrir en el vídeo que hoy te ofrecemos.

Neville Brody (Londres, 1957) empezó realizando cubiertas de discos para sellos independientes en lo que ya podía apreciarse un interés por el diseño de los años veinte y un alejamiento de las convenciones de las tendencias de la década de los setenta. En 1981 se convirtió en director de arte de The Face, un magazine revolucionario para el que diseñó Typeface Six, una nueva tipografía que recogía las influencias del punk y las nuevas corrientes de la New Wave, trabajo por el que se hizo famoso. También ha dirigido las revistas City Limits, Lei, Per Luie, Actuel y Arena, junto con el periódico y revista londinense The Observer. Además, el diseñador londinense ha sido el autor del libro de diseño gráfico más vendido en el mundo, The graphic language of Neville Brody. Es fundador de la red de espacios para la experimentación gráfica Research Studios, con oficinas en Londres, París, Berlín y Barcelona. Dirigidas por Lionel Massias (RSParís), Daniel Borck (RSBerlín), Pablo Rovalo (RSBCN).

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+info: www.researchstudios.com // www.ciudaddelasideas.com

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Así nos sucede cuando abrimos por cualquier página del libro. Inmediatamente comprobamos que nada es aleatorio, que todo está en su sitio correcto, sin salirse de cuadro. Dídac mantiene esa línea minimalista, sin estridencias, que es habitual en él, donde la atención se focaliza exactamente en el punto clave de aquello que interesa mostrar.

Un libro de diseño, sí; pero también un libro que nace de la reflexión continua. Un libro inspirador y que nace de la inspiración. Siempre con ese sello Dídac.

Dídac Ballester
Diseñador que nace y vive en Valencia. Su trabajo ha recibido galardones y reconocimientos como varios diplomas Daniel Gil al mejor diseño de libro y aplicación tipográfica (2005, 2006), selección en los premios Laus (2006, 2007, 2009), Certificado de Excelencia Tipográfica de Nueva York (2007), selección Platinum y Oro en el Graphis Poster de Nueva York (2007), varios premios Visual a la mejor aplicación tipográfica, diseño de libro y libro promocional (2007), el Plata al mejor diseño de revista en los Premios ADCV (2009) o una selección en el diseño de marca y un accésit al mejor diseño de packaging en los premios Anuaria (2009).

Sus trabajos han aparecido en diferentes publicaciones nacionales e internacionales como Logo Made in Spain, editorial Made in Spain, Mute, World’s signs selection, Select B, Select C, Graphic design from Spain, Fuse, Ibarra Real letra pre-texto & con-texto, Refuse, The Annual of the Type Directors Club of New York Typography 27 y Typography 28, Graphis Poster Annual 2007 o New York Times.

Ha participado en exposiciones y muestras de diseño gráfico como The Designer’s Day (París), Visualkultur (Feria del Libro de Frankfurt), Valencia en cartel: 100 carteles españoles 1980 – 2008 (Varsovia) o la Bienal de Carteles de Bolivia.

Algunas de sus obras forman parte de los fondos de colecciones como la de la Fundació Antoni Tàpies, la Fundació Comunicació Gràfica de Barcelona para un futuro Centre Museu del Disseny, el Museo del Cartel de Wilanów  de Varsovia o El estante de las cosas bonitas de Belén Payá.

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+info: www.didacballester.com

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Lavernia recibirá la Medalla de Oro al Mérito en el trabajo, en virtud del acuerdo adoptado por el Consejo de Ministros para la concesión de 24 medallas. El galardón se concede para premiar y destacar «una conducta socialmente útil y ejemplar en el ejercicio de cualquier trabajo, profesión o servicio.

Nacho Lavernia fue cofundador con otros diseñadores del colectivo La Nave en 1984 y en 1994 creó con Alberto Cienfuegos el estudio de diseño Lavernia-Cienfuegos, desde donde llevan acabo proyectos de diseño gráfico y de producto, que ofrecen soluciones integradas (diseño y gráfica en el envase, naming, estrategias de comunicación, etc.).

Su trabajo ha sido galardonado con premios nacionales e internacionales como Liderpack, Laus, Delta de Plata, cuatro Design Plus en Frankfurt, un Dieline en Chicago y han obtenido dos veces el Typographic Excellence del TDC de Nueva York.

Aforo limitado. Es necesario confirmar asistencia por correo electrónico a: comunicacio [arroba] elisava.net.

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+info: www.elisava.es

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La Medalla de Oro se concede con el fin de premiar y destacar el mérito de una conducta socialmente útil y ejemplar en el desempeño de los deberes que impone el ejercicio de cualquier trabajo, profesión o servicio.

Nacho Lavernia. Diseñador gráfico e industrial, estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Valencia y en la Escuela Elisava de Barcelona. Tras formar parte de distintos equipos profesionales de diseño, creó en 1995 su propio estudio. Sus conocimientos le llevaron a participar en exposiciones de diseño en España y el extranjero y a escribir artículos en revistas especializadas. Desde 2007 su estudio de diseño aparece incluido en el libro Desing Now! de la editorial Taschen, donde se hace una selección de los noventa estudios de diseño de productos más destacados a nivel mundial.

Lluís Bassat. Nacido en 1941 en Barcelona, dedicó su vida a la publicidad. Empezó vendiendo televisores a domicilio mientras estudiaba Ciencias Económicas y en 1975 fundó Bassat & Asociados. En 1980 una multinacional adquirió una participación y se creó el grupo Bassat Ogilvy Iberia. A partir de 1987, y durante ocho años, desempeñó el cargo de asesor de publicidad, comunicación e imagen de la Presidencia de la Generalitat de Catalunya. En el año 2000 fue galardonado como el mejor publicitario español del siglo XX.

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+info: www.tt.mtin.es

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Años después, Paula retomó esta afición por los mapas, pero realizados desde otro punto de vista muy distinto. En la década de 1990, Paula Scher comenzó a pintar coloridos mapas tipográficos del mundo, sus continentes, países, islas, océanos, ciudades, calles y barrios. Este comportamiento obsesivo y obstinado de pintar mapas fue una reacción contra el exceso de información y el flujo constante de noticias, que, como los cuadros, presentan las versiones sesgadas de la realidad de una manera aparentemente autorizada. Las pinturas se recogen por primera vez en Paula Scher: Maps, un nuevo libro de Princeton Architectural Press.

Maps presenta 39 pinturas, dibujos, grabados e instalaciones medioambientales -incluido el reciente encargo de Scher para el campus de un colegio en el barrio de Queens (Nueva York)-. Y nos referimos a pinturas porque todos estos mapas han sido creados a mano, a base de pincel y lienzo. Para su realización, Paula no utiliza las herramientas del cartógrafo, sino básicamente las palabras, las letras y los caracteres. En vez de líneas, una selección tipográfica y de colores delimita las fronteras.

Las piezas originales son enormes -hasta 4 metros de alto- y el libro reproduce las obras en su totalidad; con todos los detalles del lienzo natural donde se revelan las capas de nombres de lugares pintados a mano, así como información y comentarios culturales. Uno de los desafíos más grandes del proyecto fue representar Europa, ya que existen países sumamente pequeños pero con un nombre extralargo. La solapa del libro se despliega en un póster en el que se ve el mapamundi y las líneas comerciales que le unen, una de las pinturas más recientes Scher realizada en 2010.

El libro se abre con un ensayo de Paula Scher sobre la influencia de su padre, un ingeniero que trabajó en fotografía aérea para el Servicio Geológico de EEUU en la década de 1950, quien le enseñó que los mapas no son totalmente precisos. De hecho, el título del ensayo es: Todos los mapas mienten. El padre Scher inventó un dispositivo de medición llamado Stereo Templates que corrige las distorsiones del objetivo de la fotografía aérea en la ampliación de los mapas impresos. De hecho, se puede decir que sus estudios sirvieron de base para lo que hoy conocemos como Google Maps. Simon Winchester, autor de El mapa que cambió el mundo, contribuye en el prólogo del libro, hablando sobre el encanto de los mapas en la era del GPS.

Está claro que  son mapas 100% inexactos, algo que a Paula no le importa, porque en ellos siempre ahonda en lo que realmente le interesa resaltar; la complejidad y la contrariedad de las ciudades, países y el mundo en que habitamos. Un mundo en constante proceso de cambio.

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+info: http://pentagram.com/

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Daniela estaba en la escuela con su portfolio y su cuaderno de dibujo bajo el brazo cuando de repente se le ocurrió empezar a esbozar algunas orejas. Al momento tenía la primera maqueta de Earonic, unas fundas para iPhone que, a modo de camuflaje, a más de uno le dará una sorpresa.

Desde entonces, CollabCubed ha ido mejorando el concepto original, fotografiando muchas orejas para después reproducirlas en las fundas para iPhone.

La duda es, ¿habrá pensado ya Daniela en la nueva colección para el iPhone 5?

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+info: collabcubedshop.com

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